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Divinidades Mitológicas de la Tierra

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DE LA TIERRA

 

PAN (FAUNO). DIOS DE LOS PASTORES Y LOS REBAÑOS

 

PAN (FAUNO). DIOS DE LOS PASTORES Y LOS REBAÑOS

Pan (en griego “todo”) es el dios de los pastores y los rebaños, originario de Arcadia, cuyo culto se propagó por toda Grecia y el mundo helénico.

Pan ha sido considerado hijo de varias parejas, entre ellas:

Urano y Gea

Crono y Rea

Zeus y Calisto

Si es hijo de Zeus y Calisto sería hermano gemelo de Árcade, el héroe de Arcadia.

Era la divinidad más importante del cortejo de Dioniso. Habitaba con las ninfas a las que espiaba y perseguía.

Se le representa mitad hombre y mitad animal, por lo que es muy activo en la actividad sexual, persiguiendo a ninfas y efebos.

Pan amó a la ninfa Eco y a la diosa de la Luna, Selene.

Su torso es de hombre velludo y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas.

Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy astuto y arrugado con barba.

Su torso es de hombre velludo y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas.

Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy astuto y arrugado con barba.

Su agilidad es prodigiosa. Es rápido en la carrera y trepa por las rocas

Su atributo es la siringa, flauta formada por una serie de cinco a siete pequeños tubos de desigual tamaño unidos en paralelo y ordenados de mayor a menor.

Pan es una divinidad griega que se terminó identificando con el dios romano Fauno por la similitud de sus atributos.

CASA DE FAUNO. POMPEYACASA DE FAUNO. POMPEYA

ARCADIA

Arcadia era una región de la antigua Grecia que, con el tiempo, se ha convertido en el nombre de un país bucólico, creado y descrito por diversos poetas y artistas, sobre todo, del Renacimiento y el Romanticismo.

En este lugar imaginado reina la felicidad y la paz en un ambiente idílico, habitado por pastores que viven en la Naturaleza.

El tema es parte de mitos de la Grecia antigua y era mencionado en los cuentos populares y en los discursos de algunos sabios como ejemplo de vida.

Entre los artistas que plasman la Arcadia en sus obras tenemos a: Virgilio, Garcilaso, Miguel de Cervantes, Lope de Vega y Nicolás Poussin.

 

NICOLÁS POUSSIN (París, 1594 – Roma, 1665)

1637-1638. Óleo sobre lienzo. 87 x 120 cm

Poussin nació en París, pero vivió y se inspiró en Roma, donde estudió el arte antiguo y las esculturas romanas.

El conocimiento de las esculturas clásicas es evidente en su obra “Et in Arcadia Ego”.

La dama y los pastores, que portan sus cayados, llevan una indumentaria de época clásica. Todos son jóvenes, fuertes y hermosos, símbolo del ideal de belleza de Grecia.

En la inscripción de la sepultura está escrito el título del cuadro: et in Arcadia ego. “Yo estoy en la Arcadia”.

En un bucólico lugar pastoril la muerte está presente en la tumba, pero con armonía, sin sentido de pérdida y dolor.

Los personajes, sus gestos y sus miradas, son un reflejo de la exquisita belleza de las pinturas de Poussin.

POUSSIN. ET IN ARCADIA EGO. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS
POUSSIN. ET IN ARCADIA EGO. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS

PAN Y DAFNIS

Dafnis es un semidiós siciliano hijo de Hermes y de una ninfa. Fue educado por las ninfas que le enseñaron el arte del pastoreo.

Nació en un bosque de laureles, de ahí su nombre.

Pan le instruyó en el arte de la Música.

Mientras pacían sus bueyes, Dafnis tocaba la siringa y cantaba canciones bucólicas, género inventado por él.

Dafnis poseía una extraordinaria belleza y fue amado por numerosas ninfas y mujeres. Pero murió en plena juventud.

Dafnis prometió fidelidad eterna a la ninfa que amaba, Nomia, la Pastora.

