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Jasón

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

 

JASÓN

Jasón, Viaje a Florencia 2013 - Museo del Bargello. Click para abrir a tamaño original   2015-09-26 Florencia 2015 - Jason, Pietro Francavilla, 1589 - BargelloDSC_0312 - Click para abrir a tamaño original

Jasón. Viaje a Florencia 2018 - Museo del Bargello - Click para abrir a tamaño original  Jasón. Viaje a Florencia 2018 - Museo del Bargello - Click para abrir a tamaño original

Jasón. Viaje a Florencia 2018 - Museo del Bargello - Click para abrir a tamaño original

Jason, Pietro Francavilla, 1589. Bargello – Florencia

 

Las fotos anteriores han sido tomadas en los viajes culturales a Florencia en 2013, 2015 y 2018.


JASÓN, MEDEA Y LOS ARGONAUTAS

Jasón es hijo de Esón, a quien pertenecía legítimamente el trono de Yolco y pertenece a los descendientes de Eolo, dios del Viento.

Fue educado por el centauro Quirón, quien como a todos sus discípulos le enseñó Medicina.

Su padre, Esón, fue destronado por su hermanastro Pelias y Jasón, al llegar a la edad adulta, reclamó el trono a su tío.

Jasón vestía de forma extraña: se cubría con una piel de pantera, portaba una lanza en la mano y llevaba descalzo el pie izquierdo.

Con esa indumentaria se presentó ante su tío Pelias en el ágora de Yolco. Pelias sintió temor, porque un oráculo le había aconsejado que desconfiase del hombre que llevase un solo pie calzado.

Pelias, desconfiado, preguntó a Jasón qué castigo impondría a alguien que intentase conspirar contra el rey y Jasón le respondió que le enviaría a buscar el vellocino de oro.

Su respuesta se volvió contra él y Pelias a cambio del trono le pidió la piel del Vellocino de oro, el vellón del carnero alado que había transportado a Frixo y Hele por los aires para salvarlos de ser sacrificados.

Frixo y Hele cabalgaron sobre el carnero y volaron hacia Oriente. Durante el viaje, Hele cayó al mar y se ahogó, pero su hermano llegó sano a la Cólquide.

El rey de la Cólquide le acogió favorablemente y le entrego a su hija Calcíope en matrimonio.

En agradecimiento, Frixo sacrificó el carnero a Zeus y ofreció el vellocino al rey, quien se lo consagró al dios Ares

El vellocino, consagrado a Ares, estaba guardado por un dragón. Pelias pensó que Jasón no volvería nunca de esa expedición a la Cólquide.

Jasón, enviado a la conquista del Vellocino de oro o toisón de oro, solicitó ayuda a Argo, hijo de Frixo, y por consejo de Atenea, Argo construyó una nave con su nombre para él y sus compañeros, los Argonautas.

En el Argo iban personajes muy destacados como Heracles, Orfeo, los Dióscuros, y una mujer, Atalanta, etc.

Orfeo les deleitaba con su música, consiguiendo que los galeotes remaran sin esfuerzo, y además les protegió contra el canto de las sirenas.

También formaban parte de la expedición Los Dióscuros, Cástor y Pólux.

Zeus se enamoró de Leda, esposa del rey Tindáreo. La noche que Zeus se unió a ella en forma de cisne, Leda se unió también a su marido. Los gemelos que nacieron son atribuidos del siguiente modo: Cástor, Pólux y Helena a Zeus y Clitemnestra a su esposo, Tindáreo.

Atalanta fue abandonada al nacer porque su padre sólo quería varones. Una osa la amamantó hasta que unos cazadores la encontraron, la criaron y se convirtió en una gran cazadora.

Después de muchas aventuras, los Argonautas llegaron a la Cólquide donde, gracias a Medea, consiguieron el Vellocino de oro.

Finalmente, Jasón volvió a Yolco donde subió al trono y se convirtió en el patrón de la navegación.

En la Antigüedad las representaciones de Jasón están vinculadas a los Argonautas.

En el Renacimiento las hazañas del mítico príncipe aparecen en los arcones nupciales que contenían las dotes de las novias.

 

THORVALDSEN, BERTEL (Copenhague, 1770-1844)

Thorvaldsen nació en Copenhague en 1770.

Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca y le concedieron una beca para ir a Roma a estudiar escultura clásica.

Vivió en Roma hasta 1838 y allí se convirtió en uno de los líderes del Neoclasicismo, a partir de su gran obra Jasón.

Las obras de Thorvaldsen llegaron a alcanzar tal demanda que hacia 1820 trabajaban en su taller 40 personas para ayudarle a finalizar los encargos.

En Roma se convirtió en un gran escultor neoclasicismo.

En 1819 volvió a Copenhague con el fin de planificar colosales estatuas de mármol y relieves representando a Jesucristo y los doce Apóstoles, para la nueva iglesia de Nuestra Señora, ya que la catedral de Copenhague había sido destruida en 1807.

Estas se ejecutaron después de su regreso a Roma, y no se completaron hasta 1838, cuando Thorvaldsen regresó a Dinamarca.

Sólo las figuras de Cristo y san Pablo fueron esculpidas por Thorvaldsen; el resto fueron realizadas por los miembros de su taller sobre los modelos del maestro.

Murió de manera repentina en el Teatro Real de Copenhague el 24 de marzo de 1844 y legó gran parte de su fortuna para el edificio y mantenimiento de un Museo en Copenhague, al que legó toda su colección de obras de arte y los modelos de todas sus esculturas.

El Museo Thorvaldsen de Copenhague contiene su colección de escultura antigua y obras de su producción.

Thorvaldsen se encuentra enterrado en el patio de este museo, bajo un lecho de rosas, por deseo expreso suyo.

 

THORVALDSEN. JASÓN Y EL VELLOCINO DE ORO

Mármol de 242 cm de altura. Se terminó en 1828.

Museo Thorvaldsen de Copenhague

El escultor neoclásico Thorvaldsen realizó una escultura colosal de Jasón basándose en el Doríforo de Policleto, del siglo IV a.C.

El héroe, desnudo y armado, porta el vellocino de oro colgado sobre su brazo izquierdo. La obra muestra la serenidad, el equilibrio y la armonía característicos del mundo clásico.

El primer éxito de Thorvaldsen fue el modelo para una estatua de Jasón, una versión de arcilla de tamaño natural creada en 1803, que se considera la primera gran obra del artista. Fue muy alabada por Antonio Canova, el escultor más popular de Roma.

En 1803 recibió el encargo de ejecutarlo en mármol para Thomas Hope, un rico mecenas de las artes inglés. A partir de entonces, tuvo el éxito asegurado. La escultura se terminó en 1828.

Los herederos de Hope dispersaron su colección en 1917 y fue adquirida por el Museo Thorvaldsen de Copenhague en una subasta.

Thorvaldsens Jason

THORVALDSEN. JASÓN CON EL VELLOCINO DE ORO. 1803. COPENHAGUE

 

 

MEDEA, LA MAGA

Medea es hija del rey de Cólquide y nieta del Sol. A veces se considera que su madre es la diosa Hécate, patrona de las magas. Medea es además sobrina de Circe, la hechicera.

Sin Medea Jasón nunca hubiese conseguido el Vellocino de oro.

Medea era una princesa con buenos sentimientos, que se oponía a que su padre matara a todos los extranjeros que llegaran al país.

Al llegar los Argonautas hizo prometer a Jasón que sería su esposo si ella le aseguraba apoderarse del vellocino de oro y Jasón se lo prometió.

Medea adormeció al dragón con sus hechizos y consiguió que le abrieran el templo donde se guardaba el Vellocino o Toisón de oro y una vez en poder de Jasón huyó con él y con los Argonautas.

Jasón había prometido casarse con Medea y todos los crímenes posteriores de ella quedan explicados por el perjurio de Jasón.

