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Mis blog en el boletín de la UNED MADRID

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

Mis blog en el boletín de la UNED Madrid

La UNED Madrid tiene una sección en su web llamada quienes somos, donde publican el BOLETÍN INFORMATIVO DEL CENTRO ASOCIADO A LA UNED EN MADRID.

En el boletín nº 2 han publicado una reseña donde hablan de mis blog y mi trabajo.

Quiero compartirlo con mis alumnos, seguidores y visitantes de los mismos agradeciendo vuestro interés y comentarios.

Aquí os dejo el enlace donde se pueden encontrar los pdf de los boletines publicados hasta el momento y la posibilidad de verlo online en esta entrada.

La reseña está publicada en la página 11 de este enlace.

https://www.unedmadrid.es/index.php/quienes-somos/media/2017-12-04-08-10-41

Boletin-n2-UNED-BOCAMA-11

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Ares – Marte romano – Dios de la Guerra

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRA

Ares Ludovisi - Palacio Altemps - Roma - Viaje 2014

 

ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRA

Ares es hijo de Zeus y Hera y pertenece a la segunda generación de dioses olímpicos.

Es el dios de la guerra por excelencia en su aspecto más cruel y devastador, sembrando la muerte, a diferencia de Atenea.

Es el espíritu de la batalla que se recrea en la sangre y la matanza.

Su talla es sobrehumana y profiere gritos terribles.

Generalmente combate a pie, aunque también aparece en un carro tirado por cuatro corceles.

Se le representa con coraza, escudo, casco, lanza y espada.

Ares habitaba en Tracia, situada al norte de Grecia y próxima a Macedonia, país semisalvaje de clima rudo, rica en caballos y poblaciones guerreras.

En Tracia también moran las Amazonas, que son hijas de Ares.

Los griegos, desde época homérica, se complacían en mostrar la fuerza bruta de Ares contenida o burlada por la inteligencia de Heracles o la prudencia de Atenea.

Su espíritu agresivo hace que no sea un dios querido y que se le represente poco en el arte helénico, aunque tenemos algunos ejemplos como la copia romana del Ares Ludovisi de Lisipo, siglo IV a. C., teórico del arte griego que establece el canon de 8 cabezas y que le representa sentado en su carro de combate y sujetando su espada con aire pensativo.

Su carácter bélico encajó mejor en Roma, donde se le rindió mayor culto y se le consideró el padre de los fundadores de la ciudad Rómulo y Remo.

Según Homero era alto, fuerte, ágil y el más veloz de los dioses.

La iconografía le representa como un joven imberbe y desnudo.

Los animales consagrados a Ares son el perro y el buitre.

La leyenda atribuye a Ares muchas aventuras amorosas, siendo las más famosas las que mantuvo clandestinamente con Afrodita, aunque también tuvo muchos hijos con mujeres, la mayoría de ellos violentos y crueles.

Una de las leyendas sitúa a Eros como hijo de Ares y Afrodita.

VELÁZQUEZ. MARTE. MUSEO DEL PRADO

Hacia 1638. Óleo sobre lienzo, 179 x 95 cm.

El dios Marte de Velázquez está documentado por primera vez en la Torre de la Parada, una residencia real de caza de Felipe IV, su afición favorita.

Se decoró principalmente con temas mitológicos ovidianos encargados en 1636 a Rubens y a su taller.

VELÁZQUEZ. MARTE. MUSEO DEL PRADO

 

Velázquez también estuvo representado en la Torre con Esopo, Menipo y varios retratos de enanos.

Velázquez retrató a Marte en tamaño natural, a partir de un modelo vivo, quizá un soldado veterano, en una postura que recuerda al famoso Ares Ludovisi.

El color cálido de las carnaciones da vida a la figura, que aparece bañada en una iluminación atmosférica realista, con el rostro ensombrecido por el casco.

Los toques de bermellón y blanco crean un bello juego de pliegues y sombras.

Como es habitual en Velázquez, hay un tratamiento cercano del mito, en el que sólo la armadura y otros atributos bélicos le relacionan con el dios romano.

Marte lleva puesto el yelmo, pero la espada y la armadura yacen a sus pies.

El uso de referencias a armaduras y objetos guerreros esparcidos o amontonados por el suelo tenía una larga tradición figurativa y literaria en la que hay que inscribir esta imagen.