Pero la hija del rey de Sicilia se las ingenió para embriagarle y unirse a él. Nomia, presa de cólera, le privó de la vista. Dafnis ciego cantaba canciones tristes y en su dolor se arrojó desde lo alto de una peña.

Otra versión dice que su padre Hermes se le llevó con él.

Una fuente estaba vinculada a su recuerdo y todos los años se ofrecían sacrificios en su honor.

PAN Y DAFNIS. PALACIO ALTEMPS, ROMA

PAN Y DAFNIS. PALACIO ALTEMPS, ROMA

SILENO Y EL REY MIDAS

Sileno es un nombre genérico que se da a los sátiros llegados a la vejez.

Es también el nombre de un personaje que pasaba por haber educado a Dioniso.

Se le consideraba hijo de Pan o de Hermes y de una ninfa.

Sileno era feo. Tenía la nariz muy chata y una enorme barriga.

Se le solía representar cabalgando un asno sobre el cual se sostenía a duras penas por estar borracho.

Sileno poseía gran sabiduría, pero sólo la revelaba a los humanos por la fuerza, como sucedió con el rey Midas.

Ovidio en sus Metamorfosis cuenta que Sileno, extraviado, porque se había dormido lejos del cortejo de Dioniso, fue encadenado por unos campesinos y conducido a la corte de Midas, rey de Frigia.

El rey, que había sido iniciado en los misterios, le reconoció y le recibió con grandes honores. Después le acompañó al séquito de Dionisos.

Sileno en agradecimiento le ofreció realizar el deseo que formulase. En seguida Midas pidió que todo lo que tocase se convirtiese en oro.

Pero el pan y el vino se convertían en oro, así que Midas suplicó que le retirasen este pernicioso don. (Avaricia)

Dioniso le dijo que se lavara en la fuente de Pactolo. Así Midas quedó libre del don y las aguas de la fuente se llenaron de pepitas de oro.

RIBERA, JOSÉ DE. SILENO EBRÍO. MUSEO DE CAPODIMONTE, NÁPOLES

RIBERA, JOSÉ DE. SILENO EBRÍO. MUSEO DE CAPODIMONTE, NÁPOLES

 

PRÍAPO, LA VIRILIDAD

Príapo, hijo de Afrodita y Dioniso, tenía como misión guardar las viñas y los jardines.

Los romanos colocaban estatuas de Príapo en sus jardines para garantizar sus cosechas.

Tenía la virtud de desviar “el mal de ojo” y anular el maleficio de los envidiosos que trataban de perjudicar las cosechas.

Príapo era el dios de la Fecundidad y fue incluido en el cortejo de Dioniso.

Al igual que Sileno, es representado con frecuencia en compañía de un asno.

Según otras versiones es hijo de Zeus y Afrodita. El dios se enamoró de la bella Afrodita y se unió a ella. La celosa Hera, temerosa de que el niño tuviera la belleza de su madre y el poder de su padre, tocó el vientre de Afrodita, de modo que el niño nació deforme.

PRÍAPO. FRESCOS ROMANOS. CASA DE LOS VETTII, POMPEYA

PRÍAPO. FRESCOS ROMANOS. CASA DE LOS VETTII, POMPEYA

Príapo nació con un miembro viril enorme y desmesurado. Afrodita temió las burlas y le abandonó en el monte.

Le descubrieron unos pastores que le criaron y le rindieron culto a la virilidad, convirtiéndole en un dios rústico.

En los frescos de Pompeya encontramos una pintura de Príapo, subiéndose la túnica para exhibir su enorme miembro, símbolo de la fecundidad, que se dispone a pesar en una balanza.

Pablo Ruíz Picasso le dedicó una escultura a este singular personaje de la Mitología.

 

LOS SÁTIROS, SÍMBOLO DE LA LUJURIA

Los sátiros, llamados también silenos, son genios de la Naturaleza incorporados al séquito de Dioniso y Pan.

Los sátiros suelen representarse con:

· Torso de hombre,

· Orejas puntiagudas,

· La parte inferior de macho cabrío,

· Una larga cola semejante a la de los caballos,

· Un miembro viril perpetuamente erecto y de proporciones sobrehumanas, indicio de su gran apetito sexual.