Tras conseguir el Vellocino de oro, Jasón llegó a Yolco y se lo entregó a Pelias, concluyendo su misión.

Pero Medea se vengó de Pelias por poner en peligro a Jasón y persuadió a sus hijas diciendo que conocía una poción mágica que rejuvenecía a cualquier ser vivo hirviéndole en él.

Ante su vista descuartizó un carnero y le puso en el caldero y a los pocos instantes salió un corderillo.

Las hijas de Pelias quisieron rejuvenecer a su padre, así que le despedazaron y le echaron en el caldero de Medea, pero éste murió y no volvió a salir del caldero.

En el viaje de regreso, el barco aborda la isla de Ea, donde Medea es recibida por su tía Circe, la hechicera, purificando a Medea y a Jasón

Tras el asesinato de Pelias, Jasón y Medea fueron desterrados y llegaron a Corinto. Allí vivieron tranquilos hasta que Creonte, rey de Corinto quiso casar a su hija con el héroe.

Creonte decretó el destierro de Medea, pero ésta consiguió demorarlo un día para tramar su venganza. Impregnó veneno en el vestido y joyas de su rival y ésta al ponérselos se abrasó, al igual que su padre y el palacio.

Mientras tanto Medea daba muerte a sus propios hijos, fruto de su unión con Jasón, en el templo de Hera y luego escapó a Atenas, volando en un carro tirado por caballos alados, regalo de su abuelo, el Sol.

Jasón volvió a Yolco donde subió al trono y se convirtió en el patrón de la navegación.

 

DELACROIX, EUGÈNE. MEDEA FURIOSA

1,22 m x 84 cm. 1862. Romanticismo. Museo del Louvre, París

Eugène Delacroix pinta a Medea, un personaje trágico de la mitología griega, que decide cometer un infanticidio, matando a los dos hijos que habían tenido con Jasón, debido a la traición y abandono del héroe.

Los pintores del Romanticismo, como Delacroix, ya no pintan estatuas clásicas, pero si leen a los clásicos para inspirarse directamente.

El cuadro muestra una cueva a la que corre Medea con sus hijos desnudos y con un puñal en la mano.

La melena al viento de Medea, su desnudez sensual, modelada por la luz, y su determinación evocan a la protagonista de un cuadro anterior del artista, La libertad guiando al pueblo.

Frente a todo esto, tenemos la riqueza de las joyas bien terminadas, como el brazalete y la tiara real.

La pintura, como otros cuadros de Delacroix con mujeres como protagonistas: Grecia sobre las ruinas de Missolonghi y La libertad guiando al pueblo, tiene estructura piramidal, por lo que la madre y los dos niños forman un solo conjunto.

Las figuras están bien detalladas, mientras que el fondo se representa a base de manchas de color y pinceladas aisladas.

Eugène Ferdinand Victor Delacroix - Medea furiosa

EUGÈNE DELACROIX. MEDEA FURIOSA. 1862. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS

 

HERNÁNDEZ AMORES, GERMÁN. Medea, con los hijos muertos, huye de Corinto en un carro tirado por dragones.

Hacia 1887. Óleo sobre lienzo, 225 x 166 cm. Museo del Prado

Según la tragedia de Eurípides, Medea, celosa ante el segundo matrimonio de su esposo Jasón, decide matar a su rival y a sus propios hijos para vengarse de Jasón, y huye con sus cadáveres en el carro de Helios hacia el bosque sagrado de Hera, en Atenas.

Medea con sus hijos muertos es un tema de inspiración romántica, repleto de connotaciones trágicas en las que se mezclaban el amor, la traición, la soledad, la venganza y la desesperación ocasionada por la muerte de sus propios hijos.

Hernández Amores elige el instante que representa la venganza de la maga unida a un escenario con un cielo sombrío y nuboso.

Medea representa el espíritu de aniquilación y Jasón el de la deslealtad.

En 1838 Delacroix pinta a Medea asesinando a sus hijos, Hernández Amores elige la escena posterior y compone un drama entre la venganza y el arrepentimiento con final muy trágico.

Eurípides escribió una famosa tragedia “Medea” en la que la propia Medea dirá “las mujeres somos el ser más desgraciado”. Él fue el primero en afirmar que Medea había matado a sus hijos, convirtiéndose en el prototipo de la asesina.

Existe una tradición que dice que Medea en el final de su vida fue transportada a los Campos Elíseos junto a Aquiles, Helena, Ifigenia y Polixena.

En la tragedia helénica no se atribuyen actos terribles de venganza como éste a mujeres griegas, sino a extranjeras.

En la Antigüedad se representa a Medea como una princesa oriental que infunde terribles castigos.

En la Edad Moderna los artistas acudieron más a Ovidio que a Eurípides, resaltando sus calidades de maga y la dramática muerte de sus hijos.

Medea, con los hijos muertos, huye de Corinto en un carro tirado por dragones

HERNÁNDEZ AMORES, GERMÁN

Medea, con los hijos muertos, huye de Corinto en un carro tirado por dragones 1887. MUSEO DEL PRADO, MADRID


ATALANTA

Atalanta fue abandonada al nacer porque su padre sólo quería varones. Una osa la amamantó hasta que unos cazadores la encontraron, y criaron.

Cuando creció se mantuvo virgen y se dedicó a cazar en los bosques como su patrona Artemisa.

Atalanta no quería casarse por fidelidad a Artemisa y porque un oráculo le había anunciado que si lo hacía se convertiría en animal.

Para alejar a los pretendientes anunció que su esposo sería el hombre capaz de vencerla en la carrera, pero con la condición de que si ella era la vencedora mataría a su contrincante.

Atalanta corría velozmente y con su lanza atravesó a numerosos pretendientes.

Hipómenes traía unas manzanas de oro que le había dado Afrodita.

Durante la carrera, cuando el joven iba a ser alcanzado, fue arrojando uno a uno los frutos áureos. Atalanta, curiosa o enamorada, se detuvo a recogerlos y el joven resultó vencedor.

Más tarde los esposos entraron en un santuario de Zeus o de Cibeles, donde saciaron su sed de amor. Zeus indignado por el sacrilegio les convirtió en leones.

Una leyenda, que no es recogida en el libro de Pierre Grimal, dice que los leones del carro de Cibeles son Hipómenes y Atalanta.

En el arte se representa la carrera entre Hipómenes y Atalanta.

 

RENI, GUIDO (Bolonia, 1575 – Bolonia, 1642)

(Bolonia, 04/11/1575 – Bolonia, 18/08/1642)

Artista considerado en su época uno de los pintores más importantes de Italia. Su recuperación crítica se llevó a cabo en 1954, con motivo de la exposición que tuvo lugar en Bolonia.

Su pintura, influida por la Antigüedad clásica y por Rafael, es una gran muestra de la tendencia clasicista del arte barroco.

En Bolonia muy pronto, quizás antes de 1595, comenzó a frecuentar la academia de los Carracci, cuya educación propugnaba el retorno a la naturaleza.

Su partida para Roma debió de producirse en 1601 y allí permaneció unos quince años, con puntuales viajes a Bolonia.

En Roma profundizó en el conocimiento de la pintura de Rafael y la copia de esculturas clásicas y entró en contacto con la pintura de Caravaggio, cuyo influjo se deja sentir en su producción de 1603 a 1605, en obras como Crucifixión de san Pedro (Museos Vaticanos, Roma).

A partir de este momento, Guido Reni manifestó con total independencia su personalidad artística para importantes comitentes, como el cardenal Scipione Borghese, sobrino de Pablo V para el que realizó los frescos de San Andrea conducido al martirio, en el oratorio de San Andrés (San Gregorio al Celio, 1609) o la Aurora para el Casino de su nombre (1614).

Al mismo tiempo llevó a cabo importantes encargos para Bolonia, entre los que se encuentra Matanza de los inocentes (1611, Pinacoteca Nazionale di Bologna), una de sus obras fundamentales.