Generalmente se alude a la derrota de las armas con el Amor que todo lo vence, un tema que tuvo su expresión en la literatura y que probablemente subyace en esta pintura.

(Texto extractado de Portús, J. en: El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, Museo Nacional del Prado, 2010, p. 108).

ARES LUDOVISI. PALAZZO ALTEMPS, MUSEO NACIONAL ROMANO

Esta copia romana, del original griego de Lisipo, se conserva en el Palazzo Altemps, Museo Nacional Romano, en Roma (aunque también hay otra copia en el Museo de Nápoles)

Es una obra de mármol, restaurado en mármol de Carrara por Bernini.

Lisipo, como escultor griego buscaba un ideal de belleza basado en la proporción.

Sus esculturas deben ser admiradas desde diferentes perspectivas, desvelándose nuevos aspectos en cada posición.

En la estatua de Ares Ludovisi el dios de la guerra se presenta desnudo, sentado y con su espada en la mano izquierda.

Se está conteniendo en su marcha, aguantando una pierna con las manos, impaciente, inquieto, como dios belicoso.

Ares descansa después de haber sido tocado por su hijo Eros, el dios del Amor, que juega entre sus piernas.

 

Ares Ludovisi - Palacio Altemps - Roma

 

Restauración

El aspecto que nos ha llegado de la escultura es fruto de la restauración de 1627 obra de Gian Lorenzo Bernini.

Intentó recuperar la idea original de Lisipo, realizada en mármol pentélico, incorporando algunas partes perdidas en mármol de Carrara, el más similar, como la nariz del dios, la parte superior del escudo y parcialmente los pies y la cabeza de Eros.

Infunde su estilo personal en la empuñadura de la espada, rematada con un duende burlón y en el recorte frontal de parte del pedestal original para dejar el pie volado, sin apoyar en el suelo, un detalle que consigue acentuar la sensación de reposo, al tiempo que el pequeño bloque eliminado sirvió al escultor para labrar otras partes mutiladas.

El Ares Ludovisi recibe este nombre por haber formado parte de la grandiosa colección arqueológica reunida por el cardenal Ludovico Ludovisi, sobrino de Alessandro Ludovisi, pontífice bajo el nombre de Gregorio XV.

Forma parte del Museo Nacional Romano ocupando actualmente una de las salas del Palacio Altemps de Roma.

Otra copia de la escultura se conserva en el Museo Arqueológico de Nápoles.

También hay una copia en yeso en la colección de Reproducciones Artísticas del Museo de Escultura de Valladolid.

LISIPO. SIGLO IV A. C. (CANON DE 8 CABEZAS)

Praxíteles, Scopas y Lisipo son los grandes escultores griegos del siglo IV a.C.

Lisipo trata de nuevo los temas de atletas como Mirón y Policleto en el siglo V a.C., durante el periodo Clásico o época de Pericles.

El Apoxiomenos, su obra más significativa, representa a un joven quitándose la arena después de la competición. En él presentó un nuevo canon del cuerpo masculino, cuyas proporciones son más esbeltas (8 cabezas).

Frente al canon de Policleto (7 cabezas) propone una cabeza más pequeña y el torso y los miembros más esbeltos y largos.

No se conserva ningún original griego suyo, sólo han llegado hasta nosotros copias de época romana.

Fue elegido como el escultor de la corte de Alejandro Magno.

 

BOTTICELLI. VENUS Y MARTE. NATIONAL GALLERY, LONDRES

1483. 69 x 173,5 cm. Temple sobre tabla.

Sandro Botticelli representa a Venus y Marte (Afrodita y Ares) en uno de sus encuentros amorosos. 

Venus vigila el sueño de su amado, mientras unos pequeños faunos, genios campestres con cuernos y pezuñas de cabra, juegan con las armas del dios.

El tema se interpreta como una alegoría del amor vencido por la guerra.

 

BOTTICELLI. VENUS Y MARTE. NATIONAL GALLERY, LONDRES

 

El formato apaisado y la temática de esta tabla hacen pensar que estamos ante un panel para un arcón, uno de los regalos de boda más habituales entre las importantes familias florentinas.

Las avispas alrededor de Marte indican que podría tratarse de un regalo para la familia Vespucci, que había adoptado la avispa en su escudo de armas.