Con el tiempo los miembros inferiores se convierten en humanos y sólo queda la cola posterior como testimonio de su antigua forma.

Con el tiempo los sátiros se asimilaron al lado salvaje de la naturaleza y a la lujuria, sirviendo de pretexto a los pintores para representar escenas eróticas con desnudos femeninos.

Eran imaginados bailando en el campo, bebiendo con Dioniso y persiguiendo a las ninfas y a las ménades.

El sátiro más famoso es Marsias que osó desafiar al dios Apolo y eso le costó la terrible tortura de ser desollado vivo.

SÁTIRO. CERÁMICA ROJA SOBRE FONDO NEGRO

SÁTIRO. CERÁMICA ROJA SOBRE FONDO NEGRO

ANTÍOPE

Antíope, de extraordinaria belleza, fue amada por Zeus, que se unió a ella en forma de sátiro. Tuvo del dios 2 gemelos.

Antes de nacer sus hijos huyó de su casa por temor a la ira de su padre, pero éste desesperado por la desaparición de su hija se suicidó, encargándole a su hermano Lico que le vengase.

Lico se llevó a su sobrina a Tebas y su esposa y él la encadenaron y maltrataron, teniendo una triste existencia.

En el camino dio a luz a sus dos hijos y Lico ordenó que los abandonasen en el campo, aunque Anfión y Zeto fueron recogidos y criados por unos pastores.

PIERRE, JEAN-BAPTISTE. 1745 - 1749. JÚPITER Y ANTÍOPE.

PIERRE, JEAN-BAPTISTE. 1745 – 1749. JÚPITER Y ANTÍOPE.

MUSEO DEL PRADO, MADRID

LAS MÉNADES

Las ménades “mujeres posesas” son las bacantes divinas que acompañan a Dioniso.

Llevan coronas de hiedra y a veces tocan la doble flauta (aulós) entregándose a danzas apasionadas.

Ejercen dominio sobre las fieras. Pueden cabalgar panteras o tener lobeznos en brazos.

Se las representa desnudas o vestidas con velos ligeros y personifican los espíritus orgiásticos de la naturaleza.

MÉNADE BAILANDO. COPIA ROMANA. MUSEO DEL PRADO, MADRID

MÉNADE BAILANDO. COPIA ROMANA. MUSEO DEL PRADO, MADRID

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

maitearte.wordpress.com

 


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Divinidades Mitológicas del Agua

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DEL AGUA

El triunfo de Galatea

EL TRIUNFO DE GALATEA

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DEL MAR

NEREO, EL VIEJO DIOS DEL MAR

Nereo es hijo de Gea (la Tierra) y Ponto (la Ola marina).

Es una divinidad de las fuerzas elementales del Mundo y existía antes de los dioses Olímpicos.

NEREO. MUSEO DE CARMONA. SEVILLA            NEREO. MUSEO DE CARMONA. SEVILLA

Su esposa fue Dóride, hija de Océano, con la que engendró a las Nereidas.

Nereo, el Viejo del Mar, como casi todos los dioses marinos tiene el don de metamorfosearse en toda clase de animales y seres.

Es un dios bienhechor y benévolo para los marineros.

Se le representa con barba cana, cabalgando un tritón y armado con un tridente.

 

LAS NEREIDAS, LAS OLAS DEL MAR

Las Nereidas son divinidades marinas,hijas de Nereo y Dóride, y nietas de Océano, y por lo tanto son inmortales.

Como todas las divinidades marinas tienen el don de transformarse.

Las Nereidas personifican las olas del mar. Generalmente son 50, pero a veces su número se eleva a 100.

Las Nereidas vivían en el fondo del mar, en el palacio de su padre, sentadas en tronos de oro.

Eran bellísimas y pasaban el tiempo cantando y tejiendo.

Los poetas se las imaginaban meciéndose en las olas, con los cabellos al viento, nadando entre tritones y delfines.