En esos momentos Reni alcanzó un lugar determinante en la cultura artística romana, sufriendo la influencia de Rubens y Gentileschi, al mismo tiempo que influyó poderosamente en otros, como Bernini.

En 1614 se estableció definitivamente en Bolonia, ciudad que abandonó solo para trasladarse brevemente a Roma o Nápoles.

Durante este periodo realizó obras como Hipomenes y Atalanta (Museo del Prado, Madrid), una de sus obras maestras más reconocidas.

Creó sus célebres personajes femeninos: Cleopatra, Lucrecia, Salomé, Judith, etc.), serenas representaciones que gozaron de gran popularidad y fueron copiadas en infinidad de ocasiones.

Durante sus últimos años Reni modificó su paleta, que progresivamente se fue aclarando hasta alcanzar una calidad casi monocroma, con perfiles imprecisos y pinceladas más libres.

 

RENI, GUIDO. HIPÓMENES Y ATALANTA

1618 – 1619. Óleo sobre lienzo, 206 x 297 cm. Museo del Prado

Se trata de una de las obras más célebres y controvertidas de este artista.

Ese cuadro formó parte de la colección del marqués Giovan Francesco Serra, colección que fue adquirida en 1664 por Gaspar Bracamonte y Guzmán, conde de Peñaranda y virrey de Nápoles desde 1658 a 1664, con destino a Felipe IV.

La historia narra cómo Atalanta, se había ofrecido en matrimonio a aquél que fuera capaz de vencerla en la carrera, deporte para el que había alcanzado una habilidad sobresaliente.

El castigo establecido para todos aquellos que fueran derrotados era la muerte. A pesar del riesgo, Hipómenes aceptó el desafío contando para ello con la ayuda de Venus, que le proporcionó tres manzanas de oro que el joven fue arrojando a su paso, logrando con ello retrasar a Atalanta que se detuvo a recogerlas.

Sin embargo, una vez casados, Hipómenes olvidó agradecer la ayuda de la diosa que había propiciado su victoria, la cual terminó metamorfoseando a los dos en leones.

Reni resuelve la composición colocando ambas figuras en primer plano, creando así una estructura diagonal que refleja el momento en que Hipómenes lanza una manzana que Atalanta recoge, circunstancia que al final será la causa de su derrota.

Muchas de las características esenciales del arte de Guido Reni están presentes en esta pieza.

Su clasicismo se manifiesta en su ideal de belleza, que se manifiesta en la perfección formal de los cuerpos desnudos, en su equilibrio casi simétrico y en las actitudes contenidas, a pesar de que se encuentran en medio de una carrera que decidirá el destino de ambos jóvenes.

Los cuerpos de los protagonistas están muy iluminados, mientras que el fondo, con las nubes y la tierra, adquiere un color pardo, que permite focalizar la atención en el tema central del primer plano.

 

Hipómenes y Atalanta

Hipómenes y Atalanta

 

 

BIBLIOGRAFÍA

· Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos

· museodelprado.es

· maitearte.wordpress.com

· Pintura del Siglo XIX en el Museo del Prado: Catálogo General, Madrid: Museo Nacional del Prado, 2015, p. 288

· Germán Hernández Amores. Pintor del Romanticismo Nazareno, Murcia: Fundación Caja Murcia, p. 46.

· Úbeda de los Cobos, A. en E.M.N.P, 2006, tomo V, pp. 1829-1830.

· Úbeda de los Cobos, A. en: 100 Obras Maestras del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, 2008, p. 102.

 

 

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Viaje Cultural a Nápoles y la Costa Amalfitana. Octubre de 2019

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

Viaje Cultural a Nápoles y la Costa Amalfitana

Octubre de 2019

Nápoles-y-la-Costa-Amalfitana-1

Organización Técnica: HILAS VIAJES S.L.

C/ O’Donnell, 46 – Entreplanta D 28009 MADRID

Para reservas e información, persona de Contacto: Naty

grupos@hilasviajes.es

Teléfono móvil: 670 793 713

(00 34 670 793 713 llamadas desde fuera de España)

Introducción

En Nápoles, la ciudad referencia de la región de Campania se mezclan el paisaje con la historia y la cultura. Por un lado, las vistas al Vesubio la convierten en una ciudad romántica. La cercanía del volcán y de Pompeya es un atractivo más de esta ciudad del sur de Italia.

Si los griegos hubiesen querido construir un anfiteatro natural nunca hubiesen logrado lo que el capricho de la naturaleza ha conseguido en el golfo de Nápoles, con la península sorrentina y la punta Campanella al sur y el cabo Misino, -lengua de tierra de los Campos Flégreos- al norte; y el volcán Vesubio cual torre vigía. Todo ello abierto al mar Tirreno y su azul cobalto adornando una de las postales más bellas del Mediterráneo.

Nápoles vive con mucha intensidad la fe y la devoción, aún en pleno siglo XXI, con gestos y tradiciones que sorprenden y fascinan a partes iguales. Los ex voto abundan en las iglesias, como ofrendas por “milagros” concedidos a plegarias y oraciones infinitas; las vírgenes y los santos “patrocinan” los barrios, y en iglesias como la Chiesa della Sanità sus catacumbas exhiben sin pudor los cuerpos momificados de los monjes -al estilo de las catacumbas de los capuchinos de Palermo.

De otro lado, Nápoles tiene una gran riqueza artística. En ella encontramos una curiosa mezcla entre un pasado muy ligado a la Historia de España, y una vida cotidiana muy activa, donde la calle es el mejor de los escenarios. Declarada Patrimonio de la Humanidad por sus monumentos, en Nápoles se funden mar, arte e historia, entre pizzas y tarantellas napolitanas.

La Costa de Amalfi, patrimonio de la Humanidad desde 1997, es uno de los lugares más encantadores de Italia. Compuesta por trece pueblos ensortijados a lo largo de la carretera panorámica y tortuosa que une el Golfo de Nápoles con el Golfo de Salerno, es famosa en todo el mundo por su riqueza paisajística, natural, enológica y gastronómica. Trece localidades espléndidas, con sus propias peculiaridades y características, aunque todas ricas de historia y cultura y enmarcadas por un paisaje natural fascinante, que sabrán satisfacer las exigencias más variadas.

 


Orfeo

ORFEO

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

 

Orfeo (epoca romana) - Foto G. Dall'Orto

El mito de Orfeo es uno de los más oscuros y más cargados de simbolismo de cuantos registra la mitología helénica.

En torno a su figura existe una abundante literatura esotérica.

El mito de Orfeo ha ejercido gran influencia en la iconografía paleocristiana.

La imagen que figura en algunos sarcófagos con el tema de Orfeo llevando un cordero sobre los hombros, se considera un posible antecedente iconográfico del Buen Pastor cristiano, lo que explica la presencia del héroe en las catacumbas de Domitila.

Orfeo es hijo de Eagro, pero las tradiciones discrepan sobre su madre. La más común dice que es hijo de Calíope, la más elevada en dignidad de las nueve Musas. Musa de la poesía lírica.

Orfeo es de origen tracio y con frecuencia se le representa con traje tracio.

Orfeo es el héroe sereno y romántico, el cantante, el músico y el poeta. Tocaba la lira y la cítara, conmoviendo a la Naturaleza.

Se le atribuye la invención de la cítara de 9 cuerdas, igual al número de Musas.

Sus hazañas están vinculadas a la música y al descenso a los Infiernos para recuperar a su amada esposa Eurídice.

Orfeo es el cantor por excelencia. Sabía entonar cantos tan dulces que las fieras le seguían y el carácter de los hombres más ariscos se suavizaba.

En la expedición de los Argonautas daba la cadencia a los remeros y en la tempestad era capaz de tranquilizar a los tripulantes, calmando a los elementos con sus cánticos.

Orfeo cantó tan melodiosamente cuando el Argos pasó cerca de las sirenas que los Argonautas no sintieron la necesidad de acercarse a la costa.