El tema de la tabla es el triunfo del amor sobre la guerra, consiguiendo Venus distraer a Marte y que los pequeños faunos utilicen sus armas como juguetes.

Uno de los faunos intenta despertarle soplando una concha en su oído, mientras otros dos juegan con la lanza del dios, mientras uno se prueba el casco y el cuarto gatea con la coraza del dios.

Las cintas doradas y un broche de perlas sobre el pecho adornan la blanca túnica de Venus. La armadura, el vestido, las joyas y el peinado están tomados de la moda quattrocentista florentina.

Detrás de la figura de Venus hay plantas de mirto, que se cultivan por sus flores y sus hojas aromáticas.

El mirto se consideraba símbolo del amor y la belleza y una de las plantas consagradas a la diosa Afrodita.

El mirto simbolizaba la fecundidad y la fidelidad.

Plinio el Viejo describe, en su Historia Natura ritos nupciales en los que los esposos iban coronados con mirto durante el banquete.

También se emplea como anticatarral y antiséptico.

El mirto estaba consagrado a Venus a causa de su olor suave, porque estaba siempre verde, o bien porque las hojas de mirto brotaban de dos en dos, igual que el amor que debe ser recíproco.

Otra historia del mundo clásico relaciona el mirto con significados funerarios: Dioniso bajando al Inframundo a rescatar a su madre, Sémele, muerta por los rayos de Zeus, tuvo que dejar allí un arbusto de mirto.

En el Renacimiento está ligada al matrimonio. Por su hoja perenne se asoció a la fidelidad y al amor eterno y se representó en las alegorías matrimoniales.

Es considerado un símbolo del amor romántico y se emplea en decoraciones de iglesias, salones de fiestas y ramos de novia o coronas.

Es astringente y antiséptico y se emplea como anticatarral y contra el asma.

El mirto ayuda en la caída del cabello y forma parte de muchos champús, jabones y perfumes.

 

Bibliografía

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

 

www.museodelprado.es

 

maitearte.wordpress.com

 

miriamgarciarestauracion.blogspot.com.es

 

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Croacia de Norte a Sur – Viaje Cultural en junio de 2018

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

Croacia de Norte a Sur

Viaje Cultural en junio de 2018

Historia – Arte – Naturaleza

El Mediterráneo, tal como era

En los últimos 10 años Croacia ha reconstruido su infraestructura y revitalizado su imagen para vestir el eslogan “El Mediterráneo, tal como era”: calidad antes que cantidad, apuesta por el medioambiente, equilibrio entre el ritmo de vida local y la llegada de turistas, no demasiadas construcciones cerca de la línea de costa y en las islas y encantadoras ciudades llenas de historia y cultura. Todo ello conviviendo en perfecta armonía.

Croacia es un país de carácter amable y acogedor, rasgos que le convierten en un destino más que interesante para el viajero que disfruta de Mediterráneo en perfecta paz y tranquilidad.

Su relieve montañoso, que separa el interior del extenso litoral del Mar Adriático, es uno de los rasgos que le convierten en un país sin duda hermoso, con unas bellezas naturales y un patrimonio artístico único. 

Sibenik - Catedral de Santiago

 Los principales ríos son el Danubio, el Drava y el Sava.

Estado independiente de Europa que hasta enero de 1992 formó parte de Yugoslavia.

Su capital, Zagreb, es el principal centro administrativo, industrial y cultural del país.

Tiene un importante patrimonio artístico, diseminado a lo largo y ancho del país en sus numerosos pueblos y ciudades, que se concentra especialmente en una de sus ciudades más importantes:

  • Dubrovnik. Declarada de interés mundial por la UNESCO, posee una impresionante ciudad antigua, protegida por una fortaleza del siglo XVI, con doble amurallado más de 20 torres y bastiones que circundan su catedral barroca, sus exquisitas iglesias, monasterios, palacios, fuentes y típicas casas de techos rojos y amarillos. Famosa por sus fabulosas riquezas, adquiridas gracias al comercio de la Edad Media, su arte y su literatura, se le llegó a conocer como la “Atenas Eslava del Sur”.

Hay muchos motivos para visitar Croacia y algunos de ellos son sus seis lugares declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO:

  • El casco antiguo de Dubrovnik.
  • El Palacio de Diocleciano en Split.
  • El núcleo histórico de Trogir.
  • La catedral de Santiago de Sibenik.
  • El Parque Nacional de Plitvice.
  • Basílica de Eufrasio en Porec.