Las Nereidas más destacadas son:

Tetis, madre de Aquiles,                                              

Anfitrite, esposa de Posidón, y

Galatea, el gran amor de Polifemo.

GALATEA

Galatea juega un papel primordial en las leyendas populares de Sicilia. Es la doncella blanca que habita en el mar en calma.

Galatea es amada por el Cíclope siciliano Polifemo, pero ella no le corresponde porque está enamorada del bello Acis, hijo del dios Pan y de una ninfa.

Un día, mientras Galatea descansaba sobre el pecho de Acis, en la orilla del mar, Polifemo los vio, sintió celos y arrojó una enorme roca con la que aplastó a Acis mientras intentaba huir.

Galatea convirtió a su amado en un río de limpias aguas.

RAFAEL. TRIUNFO DE GALATEA. VILLAFARNESINA. ROMA  

Agostino Chigi, un comerciante rico de Siena, le encargó a Raffaello pintar una logia de su palacio Chigi, en el Trastevere.

Raffaello (Urbino, 1483 – Roma, 1520) se deleitaba con las mujeres y los placeres carnales y falleció a los 37 años.

Cuando su amigo Agostino Chigi le encargó que pintara la primera logia en su palacio, Raffaello no prestaba atención a su trabajo, debido a la pasión por su amante.

Agostino cayó en tal desesperación, que consintió que esta dama viniera a vivir con Raffaello en la parte de la casa donde trabajaba y de esta manera se completó el trabajo.

Margarita Luti (1493-1522), hija un panadero de Siena, conocida como la Fornarina, aparece en muchas composiciones de Rafael, especialmente entre 1510 y 1520.

Pintó muchas figuras al fresco con su propia mano:

  • La nereida Galatea triunfal en un carro tirado por dos delfines y rodeado por Tritones y muchos dioses del mar.
  • En el techo hizo el Concilio de los Dioses de la antigüedad, ejecutados con gracia y destreza.
  • De la misma manera hizo el matrimonio de Psique acompañado de las Gracias distribuyendo flores sobre la mesa.

(Vasari “Le Vite de più eccellenti pittori, scultori e architetti”).

LOGIA DE GALATEA

La Loggia toma su nombre del fresco de la nereida Galatea de Raffaello Sanzio, quien lo pintó con delicados rasgos faciales y un bellísimo cuerpo, transportado sobre el agua en un carro formado por una concha tirada por delfines y alrededor de un Fiesta de tritones, cupidos y nereidas.

La logia fue pintada al fresco por diferentes artistas:

El primero fue Baldassar y Peruzzi, quienes en 1511 pintaron el horóscopo de Agostino Chigi en la bóveda.

En el invierno de 1511-1512, Sebastiano del Piombo, uno de los mejores talentos pictóricos venecianos, pintó las escenas mitológicas de los nueve lunetos con varias escenas tomadas de las Metamorfosis de Ovidio.

Peruzzi decoró el décimo con una cabeza gigantesca de un joven, que la leyenda quería que fuera la obra del gran Miguel Ángel Buonarroti.

La leyenda dice que Miguel Ángel, curioso de examinar cómo procedían los frescos de Rafael, ya que este último no permitía que nadie viera su trabajo, se disfrazó de vendedor distrayendo a los guardianes con mercadería.

Una vez que entró en el palacio, pudo admirar el trabajo de su rival. Incapaz de resistir la tentación, tomó un trozo de carbón y pintó una cabeza hermosa y gigantesca, sin ningún color, antes de marcharse.

POLIFEMO Y EL TRIUNFO DE GALATEA

POLIFEMO Y EL TRIUNFO DE GALATEA VILLAFARNESINA. TRASTÉVERE, ROMA


Sebastiano del Piombo pintó una gran figura de Polifemo en una pared, el eterno enamorado de Galatea, originalmente desnudo y después se le vistió de azul.

ANFITRITE Y NEPTUNO

Escultura de Anfitrite (1866) realizada por François Théodore Devaulx (1808–1870).

Ubicada en la fachada norte del patio cuadrado del Palacio del Louvre, en París.