Orfeo en Zaragoza

MOSAICO DE ORFEO. MUSEO DE ZARAGOZA


El mito más célebre relativo a Orfeo es su descenso al Inframundo por el amor de su esposa Eurídice.

Virgilio nos dice que Eurídice era una ninfa, que intentó ser violada cuando paseaba por la orilla de un río. Al correr por la hierba le mordió una serpiente y murió.

Orfeo, inconsolable, descendió a los Infiernos en busca de su amada esposa.

Hades y Perséfone, conmovidos por su música divina, accedieron a que se la llevase con él ante tal prueba de amor, pero ponen una condición: que Orfeo vuelva a la luz del día seguido de su esposa, sin volverse a mirarla antes de haber salido de su reino.

Orfeo acepta y cuando está a punto de salir del Inframundo duda si Eurídice va tras él y se vuelve a mirarla. De este modo la pierde por segunda vez y para siempre, ya que Caronte permanece inflexible y le impide el paso al mundo infernal.

Orfeo, totalmente desconsolado, debe volver al mundo de los vivos.

Orfeo desciende a los Infiernos, al igual que Heracles, pero mientras que el viaje Heracles responde a un encargo heroico, la bajada de Orfeo es un tema personal, su amor por Eurídice.

Sin embargo Orfeo consiguió adquirir conocimientos sobre el Más Allá, convirtiéndose en un mediador, el que guiaba el comportamiento humano en los misterios órficos.

 

EURÍDICE

La hermosa Eurídice paseaba un día con sus compañeras las Náyades, ninfas del agua, longevas pero mortales, por un prado de Tracia cuando fue mordida por una serpiente.

Virgilio vincula esta leyenda con la de Aristeo y supone que la joven fue mordida cuando huía de éste que la perseguía con el deseo de violarla.

Su esposo Orfeo la lloró tanto que no dudó en descender al Reino de Hades para implorar con su música a los dioses que le permitieran llevársela con él al mundo de los vivos.

 

MEDINA Y PEÑAS, SABINO (1812-1888)

Madrid, h.1812 – Madrid, 1888

Alumno aventajado de Valeriano Salvatierra y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Sabino fue pensionado en Roma de 1832 a 1836.

En Roma estudió con Tenerani y, con muchas penurias, realizó:

  • un bajorrelieve de Perseo y Andrómeda,
  • un “Discóbolo” y
  • su obra más famosa y que le encumbró como escultor, “La ninfa Eurídice mordida por la víbora” en yeso, que en 1837 exhibió en Roma. En 1865 la realizó en mármol. Con ella participó en la Exposición Universal de 1867 en París y fue adquirida para el Museo del Prado en 1882.

De vuelta en Madrid en 1838, fue nombrado académico de mérito por la escultura de la Real Academia de San Fernando (luego reconvertido en académico de número), y se dedicó de lleno a esta corporación a lo largo de su vida.

En 1849 fue nombrado director de modelado y composición, ya que Isabel II le nombró en 1844 escultor de cámara honorario.

Fue secretario de la sección de arquitectura, y profesor supernumerario de la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado, avanzando en su obra hacia un gran realismo en retratos y monumentos.

Entre sus retratos se encuentran:

  • el busto en yeso de “Calderón” presentado en 1840
  • el de “Agustín Argüelles” en el Congreso,
  • pequeños bronces-retratos de literatos como “Jovellanos” en el Palacio Real, que se expusieron en la Academia en 1848,
  • el de “Diego de León” en el Museo Romántico.
  • Realizó los “Escudos de las armas reales” y de “Madrid” en 1847 para la base de la estatua madrileña de Felipe III,
  • estatuas alegóricas de “La Reforma”, “El Gobierno” y “La Pureza” en el mausoleo de Argüelles, hoy en el Panteón de Hombres Ilustres en Madrid.
  • Ejecutó varias alegorías como “La Virtud” en el monumento al Dos de Mayo de Madrid,
  • “El río Lozoya” para la fuente del Canal de Isabel II,
  • “Cariátides alegóricas” en la Sala de Sesiones del Congreso de los Diputados,
  • el grupo de la fachada del antiguo Colegio de Medicina de San Carlos “Esculapio” y “Telesforo”,
  • figuras religiosas como la “Inmaculada Concepción” de la Iglesia de las Calatravas en Madrid.
  • Entre sus monumentos, el famoso de “España Victoriosa” en Bailén,
  • Bartolomé Esteban Murillo“, del que hay dos ejemplares, uno en Sevilla fundido en París en 1861 y otro de 1871 colocado en Madrid entre el Museo del Prado y el Jardín Botánico.

En 1865 fue nombrado escultor honorario del Ayuntamiento de Madrid, del que era consultor, así como miembro de la Sociedad Económica Matritense en 1874.

LA NINFA EURÍDICE MORDIDA POR LA VÍBORA

1865. Mármol, 88 x 107 cm.

Gran número de escultores del siglo XIX, tuvieron éxito tras una etapa formativa como pensionados en Roma.

La formación italiana de Medina fue definitiva a la hora de desarrollar su trabajo como escultor.

La obra que posee el Prado (1865) fue ejecutada en mármol a partir del yeso que realizó en su cuarto año de pensionado en Roma en 1836. Firmada y fechada.

La escultura, representaba a la bella ninfa Eurídice, esposa del poeta y músico divino Orfeo, quien, durante un paseo, al intentar escapar de Aristeo, que había quedado prendado de su belleza, fue mordida por una serpiente que le provocó la muerte.

Estéticamente sigue el estilo clásico en la formalidad de la figura, la serenidad, la perfecta factura y el dominio técnico y se considera una de las obras más importantes de su autor.

Su inexpresividad clásica no refleja el dolor del momento y casi parece que juega con la serpiente, más que sufrir su mordedura.

Se inspira en la obra de Bartolini, Ninfa mordida por un escorpión. La obra de Bartolini resulta menos idealizada, pues refleja el dolor en el rostro, aunque de forma muy sutil.

La ninfa Eurídice mordida por la víbora

MEDINA Y PEÑAS. EURÍDICE. 1865

MUSEO DEL PRADO, MADRID

 

RUBENS. ORFEO Y EURÍDICE

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 196,5 x 247,5 cm. Museo del Prado

Este episodio es la continuación de la muerte de Eurídice.

En el libro X de las Metamorfosis de Ovidio (1-139) se dice que después de llorarla mucho, el poeta osó descender hasta el Inframundo.

Mientras suplicaba con sus hermosos cantos, ni Hades ni Perséfone, se atrevieron a decir que no a quien suplicaba por el amor de Eurídice.

Orfeo la recibió junto con la condición de no volver hacia atrás sus ojos hasta haber salido del Averno o el regalo quedaría sin efecto.

Este lienzo plasma la salida del Inframundo de estos enamorados, poco antes de llegar al final del Hades, donde Orfeo se dio la vuelta ante el temor de que su amada no le siguiera y Eurídice volvió de nuevo al Inframundo, como habían prometido Plutón y Proserpina.

El lienzo fue realizado por Rubens y su taller y muestra unos cambios con respecto al boceto inicial.

Los cambios con respecto al boceto, conservado en Zúrich, se observan en la arquitectura y la posición de las figuras.

En el caso de esta obra en particular se conserva un posible dibujo preparatorio de Plutón conservado en el Gabinetto Nazionale delle Stampe de Roma.

En la composición Rubens ha separado los dos ámbitos. Eurídice, inspirada en la iconografía de la Venus púdica, blanca y radiante, mientras los dioses del inframundo están sumidos en sombras.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636-1638 aproximadamente, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano el rey Felipe IV.

La decoración de la Torre de la Parada, en cuyo proyecto también participaron otros autores como Velázquez, fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV.

RUBENS. Orfeo y Eurídice

RUBENS. ORFEO Y EURÍDICE. 1636-1638. MUSEO DEL PRADO, MADRID


A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 60 obras para esta casa de recreo situada en los montes de El Pardo.