Sin olvidar también:

Sus ocho Parques Nacionales y diez Parques Naturales donde su variada naturaleza se muestra en todo su esplendor.

Plitvice - Parque Nacional

 Su litoral, que serpentea desde la Península de Istria hasta el sur de Dalmacia, dejando bellas calas y acantilados.

Sus islas, como Hvar o Korcula, en Dalmacia o Rab y Losinj en la bahía de Kvarner, que en ocasiones se agrupan en archipiélagos tan interesantes como los de Brijuni o Kornati.

La variedad de la oferta turística en Croacia va más allá de las bellas ciudades Dubrovnik o Split.

Más información en el documento completo del viaje…Dubrovnik visita - Panorámica desde la montaña

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DEMÉTER (CERES ROMANA). DIOSA DE LA AGRICULTURA Y LA PROSPERIDAD

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DEMÉTER (CERES ROMANA)

DIOSA DE LA AGRICULTURA Y LA PROSPERIDAD

Deméter es la segunda hija de Crono y Rea y hermana de Zeus, por lo tanto pertenece a la primera generación de dioses olímpicos.

Su personalidad, religiosa y mítica, es muy distinta de la de Gea, la Tierra, concebida como elemento cosmogónico.

Deméter es la diosa maternal de la tierra y de la agricultura, el trigo, la fertilidad y la abundancia. Su  principal atributo es la espiga.

Como diosa de la tierra cultivada, esencialmente el trigo, sus leyendas se han desarrollado en todas las regiones del mundo helénico donde prospera este cereal.

Sus lugares preferidos son Eleusis y Sicilia.

Deméter está estrechamente vinculada a su hija Perséfone (Proserpina).

Con frecuencia se las llama “Las Diosas” y sus aventuras constituyen el mito central de su leyenda, mito cuya profunda significación era revelada en la iniciación a los misterios de Eleusis.

Hades se enamoró de Perséfone, única hija de Deméter, y la raptó cuando la doncella se disponía a coger un narciso o un lirio en Sicilia.

La tierra se abrió y Hades se llevó a su amada a los Infiernos.

En el momento del rapto Perséfone lanzó un grito. Su madre lo oyó y le oprimió el corazón.

Deméter recorrió todo el mundo durante 9 días y 9 noches buscando a su hija. Sin tomar alimento, ni ataviarse anduvo errante por el mundo con una antorcha encendida en cada mano.

El décimo día encontró a Hécate, que también había oído el grito.

Únicamente el Sol, que todo lo ve, puede informarle de lo ocurrido.

Irritada, la diosa decidió abdicar de su función divina hasta que se le hubiese devuelto a su hija. Adoptó la figura de una anciana y se trasladó a Eleusis.

En este tiempo la diosa se convirtió en nodriza de Triptólemo, hijo de Metanira, y le encomendó a este niño la difusión por el mundo del cultivo del trigo.

El voluntario destierro de Deméter volvió la tierra estéril y alteró el orden del mundo, por lo que Zeus ordenó a Hades que devolviese a Perséfone. Pero esto no era posible porque la joven había roto el ayuno obligatorio del Infierno al comer un grano de granada.

Finalmente se llegó a un pacto. Deméter volvería a ocupar su puesto en el Olimpo y se encargaría de sus obligaciones, si Perséfone pasaba parte del año en el Infierno y la otra con su madre.

Cada primavera Perséfone sale de la mansión subterránea y las flores y frutos están en su plenitud, para volver en la época de la siembra, por eso el invierno es la estación triste y estéril.

Sus lugares favoritos son Sicilia, Creta y Eleusis. 

Eleusis está situado a unos 20 km. de Atenas. Era la tierra natal de Esquilo y tuvo un santuario dedicado a Deméter y Perséfone en el que se celebraban uno de los cultos más importantes de la antigua Grecia: los misterios de Eleusis, que posteriormente se mantuvieron en el Imperio romano.

Se la representa como una matrona que porta espigas de trigo, un lechón (cochinillo que todavía mama) o unas antorchas.

En Roma se le añade el simbolismo monetario y se la suele representar con la cornucopia, vinculándose su imagen a la prosperidad del Imperio.

En la Edad Moderna a menudo la acompañan los dioses Dioniso o Pan. Además algunos símbolos como la hoz, que la convierten en alegoría de la agricultura o del verano.

Pan es el dios de los pastores y los rebaños. Es mitad hombre y mitad animal. Posee 2 cuernos en la frente, tiene el cuerpo velludo y los miembros inferiores son de un macho cabrío con pies provistos de pezuñas.

SNYDERS, FRANS

(Amberes, 1579 – Amberes, 1657)

En 1593 Frans Snyders entró en el taller de Pieter Brueghel el Joven.

En 1602 ingresó como maestro en el Gremio de San Lucas y, poco después, realizó un viaje a Roma y a Milán, donde trabajó para el cardenal Federico Borromeo gracias a las recomendaciones de Jan Brueghel el Joven.

De regreso a Amberes, en 1610, se casó con Margarita de Vos, hermana del pintor Cornelis de Vos.

A su vuelta de Italia entró en contacto con Rubens, quien proporcionaría las figuras para algunas de sus obras, a la vez que diseñaría composiciones con gran desarrollo de bodegón con la intención de que Snyders los llevase a cabo.

A partir de 1620 sus cuadros son de mayor tamaño y los elementos dispuestos sobre la mesa aumentan de manera espectacular.

A partir de 1630 el colorido evoluciona a tonos más claros y más variados, aunque Rubens sigue realizando las figuras de sus composiciones.

La otra faceta en la que destacó Snyders fue la realización de cuadros de animales, que incluían cazas, fábulas y representaciones simbólicas, como son los conciertos de pájaros.

Al igual que en sus bodegones, para estas obras trabaja al lado de Rubens, quien pinta las figuras para los animales de Snyders y viceversa.

La evolución es paralela a sus bodegones, los tamaños crecen a lo largo de su carrera, tendiendo a hacerse más horizontales, contribuyendo a la vivacidad de las escenas.

El interés que despertó la obra de Snyders entre coleccionistas y príncipes de toda Europa tuvo en España un epílogo de notable calidad, con su participación en las decoraciones para la Torre de la Parada, para donde realizó varias escenas de caza y fábulas.

Por otra parte, los regalos de conocidos coleccionistas de pintura flamenca, como el marqués de Leganés, completaron la colección de Snyders que poseía Felipe IV y que se encontraba en el Alcázar de Madrid, lo que explica la abundante presencia de su pintura en el Prado.

(Pérez Preciado, J. J. en E.M.N.P., 2006, tomo VI, pp. 2019-2020).

Ceres y Pan. Snyders y Taller de Rubens. Museo del Prado

Hacia 1620. Óleo sobre lienzo, 178,5 x 280,5 cm.

La representación de la diosa de la agricultura y las estaciones Ceres junto al dios Pan viene descrita en las obras clásicas.

Ceres (Deméter) era hija de Saturno (Crono) y por lo tanto hermana de Júpiter (Zeus).

Pan está vinculado con la tierra y el inicio de todo. Los dos dioses están relacionados por la naturaleza.

La agricultura y la prosperidad se unen para mostrar la abundancia y la fecundidad.

Ceres sujeta la cornucopia, el cuerno de la abundancia, lleno de diferentes frutas y hortalizas, mientras que Pan se inclina hacia ella con un cesto repleto de frutas.

Se observan diferentes bodegones aislados por toda la composición, como en la esquina inferior derecha.

Al fondo el paisaje se abre para dar mayor profundidad a la escena y vemos figuras sentadas y una mujer con un canasto en la cabeza, reforzando aún más la simbología de la obra.

Ceres y Pan. Snyders y Taller de Rubens. Museo del Prado

Esta pintura es una colaboración entre Frans Snyders y el taller de Rubens. Estos dos artistas trabajaron juntos en numerosas obras, pintando el primero los elementos naturales y el segundo o su taller las figuras.

Esta pintura formaba parte de un conjunto llegado desde Flandes para decorar la Torre de la Reina del Alcázar de Madrid.

La primera referencia documental de este grupo de 26 obras aparece en el inventario del Alcázar de 1636, donde se mencionan 25 de ellas.

Desconocemos si fue la reina o el rey, quien encargó estas obras, o si la idea vino de Flandes de mano de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia.