La mayor parte de las escenas narraban temas mitológicos, descritos en las Metamorfosis de Ovidio y otras fuentes clásicas.

Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, que sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.

Los bocetos servían para obtener el visto bueno del comitente y para que el taller concluyera las zonas de paisaje.

El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana, y uno adquirido en el año 2000.

El Prado también conserva la mayoría de los lienzos realizados a partir de los diseños de Rubens para la decoración de este lugar aunque muchos de los cuadros fueron pintados por otros artistas.

MUERTE DE ORFEO

Las mujeres tracias, que le amaban y se sentían celosas del amor y fidelidad de Orfeo a su esposa, le mataron y despedazaron, arrojando su cuerpo al río, que le llevó hasta el mar.

La cabeza y la lira de Orfeo llegaron a Lesbos. Su lira fue transportada al cielo y se convirtió en constelación.

Su alma pasó a los Campos Elíseos, donde cubierta con un largo ropaje blanco, sigue cantando para los bienaventurados.

Otra tradición dice que el héroe falleció por un rayo de Zeus, irritado por las revelaciones de Orfeo sobre el otro mundo a los iniciados en sus misterios.

Los tres episodios que se representan en el arte sobre Orfeo son:

  • sus habilidades como músico, en los mosaicos romanos;
  • su descenso a los Infiernos en Orfeo y Eurídice de Rubens, Museo del Prado, y
  • su muerte a manos de las celosas mujeres tracias.

Muerte de Orfeo - Émile Lévy (1866)

ÉMILE LÉVY. LA MUERTE DE ORFEO. 1866. MUSEO D’ORSAY

BIBLIOGRAFÍA

  • Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, 2014.
  • Azcue, L. en: El siglo XIX en el Prado, Museo Nacional del Prado, 2007, pp. 404-407 y p. 480.
  • maitearte.wordpress.com
  • Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos
  • museodelprado.es

 

 

 

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La pintura del Renacimiento Italiano

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

La Pintura en el Renacimiento Italiano

Este documento fotográfico, sobre la pintura del Renacimiento Italiano, ha sido elaborado para los alumnos de la UNED como complemento a las clases que imparto en el Grado de Historia del Arte y está dedicado a las personas que nos acompañan en los viajes culturales en los que hemos obtenido la casi totalidad de las fotografías que en él se muestran, así como a los visitantes y suscriptores de este blog.

En esta entrada describiré brevemente tres de las obras más importantes del documento, cuyas fotos pueden ser ampliadas haciendo click en ellas.

Dirección y selección: María Teresa García Pardo.

Página web – blog: https://maitearte.wordpress.com

Fotografías: Eduardo Benito. Realizadas en los viajes a Italia entre los años 2012 y 2018. Maquetación y corrección de fotografías.

Agradecimientos: Fotos obtenidas de Wikipedia. Las fotos referentes a pinturas, que no se encuentran en los museos visitados en los viajes culturales, han sido obtenidas de Wikipedia y son de dominio público.

Roma 2017 - Museo Vaticano - La Escuela de Atenas - Rafael - c. 1509-12

Composición del marco original existente en la estancia vaticana donde se encuentra la obra y la foto de la escuela de Atenas de Wikipedia para reproducir la imagen tal y como está en la realidad.

Estancias Vaticanas – La Escuela de Atenas – Rafael – c. 1509-12

Todo dimana Renacimiento: el arco de medio punto, la bóveda de casetones y la perspectiva. Podemos ver las esculturas de Apolo (luz) a la izquierda y Atenea (sabiduría) a la derecha.

El eje compositivo está ocupado por Platón y Aristóteles. Platón porta el Timeo y levanta el dedo hacia el cielo, ya que la sabiduría proviene de ahí.

A su lado Aristóteles sostiene la Ética, y su brazo indica a la Tierra como única fuente de conocimiento.

En el lado izquierdo aparece Sócrates, junto a unos jóvenes entre los que aparece Alejandro. Averroes lleva un turbante blanco.

Heráclito apoya el codo en el suelo. Diógenes aparece tendido sobre la escalinata.

A la derecha, Euclides utiliza el compás y Tolomeo sostiene el globo terráqueo.

Platón tiene los rasgos de Leonardo.

Heráclito los de Miguel Ángel.

Euclides los de Bramante.

Rafael se autorretrata como un joven con gorra negra en el extremo derecho.

La obra artística es entendida como un discurso mental, no sólo manual.

 

En este laborioso documento encontramos a los principales pintores del Renacimiento Italiano:

  • Masaccio (1401-1428),
  • Paolo Uccello (1397-1475)
  • Fra Angélico (1387-1455)
  • Andrea del Castagno (1423-1457)
  • Piero della Francesca (c. 1420-1492)
  • Benozzo Gozzoli (1420-1498)
  • Fra Filippo Lippi (c.1406-1469)
  • Andrea del Verrocchio (1455-1488)
  • Sandro Botticelli (1446-1510)
  • Domenico Ghirlandaio (1449-1494)
  • Pietro Perugino (1445-1523)
  • Andrea Mantegna (c.1431-1506), cuñado de los Bellini
  • Antonello da Messina (c.1430-1479)
  • Donato Bramante (1444-1514)
  • Leonardo da Vinci (1452-1519)
  • Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)
  • Rafael Sanzio (1483-1520)
  • Parmigianino (1503 – 1540)
  • Giulio Romano (c.1499-1546)
  • Andrea del Sarto (Florencia, 1486-1530)
  • Bronzino (1503-1572)
  • Giorgio Vasari (1511-1574)
  • Correggio (1489-1534)

Florencia 2018 - Los Uffizi - Tondo Doni - Miguel Ángel - 1506  

Los Uffizi – Tondo Doni – Miguel Ángel – 1506

Esta pintura circular, de 120 cm., es temple sobre tabla y en primer plano aparece la Sagrada Familia.

Es una composición serpentinata, donde se exalta el volumen escultórico de las figuras y el impactante contraposto de María.

En el centro, a la derecha, aparece San Juan niño con la iconografía de la Cruz, que simboliza el sacramento del Bautismo, ya que sólo a través de él se puede salvar el alma.

Los desnudos del fondo representan el mundo pagano que esperan sumergirse en el Jordán para ser bautizados.

 

Apartado dedicado a La Última Cena:

  • Última cena- Fra Angelico – c. 1450
  • Cenáculo – Andrea del Castagno – c . 1447
  • Cenáculo de Castagno, perspectivas de tamaño
  • Cenacolo di Ognissanti – Ghirlandaio – 1480 – Florencia
  • Cenáculo – Ghirlandaio – 1486 – Museo de San Marcos
  • Cena de Leonardo – Santa Maria delle Grazie
  • La última cena – Giorgio Vasari – c. 1546 – Santa Croce

Milan 2017 - Cena de Leonardo - Santa Maria delle Grazie - Leonardo da Vinci - 1494-98

Cena de Leonardo – Santa Maria delle Grazie – Leonardo da Vinci – 1494-98

La Última Cena es la única pintura mural de Leonardo. Mide 460 cm. x 880 cm. y está realizada con témpera y óleo sobre yeso.

En ella Leonardo plasmó el momento en el que Cristo anunció que uno de sus apóstoles le iba a traicionar, captando diferentes emociones humanas: estupor, ira, miedo, incredulidad, etc.

En la habitación Leonardo situó una larga mesa, en cuyo centro compositivo aparece Cristo con seis apóstoles a cada lado formando grupos de tres en tres.

Judas aparece con la tez oscura, Juan es un joven imberbe y Pedro lleva un cuchillo para defender a Cristo.

Jesús es el centro de todas las líneas de perspectiva. Sus brazos abiertos y su mirada tranquila equilibran la composición.

Leonardo utilizó personas reales como modelos para sus personajes.

Con esta iconografía la cena de Leonardo se convirtió en la pintura de referencia del Renacimiento.

 


Divinidades Mitológicas de la Tierra

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DE LA TIERRA

 

PAN (FAUNO). DIOS DE LOS PASTORES Y LOS REBAÑOS

 

PAN (FAUNO). DIOS DE LOS PASTORES Y LOS REBAÑOS

Pan (en griego “todo”) es el dios de los pastores y los rebaños, originario de Arcadia, cuyo culto se propagó por toda Grecia y el mundo helénico.

Pan ha sido considerado hijo de varias parejas, entre ellas:

Urano y Gea

Crono y Rea

Zeus y Calisto

Si es hijo de Zeus y Calisto sería hermano gemelo de Árcade, el héroe de Arcadia.

Era la divinidad más importante del cortejo de Dioniso. Habitaba con las ninfas a las que espiaba y perseguía.

Se le representa mitad hombre y mitad animal, por lo que es muy activo en la actividad sexual, persiguiendo a ninfas y efebos.

Pan amó a la ninfa Eco y a la diosa de la Luna, Selene.

Su torso es de hombre velludo y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas.

Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy astuto y arrugado con barba.

Su torso es de hombre velludo y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas.

Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy astuto y arrugado con barba.

Su agilidad es prodigiosa. Es rápido en la carrera y trepa por las rocas

Su atributo es la siringa, flauta formada por una serie de cinco a siete pequeños tubos de desigual tamaño unidos en paralelo y ordenados de mayor a menor.

Pan es una divinidad griega que se terminó identificando con el dios romano Fauno por la similitud de sus atributos.

CASA DE FAUNO. POMPEYACASA DE FAUNO. POMPEYA

ARCADIA

Arcadia era una región de la antigua Grecia que, con el tiempo, se ha convertido en el nombre de un país bucólico, creado y descrito por diversos poetas y artistas, sobre todo, del Renacimiento y el Romanticismo.

En este lugar imaginado reina la felicidad y la paz en un ambiente idílico, habitado por pastores que viven en la Naturaleza.

El tema es parte de mitos de la Grecia antigua y era mencionado en los cuentos populares y en los discursos de algunos sabios como ejemplo de vida.

Entre los artistas que plasman la Arcadia en sus obras tenemos a: Virgilio, Garcilaso, Miguel de Cervantes, Lope de Vega y Nicolás Poussin.

 

NICOLÁS POUSSIN (París, 1594 – Roma, 1665)

1637-1638. Óleo sobre lienzo. 87 x 120 cm

Poussin nació en París, pero vivió y se inspiró en Roma, donde estudió el arte antiguo y las esculturas romanas.

El conocimiento de las esculturas clásicas es evidente en su obra “Et in Arcadia Ego”.

La dama y los pastores, que portan sus cayados, llevan una indumentaria de época clásica. Todos son jóvenes, fuertes y hermosos, símbolo del ideal de belleza de Grecia.

En la inscripción de la sepultura está escrito el título del cuadro: et in Arcadia ego. “Yo estoy en la Arcadia”.

En un bucólico lugar pastoril la muerte está presente en la tumba, pero con armonía, sin sentido de pérdida y dolor.

Los personajes, sus gestos y sus miradas, son un reflejo de la exquisita belleza de las pinturas de Poussin.

POUSSIN. ET IN ARCADIA EGO. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS
POUSSIN. ET IN ARCADIA EGO. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS

PAN Y DAFNIS

Dafnis es un semidiós siciliano hijo de Hermes y de una ninfa. Fue educado por las ninfas que le enseñaron el arte del pastoreo.

Nació en un bosque de laureles, de ahí su nombre.

Pan le instruyó en el arte de la Música.

Mientras pacían sus bueyes, Dafnis tocaba la siringa y cantaba canciones bucólicas, género inventado por él.

Dafnis poseía una extraordinaria belleza y fue amado por numerosas ninfas y mujeres. Pero murió en plena juventud.

Dafnis prometió fidelidad eterna a la ninfa que amaba, Nomia, la Pastora.

Pero la hija del rey de Sicilia se las ingenió para embriagarle y unirse a él. Nomia, presa de cólera, le privó de la vista. Dafnis ciego cantaba canciones tristes y en su dolor se arrojó desde lo alto de una peña.

Otra versión dice que su padre Hermes se le llevó con él.

Una fuente estaba vinculada a su recuerdo y todos los años se ofrecían sacrificios en su honor.

PAN Y DAFNIS. PALACIO ALTEMPS, ROMA

PAN Y DAFNIS. PALACIO ALTEMPS, ROMA

SILENO Y EL REY MIDAS

Sileno es un nombre genérico que se da a los sátiros llegados a la vejez.

Es también el nombre de un personaje que pasaba por haber educado a Dioniso.

Se le consideraba hijo de Pan o de Hermes y de una ninfa.

Sileno era feo. Tenía la nariz muy chata y una enorme barriga.

Se le solía representar cabalgando un asno sobre el cual se sostenía a duras penas por estar borracho.

Sileno poseía gran sabiduría, pero sólo la revelaba a los humanos por la fuerza, como sucedió con el rey Midas.

Ovidio en sus Metamorfosis cuenta que Sileno, extraviado, porque se había dormido lejos del cortejo de Dioniso, fue encadenado por unos campesinos y conducido a la corte de Midas, rey de Frigia.

El rey, que había sido iniciado en los misterios, le reconoció y le recibió con grandes honores. Después le acompañó al séquito de Dionisos.

Sileno en agradecimiento le ofreció realizar el deseo que formulase. En seguida Midas pidió que todo lo que tocase se convirtiese en oro.

Pero el pan y el vino se convertían en oro, así que Midas suplicó que le retirasen este pernicioso don. (Avaricia)

Dioniso le dijo que se lavara en la fuente de Pactolo. Así Midas quedó libre del don y las aguas de la fuente se llenaron de pepitas de oro.

RIBERA, JOSÉ DE. SILENO EBRÍO. MUSEO DE CAPODIMONTE, NÁPOLES

RIBERA, JOSÉ DE. SILENO EBRÍO. MUSEO DE CAPODIMONTE, NÁPOLES

 

PRÍAPO, LA VIRILIDAD

Príapo, hijo de Afrodita y Dioniso, tenía como misión guardar las viñas y los jardines.

Los romanos colocaban estatuas de Príapo en sus jardines para garantizar sus cosechas.

Tenía la virtud de desviar “el mal de ojo” y anular el maleficio de los envidiosos que trataban de perjudicar las cosechas.

Príapo era el dios de la Fecundidad y fue incluido en el cortejo de Dioniso.

Al igual que Sileno, es representado con frecuencia en compañía de un asno.

Según otras versiones es hijo de Zeus y Afrodita. El dios se enamoró de la bella Afrodita y se unió a ella. La celosa Hera, temerosa de que el niño tuviera la belleza de su madre y el poder de su padre, tocó el vientre de Afrodita, de modo que el niño nació deforme.

PRÍAPO. FRESCOS ROMANOS. CASA DE LOS VETTII, POMPEYA

PRÍAPO. FRESCOS ROMANOS. CASA DE LOS VETTII, POMPEYA

Príapo nació con un miembro viril enorme y desmesurado. Afrodita temió las burlas y le abandonó en el monte.

Le descubrieron unos pastores que le criaron y le rindieron culto a la virilidad, convirtiéndole en un dios rústico.

En los frescos de Pompeya encontramos una pintura de Príapo, subiéndose la túnica para exhibir su enorme miembro, símbolo de la fecundidad, que se dispone a pesar en una balanza.

Pablo Ruíz Picasso le dedicó una escultura a este singular personaje de la Mitología.

 

LOS SÁTIROS, SÍMBOLO DE LA LUJURIA

Los sátiros, llamados también silenos, son genios de la Naturaleza incorporados al séquito de Dioniso y Pan.

Los sátiros suelen representarse con:

· Torso de hombre,

· Orejas puntiagudas,

· La parte inferior de macho cabrío,

· Una larga cola semejante a la de los caballos,

· Un miembro viril perpetuamente erecto y de proporciones sobrehumanas, indicio de su gran apetito sexual.