Lo que parece cierto es que no se trata de un encargo cerrado a un pintor, sino más bien un conjunto de obras de diferentes artistas flamencos enviados para decorar la mencionada Torre, después de las remodelaciones llevadas a cabo allí por Juan Gómez de Mora.

Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado (enero, 2015)

La Agricultura. Francisco de Goya. Museo del Prado.

1804 – 1806. Temple sobre lienzo

El tondo de esta alegoría de la Agricultura formó parte de la decoración de la gran escalera monumental del palacio de D. Manuel Godoy (1767-1851), Príncipe de la Paz y Primer Ministro de Carlos IV (1748-1819).

El Palacio de Manuel Godoy está ubicado en la Plaza de la Marina Española 9, muy cerca del Palacio Real y del Senado, conocido como palacio Grimaldi.

El edificio fue construido por Francisco Sabatini en estilo clásico barroco para albergar a personal del rey Carlos III.

clip_image004Vivieron en él también el conde de Floridablanca, el marqués de Grimaldi y durante el levantamiento de mayo de 1808 el mariscal Murat.

Hasta nuestros días ha sido utilizado por distintos estamentos oficiales como el Ministerio de la Marina o el Museo del Pueblo español. Actualmente alberga dependencias del Ministerio de la Presidencia.

Esta pintura fue encargada a Goya, entre 1801 y 1805, cuando Godoy acometió la restauración del edificio, pero no se conservan los documentos que hayan permitido conocer el año exacto de su creación.

Junto a las otras tres grandes composiciones del mismo formato circular, la de la Ciencia, perdida, y las otras dos, del Comercio y la Industria, conservadas también en el Museo del Prado, se expresaban los ideales de la Ilustración, así como las ideas de progreso de las Sociedades Económicas de Amigos del País, que Godoy favoreció.

Goya utilizó aquí la iconografía tradicional de la Agricultura, representada por la diosa clásica Ceres coronada de espigas, como símbolo de fecundidad.

Un repinte posterior cubrió, por decoro, el desnudo de la diosa, que sentada en un paisaje tiene a sus pies dos azadones y posiblemente una guadaña, como útiles específicos de los campesinos.

Sostiene en la mano izquierda un racimo de uvas y unas espigas, y en la derecha una granada, mientras un campesino arrodillado le ofrece una cesta de flores y frutas, bajo los signos zodiacales de Leo, Libra y Escorpio, que aparecen en el cielo, correspondientes a los meses más ricos de las cosechas, el verano y el otoño.

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

maitearte.wordpress.com

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HESTIA (VESTA EN ROMA). ESPIRITUAL. DIOSA DEL HOGAR.

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

HESTIA (VESTA EN ROMA)

ESPIRITUAL

DIOSA DEL HOGAR

HESTIA (VESTA EN ROMA). ESPIRITUAL. DIOSA DEL HOGAR.

Hestia es la primera hija de Crono y Rea y hermana de Zeus, Hades, Poseidón, Hera y Deméter.

Hestia constituye el concepto de Hogar, es la diosa del Hogar.

Fue cortejada por Apolo y Poseidón, pero obtuvo de Zeus la gracia de guardar eternamente su virginidad.

Zeus le concedió el honor excepcional de ser objeto de culto en todas las casas de los hombres y en los templos de cualquier divinidad.

Mientras los demás dioses viajaban por el mundo, Hestia permaneció siempre en el Olimpo, por eso no desempeñó ningún papel en las leyendas divinas.

Hestia es el centro religioso de la mansión divina.

VESTA (ROMA)

Es una diosa romana muy arcaica que preside el fuego del hogar doméstico.

Pertenece como la Hestia helénica al grupo de las 12 grandes divinidades del Olimpo.

Su culto se halla bajo la dependencia directa del Gran Pontífice, asistido por las Vestales, sobre las que ejercía una autoridad paterna.

Su culto fue introducido en Roma por Rómulo.

Sus templos son circulares, como las cabañas del Lacio, y no se levantaban en el interior de la ciudad palatina, sino en el Foro  romano, fuera de la ciudad atribuida  Rómulo.

Su animal sagrado es el asno, animal mediterráneo por excelencia, en oposición al caballo que es indoeuropeo.

A mediados de junio se coronaba a los asnos con flores en el día de la Vestalia y no se les hacía trabajar.

Una leyenda tardía cuenta que Vesta fue protegida por un asno en una tentativa amorosa de Príapo.

 

Templo de Vesta o Templo de Hercules Vencedor

PRÍAPO, LA VIRILIDAD

Príapo, hijo de Afrodita y Dioniso, tenía como misión guardar las viñas y los jardines.

Los romanos colocaban estatuas de Príapo en sus jardines para garantizar sus cosechas.

Tenía la virtud de desviar “el mal de ojo” y anular el maleficio de los envidiosos que trataban de perjudicar las cosechas.

Según otras versiones es hijo de  Zeus y Afrodita.

El dios se enamoró de la bella Afrodita y se unió a ella. La celosa Hera, temerosa de que el niño sacara la belleza de su madre y el poder de su padre, tocó el vientre de Afrodita, de modo que el niño nació deforme.

Al nacer, Príapo tenía un miembro viril enorme y  desmesurado.

Afrodita temió las burlas y le abandonó en el monte. Allí le descubrieron unos pastores que le criaron y le rindieron culto a la virilidad, convirtiéndole en un dios rústico.

En los frescos de Pompeya encontramos una pintura de Príapo, subiéndose la túnica para exhibir su enorme miembro, símbolo de la fecundidad, que se dispone a pesar en una balanza.

Pablo Ruíz Picasso le dedicó una escultura a este personaje mitológico.

VIRGENES VESTALES

Una Vestal era una sacerdotisa de Roma, que estaba consagrada a Vesta, la diosa del hogar, y su misión fundamental era mantener el fuego sagrado.

Se las seleccionaba siendo niñas y debían permanecer vírgenes durante los 30 años obligatorios de permanencia al servicio de Vesta.

Las Vestales eran las únicas sacerdotisas de la religión romana, pues todos los demás eran hombres.

Exigir la virginidad de las vestales proviene de los primeros tiempos, cuando a las muchachas jóvenes y solteras se les encargaba la tarea de vigilar el fuego sagrado, ya que no tenían familia ni tareas hogareñas que atender.

En ese mismo concepto de no tener cargas familiares para desempeñar mejor su cargo, se basa el celibato de los sacerdotes católicos.

La importancia de las Vestales era enorme en Roma, por ello se creó la Casa de las Vestales en el foro, para que pudiesen disfrutar de todas las comodidades.

Inicialmente pudieron ser dos, en el siglo I d.C., en tiempos de Plutarco, eran cuatro y posteriormente su número ascendió a seis.

Plutarco debe su fama a su obra “Vidas paralelas”, una serie de 22 biografías de ilustres personajes griegos y romanos, agrupados en parejas para comparar entre figuras de una y de otra cultura con gran cantidad de detalles históricos. Esta obra sirvió de inspiración a grandes escritores como William Shakespeare.

Las Vestales eran seleccionadas por el Pontífice Máximo entre los seis y diez años y debían ser hermosas, vírgenes y de padre y madre reconocidos.

Se seleccionaba a las aspirantes y se introducían en una vasija unas tablillas con sus nombres. El Pontífice Máximo sacaba una tablilla con el nombre de la elegida por la diosa para ser Vestal.

Era un gran reconocimiento para la familia que su hija fuera elegida Vestal.

Una vez seleccionada, se la separaba de la familia y era llevada al templo, donde se producía la ceremonia de admisión como Vestal, que consistía en:

·         Independencia total de su familia.

·         Vestirla con un velo en la cabeza.

·         Entregarle una lámpara encendida.

En la Casa de las Vestales se iniciaba el aprendizaje:

·         Aprendían a leer.

·         Estudiaban a los dioses y sus potestades.

·         La realización de los ritos.

·         El protocolo en los actos públicos.

·         El mantenimiento del fuego sagrado.

El servicio como vestal duraba treinta años:

·         10 dedicados al aprendizaje,

·         10 al servicio como Vestal,

·         10 dedicados a la instrucción de las jóvenes vestales.

Transcurridos estos años podían casarse si lo deseaban, aunque casi siempre las vestales retiradas decidían permanecer célibes en el templo.

Su vestimenta reflejaba su elevado rango dentro de la sociedad romana:

·         Utilizaban túnicas de lino blanco adornadas con una orla de púrpura.

·         Llevaban un velo sobre la cabeza y los hombros.

·         Portaban una lámpara encendida entre las manos.