Con el tiempo los miembros inferiores se convierten en humanos y sólo queda la cola posterior como testimonio de su antigua forma.

Con el tiempo los sátiros se asimilaron al lado salvaje de la naturaleza y a la lujuria, sirviendo de pretexto a los pintores para representar escenas eróticas con desnudos femeninos.

Eran imaginados bailando en el campo, bebiendo con Dioniso y persiguiendo a las ninfas y a las ménades.

El sátiro más famoso es Marsias que osó desafiar al dios Apolo y eso le costó la terrible tortura de ser desollado vivo.

SÁTIRO. CERÁMICA ROJA SOBRE FONDO NEGRO

SÁTIRO. CERÁMICA ROJA SOBRE FONDO NEGRO

ANTÍOPE

Antíope, de extraordinaria belleza, fue amada por Zeus, que se unió a ella en forma de sátiro. Tuvo del dios 2 gemelos.

Antes de nacer sus hijos huyó de su casa por temor a la ira de su padre, pero éste desesperado por la desaparición de su hija se suicidó, encargándole a su hermano Lico que le vengase.

Lico se llevó a su sobrina a Tebas y su esposa y él la encadenaron y maltrataron, teniendo una triste existencia.

En el camino dio a luz a sus dos hijos y Lico ordenó que los abandonasen en el campo, aunque Anfión y Zeto fueron recogidos y criados por unos pastores.

PIERRE, JEAN-BAPTISTE. 1745 - 1749. JÚPITER Y ANTÍOPE.

PIERRE, JEAN-BAPTISTE. 1745 – 1749. JÚPITER Y ANTÍOPE.

MUSEO DEL PRADO, MADRID

LAS MÉNADES

Las ménades “mujeres posesas” son las bacantes divinas que acompañan a Dioniso.

Llevan coronas de hiedra y a veces tocan la doble flauta (aulós) entregándose a danzas apasionadas.

Ejercen dominio sobre las fieras. Pueden cabalgar panteras o tener lobeznos en brazos.

Se las representa desnudas o vestidas con velos ligeros y personifican los espíritus orgiásticos de la naturaleza.

MÉNADE BAILANDO. COPIA ROMANA. MUSEO DEL PRADO, MADRID

MÉNADE BAILANDO. COPIA ROMANA. MUSEO DEL PRADO, MADRID

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

maitearte.wordpress.com

 


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El Greco, Doménico Theotocópuli

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

El Greco, Doménico Theotocópuli

(Candía, Creta, 1541 – Toledo, 1614)

N.B. Debido a la extensión del documento, en esta entrada sólo aparece la biografía de El Greco. El documento completo se puede leer y descargar al final del mismo

El Greco. El caballero de la mano en el pecho

El Greco nació en la capital de la isla de Creta, Heraklion, territorio de la República de Venecia, en el seno de una familia griega, probablemente católica.

Se formó como pintor de iconos en la tradición tardobizantina y utilizaba grabados del renacimiento italiano.

Su familia posiblemente era ortodoxa y puede que se mantuviera en su fe toda la vida, pero se convirtió en católico al ir a Venecia, ya que un pintor ortodoxo no hubiese prosperado en Italia.

Tuvo un hermano diez años mayor que él, que era cobrador de impuestos y no lo desempeñó correctamente y terminó en la cárcel.

En 1556 murió su padre, cuando Doménico tenía sólo 15 años y su hermano mayor fue su protector. Pero los problemas económicos de su hermano hicieron que años después buscara la protección del pintor, cuando tenía fama en Toledo, y en su casa murió en 1604.

Abandonó Creta para no volver jamás y no sabemos si dejó allí familia.

En 1563 era ya maestro de pintura y en 1566 solicitaba permiso para que se le tasara un icono de la Pasión, para poder venderlo.

La pintura de iconos era encorsetada y él necesitaba mayor libertad.

Se vendió una pintura suya por un precio muy alto en una lotería “La pasión de Nuestro Señor” y con el dinero que obtuvo pudo ir a la metrópolis, Venecia, que era la escuela más atractiva del momento.

En 1567 llega a Venecia, donde residió hasta 1570 y donde pudo aprender el estilo de Tiziano desde fuera de su taller.

Fue muy feliz en Venecia. Veía como trabajaban los maestros y aprendió de Tiziano y Tintoretto. Esto le hizo dar un paso extraordinario en la visión del color y la luz.

En Venecia había grandes figuras y no consiguió el éxito, pero los rojos de Tiziano embargaron su alma.

En Venecia se afianzó en el dominio del empleo del color, la perspectiva, la anatomía y la técnica del óleo, aunque no abandonará por completo sus usos tradicionales.

Tras un viaje de estudios por Italia: Padua, Vicenza, Verona, Parma y Florencia, se instaló en Roma.

Florencia fue su siguiente etapa: Miguel Ángel, Botticelli, etc. El aprende de todos y lo fusiona en su mente, creando su propio estilo.

1570, Roma será su siguiente etapa italiana. En ella conoció al cardenal Alejandro Farnesio.

En Roma conoció a Chacón, un canónigo toledano, y a D. Luis de Castilla y oyó hablar del gran proyecto del rey Felipe II, El Escorial.

El Greco despreció la obra de Miguel Ángel, el gran genio del Renacimiento, y esto fue el gran escollo que le generó grandes enemistades, aunque Miguel Ángel le influirá siempre.

Cuando el Papa Gregorio XIII dijo que había que eliminar el Juicio Final de Miguel Ángel por considerarlo indecente, El Greco dijo que sería bueno que lo hiciesen porque ahora lo podría hacer él mejor, dejando a todos estupefactos.

Doménico decía que Miguel Ángel pintó esculturas en la Sixtina y le expulsaron inmediatamente de Roma.

En Roma permaneció hasta 1576, en contacto con el círculo intelectual del cardenal Alejandro Farnesio, que frecuentaban diversos religiosos y hombres de letras españoles, e inicialmente estuvo alojado en el ático de su palacio.

En 1572 fue expulsado de la servidumbre del cardenal e ingresó, con derecho a abrir su propio taller, en la asociación gremial romana, la Academia de San Lucas.

Trabajó preferentemente desde entonces como retratista y en pequeñas obras religiosas para clientes particulares, sin éxitos de envergadura, por lo que decidiría emigrar.

Decidió venir a España, a la Corte de Felipe II, el país más poderoso del mundo, para decorar el Monasterio de El Escorial.

En España se encontraba en la primavera de 1577, primero en Madrid y luego en Toledo.

El Greco llegó a Toledo, que era un hervidero de espiritualidad, y mantenía el crisol de las tres culturas que le hicieron famoso.

En Toledo, ciudad imperial con Carlos V, El Greco se convirtió en el genio precursor de las vanguardias.

D. Luis de Castilla, hijo natural del Deán de la catedral de Toledo, D. Diego de Castilla, será el patrocinador principal de El Greco.

El artista tasaba muy alto sus pinturas y fue muy polémico. Sus precios fueron muy elevados para la época, pero le hicieron muchos encargos.

En Toledo tuvo contratos con la catedral y el monasterio de Santo Domingo el Antiguo. Sus primeros lienzos fueron “el Expolio” para la catedral, que tuvo un pleito largo y costoso, que tardó años en cobrar y tres retablos para el monasterio, de los que dos lienzos se conservan en el Museo del Prado.

El Retablo Mayor de Santo Domingo el Antiguo presenta unas figuras que claramente son herencia del genio florentino, Miguel Ángel, a pesar de las críticas que hizo de él.

En 1578 nació su hijo Jorge Manuel Theotocópuli, fruto de una relación efímera con Jerónima de las Cuevas, mujer que procedía del medio artesanal toledano.

Se cree que ella murió tras el parto, ya que no se vuelven a tener noticias suyas y Doménico dio su apellido a su hijo Jorge Manuel.

No existen noticias sobre el matrimonio entre ambos, creyéndose que Doménico ya estaba casado en Italia y que Jorge Manuel era hijo natural, refiriéndose a él en una ocasión como “sobrino” apelativo que se utilizaba en la época para referirse a los bastardos.

Desde esta fecha, Doménico “El Griego” reside en Toledo, de donde saldrá en escasas ocasiones, siempre por motivos laborales.

Tuvo nueve pleitos documentados, incoados por él mismo o por algunos de sus clientes, ya fuera a causa del valor y precio por el que se tasaban sus lienzos o por las quejas, de orden técnico o por razones iconográficas, que levantaron algunos de ellos, como el propio “Expolio” o “la Virgen de la Caridad de Illescas” (Toledo), al inicio y final de su carrera.

Tras ser rechazado en 1584, por Felipe II y la congregación jerónima escurialense, su encargo de “El Martirio de San Mauricio” para uno de los altares de la basílica, El Greco amplió su taller.

Inició la producción de retablos y lienzos, para conventos y parroquias de la ciudad y del arzobispado toledano.

También realizaba cuadros de pequeño formato para una clientela de carácter privado.

Sus principales trabajos consistieron en la ejecución de retablos para monasterios, parroquias y capillas:

· la parroquia de Talavera la Vieja (Cáceres),

· la capilla de San José y la capilla del Colegio de San Bernardino de Toledo,

· el Colegio de la Encarnación o de doña María de Aragón de Madrid,

· la iglesia del Hospital de Nuestra Señora de la Caridad de Illescas,

· la capilla Oballe de la parroquia de San Vicente Mártir o los del Hospital de San Juan Bautista o Tavera de Toledo, que dejó sin acabar a la hora de su muerte. Contrató, a veces con su hijo, otros muchos que nunca llegó a ejecutar, como el del monasterio de Nuestra Señora de Guadalupe (Cáceres).

En sus últimas obras, El Greco proyectó de forma innovadora conjuntos artísticos plurales, en los que se combinaban la arquitectura y las esculturas de los retablos con sus lienzos y otras telas empotradas en muros o bóvedas, concibiéndolos como complejos sistemas formales y visuales que debieron producir, hoy es difícil encontrar alguno en su estado original, efectos fascinantes.

La arquitectura le interesó a lo largo de su carrera española y, a pesar de no diseñar ningún edificio, adoptó una postura de oposición al arquitecto real Juan de Herrera y sus fieles seguidores.

El Greco vivió un ambiente refinado, gastando más de lo que ingresaba por su trabajo, y rodeado por la intelectualidad académica toledana y un breve grupo de amigos italianizados y helenistas.

Doménico era un sibarita y llevaba un fastuoso tren de vida, como indica Jusepe Martínez: “ganó muchos ducados, pero los despilfarró en una vida ostentosa; incluso mantenía a músicos asalariados en su casa de modo que pudiera gozar de estos placeres mientras comía”. Pacheco observó que “era extraordinario en todo y tan extravagante en sus pinturas como en sus costumbres”.

El Greco murió sin dictar testamento el 7 de abril de 1614, dejando una obra elogiada por los poetas Luis de Góngora y fray Hortensio Félix Paravicino.

Se rechazaban sus obras por el carácter inapropiado de sus realizaciones religiosas y por sus colores fuertes.

Su arte, repudiado por la Ilustración del XVIII, fue redescubierto por los pintores franceses del siglo XIX, por una interpretación acorde con sus propios intereses, iniciándose la apropiación españolista del hasta entonces tenido por un griego discípulo de Tiziano.

La Generación del 98 lo entendió como representación del espíritu religioso español del Siglo de Oro, en su vertiente literaria de la época: la mística de Santa Teresa de Jesús y San Juan de la Cruz.

Las corrientes pictóricas de comienzos del siglo XX le vieron como un precedente libre, opuesto a la imitación mecánica de la realidad.

En la actualidad, se interpreta la pintura de El Greco como la de un pintor intelectual y filósofo, que se tuvo por “genio“, ajeno a las preocupaciones de los devotos y eruditos contemporáneos.

Estuvo al servicio de la Contrarreforma en la España de Felipe II y Felipe III y a contracorriente con una pintura personalísima, que plasmó en anotaciones personales en libros de su rica biblioteca, como en los márgenes de las “Vidas”, de Giorgio Vasari y de “Architettura”, de Vitrubio.

El Museo del Prado conserva también lienzos del “Retablo del colegio de los agustinos de Doña María de Aragón” (1596-1600), como “La Anunciación”, “El Bautismo de Cristo” y “La Crucifixión”, así como dos “La Resurrección de Cristo” y “Pentecostés” cuya adscripción a este retablo es muy discutible.

Más tardío es “Adoración de los pastores” (1612), procedente de su “Retablo funerario de Santo Domingo el Antiguo“.

Otras obras se han supuesto iniciadas por Doménico y concluidas, tras su muerte, por su hijo Jorge Manuel y el taller de Toledo, obras, por lo tanto, muy tardías y restauradas.

Sus figuras se hacen cada vez más estilizadas, en un estilo manierista muy personal con figuras desproporcionadas, colores violentos y vibrantes y fuertes escorzos, que consiguen calar profundamente en la mística sociedad toledana.

Fue enterrado en la iglesia del convento de Santo Domingo el Antiguo en un altar cedido en 1612 por las monjas “para siempre jamás” a cambio de 32.000 reales condonados por un monumento para la Semana Santa y por el compromiso de decorar el altar. Para ello realizó la Adoración de los pastores que hoy guarda el Museo del Prado.

A partir de estas noticias existen dos hipótesis: sigue en Santo Domingo enterrado junto a su nuera, Alfonsa de los Morales, cubiertas las tumbas por construcciones posteriores, o en 1618 fueron trasladados su cuerpo y el de su nuera a la iglesia de San Torcuato, cuyas obras estaba dirigiendo Jorge Manuel.

Esta iglesia toledana ha desaparecido por lo que no sabemos en la actualidad dónde se encuentra el cuerpo del pintor.

Su vida se resume en unos versos de su buen amigo el poeta Fray Hortensio Félix Paravicino: “Creta le dio la vida y los pinceles, Toledo mejor patria, donde empieza a lograr con la muerte eternidades”.

El entierro del señor de Orgaz - El Greco

El guion del documento completo es el siguiente:

  • Martirio de San Mauricio, El Escorial
  • San Mauricio, Patrón de la Orden del Toisón de Oro
  • El Expolio de Cristo, Catedral de Toledo
  • El Entierro del Señor de Orgaz
  • Don Gonzalo Ruiz de Toledo
  • El Cielo y la Tierra
  • El Cielo
  • La Anunciación, Museo del Prado
  • La Trinidad, Museo del Prado
  • El Caballero de la Mano en el Pecho
  • El Greco (y Taller) la Santa Faz
  • Greco y Taller. La Coronación de la Virgen
  • Bautismo de Cristo. Museo del Prado
  • La Crucifixión. Museo del Prado
  • La Resurrección de Cristo. Museo del Prado
  • La Anunciación. Museo del Prado
  • La Sagrada Familia, Santa Ana y San Juanito. Museo del Prado
  • Pentecostés. Museo del Prado
  • El Greco en Illescas (1603-1605)
  • Hospital de la Caridad
  • Santuario de la Caridad, Illescas, Toledo
  • San Ildefonso (606- 669). Obispo de Toledo
  • Milagro del Encuentro con la Virgen
  • San Ildefonso
  • La Coronación de la Virgen, la Anunciación y la Natividad
  • Epimeteo, Museo del Prado
  • Pandora, Museo del Prado
  • Adoración de Los Pastores. Museo del Prado
  • San Sebastián. Museo del Prado
  • El Greco. Expulsión de los mercaderes
  • Iglesia de San Ginés, Madrid

 

La Coronación

 


 

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