·         la vitta, banda que rodea la cabeza de lana con color blanco o púrpura, que servía para confinar el cabello e identificaba su condición virginal.

·         La palla era un sencillo manto. El broche y el manto se colgaron sobre el hombro izquierdo

La Vitta también era usada por las doncellas y las jóvenes en el día de la boda.

La vitta era lo primero que perdía una vestal cuando rompía su voto de virginidad o abandonaba el sacerdocio, transcurridos los 30 años de servicio a Vesta.

La vitta también era usada por los sacerdotes cuando realizaban la ofrenda de los sacrificios y por los profetas y poetas.

La mayor falta de una Vestal era perder la virginidad.

El castigo era la lapidación, posteriormente fue el enterramiento en vida.         Al varón se le condenaba a muerte por suplicio.

Las Vestales tenían privilegios y honores en todas partes, reservándoles lugares de privilegio en los actos públicos a los que tenían que asistir.

Las sacerdotisas viajaban en un carro de dos ruedas cubierto, que siempre tenía preferencia de paso.

La falta de compostura en los rituales sagrados y actos públicos era una falta.

Su gran responsabilidad era que no se apagase el fuego del templo. La vestal que había estado de guardia cuando la llama se había apagado era azotada.

Las vestales eran las únicas mujeres, que disponían de un status similar al de los hombres romanos y podían testar y disponer de sus bienes y herencia.

Custodiaban objetos sagrados y valiosos como los testamentos de Julio César y Marco Antonio.

La Leyenda sobre la orden de las vestales cuenta que fue creada por el héroe troyano Eneas, considerado padre del Imperio Romano, al ser el origen de los fundadores de Roma.

La leyenda cuenta que Rhea Silvia fue obligada por su tío a convertirse en vestal, para asegurarse de que no tuviese descendencia.

El dios Marte raptó a Rhea Silvia, quien posteriormente dio a luz a dos gemelos: Rómulo y Remo.

Rhea Silvia fue condenada a ser enterrada viva y los gemelos debían ser eliminados. Pero Marte protegió a sus hijos y los abandonó en las orillas del río Tíber.

Marte dejó a Rómulo y Remo al cuidado de una loba, que los amamantó y se casó con Rhea Silvia para salvarla del enterramiento en vida.

Pasado el tiempo, Rómulo y Remo fueron a Alba Longa, la ciudad fundada por Ascanio, hijo de Eneas, y devolvieron el trono a su abuelo, Numitor, padre de Rhea Silvia.

Tito Livio cuenta que se ordenó la matanza de Rómulo y Remo, pero el río Tíber había crecido y los soldados trataron de evitar el sacrifico de los gemelos, pensando que el agua y el fango les ahogarían.

La loba sería una leyenda y los gemelos fueron recogidos por una prostituta casada con un pastor, amamantándolos y cuidando a Rómulo y Remo.

La palabra lupa significa en latín loba, pero también significa prostituta.

El emperador Teodosio disolvió oficialmente las Casas de las Vestales,     al convertirse el Cristianismo en la religión oficial del Imperio.

En el año 313 d.C. el emperador Constantino proclamó el Edicto de Milán, que conllevaba la Libertad de cultos en el Imperio romano.

Teodosio (Coca, Segovia 346 – Milán, 395), convirtió el catolicismo en la religión oficial y dividió el Imperio entre Oriente y Occidente.

Promulgó el Edicto de Tesalónica en el 380 por el que declaró el cristianismo la religión oficial del Imperio Romano.

Teodosio I dejó el trono a sus dos hijos: Honorio y Arcadio.

A Arcadio le correspondió Oriente (con 17 años) y a Honorio (un niño de 11) Occidente. La división del imperio fue irreversible desde el 395.

Su hija Gala Placidia (392-450) fue esposa de Constancio III y madre/regente de Valentiniano III. También fue esposa de Ataulfo, rey visigodo.

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

https://maitearte.wordpress.com

http://www.vestal.es

http://www.roma.es

 

 

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Navidad 2017

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

Navidad 2017

Gracias a todos los que dedicáis parte de vuestro tiempo a disfrutar de la historia y el arte.

A quienes seguís mis clases , visitas, exposiciones y mis blog.

Es un placer compartir mis conocimientos y, con este video, que recoge momentos de los viajes realizados este año, quiero mostraros mi agradecimiento y desearos unas Felices Fiestas.

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