ANFITRITE (1866). PATIO CUADRADO DEL PALACIO DEL LOUVRE, PARÍS.

ANFITRITE (1866). PATIO CUADRADO DEL PALACIO DEL LOUVRE, PARÍS.


Se la representa rodeada de divinidades marinas.

Anfitrite es la reina del Mar, “La que rodea el mundo”.

Esta nereida es hija de Nereo y Dóride y dirige el coro de sus hermanas.

Cuando danzaba un día con ellas, cerca de la isla de Naxos, Poseidón la vio y la raptó porque la amaba desde hacía mucho tiempo.

Los delfines la condujeron en medio de un solemne cortejo hasta Poseidón, quien la hizo su esposa, desempeñando junto al dios el mismo papel que Hera junto a Zeus.

Los matrimonios de los Dioses Olímpicos fueron:

  • Zeus – Hera
  • Poseidón – Anfitrite
  • Hades – Perséfone

 

LA NEREIDA TETIS Y SU HIJO AQUILES

La nereida Tetis, hija de Nereo y su esposa Dóride, es la más célebre de todas las nereidas y como todas las divinidades marinas es inmortal.

Tetis fue criada por Hera, de igual forma que la esposa de Zeus había sido criada por la titánide Tetis, hija de Gea y Urano.

Tetis recogió y cuidó a Hefesto, que cayó en el Océano, al ser arrojado desde el Olimpo por su padre Zeus por intervenir en favor de su madre Hera.

Zeus y Posidón quisieron conquistar a la bella nereida Tetis, pero el oráculo de Temis reveló que el hijo que naciera de ella sería más poderoso que su padre.

Los dos grandes dioses no insistieron y se la cedieron a un mortal, para quien el cumplimiento de esta profecía no significaba ningún inconveniente.

El centauro Quirón se apresuró a aconsejar a su protegido Peleo, rey de Ptía (Tesalia), que aprovechase esta ocasión para casarse con una divinidad.

La boda de Tetis y Peleo se celebró en el monte Pelión y a ella asistieron los dioses. Las Musas cantaron y todos ofrecieron un regalo a los recién casados.

Poseidón les regaló 2 caballos inmortales, que más tarde aparecerán unidos al carro de su hijo Aquiles.

La diosa Éride, personificación de la Discordia, lanzó sobre la mesa una manzana de oro que debía ser otorgada a la diosa más hermosa.

Hera, Atenea y Afrodita se disputaron esa manzana de oro y nadie quiso pronunciarse por una de las tres divinidades.

Zeus encargó a Hermes que guiase a las tres diosas al monte Ida, para que Paris resolviese el tema.

Hermes persuadió a Paris para que actuase de árbitro, por ser esa la voluntad de Zeus.

Las tres diosas defendieron ante él su propia causa y cada una le prometió su protección y determinados dones si fallaba en su favor:

  • Hera se comprometió a darle poder y el imperio de Asia.
  • Atenea le ofreció sabiduría y la victoria en todos los combates.
  • Afrodita le brindó el amor de la más hermosa entre todas las mujeres, la bellísima Helena, reina de Esparta.

Paris se decantó por Afrodita y ella le concedió el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, esposa de Menelao, rey de Esparta.

Paris raptó a Helena y se la llevó a Troya, dando origen a la famosa Guerra de Troya.

Los pintores han representado a Paris como un pastor en un escenario bucólico y silvestre.

JORDAENS, JACOB. LAS BODAS DE TETIS Y PELEO

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 288 cm.

Jordaens colaboró con Rubens y fue muy influido por éste, aunque mantuvo su propia personalidad.

Van Dyck acentuó el lado aristocrático de Rubens. En cambio Jordaens se inclinó por el popular y cotidiano, aunque también trabajó el tema mitológico.

Las bodas de Tetis y Peleo se narran en las Fábulas de Higinio. Cuando se casaron Tetis y Peleo, Júpiter había invitado a todos los dioses al banquete excepto a la Discordia.

Ésta se presentó más tarde, pero no fue admitida en el banquete. Así que lanzó una manzana y dijo que la cogiera la más hermosa.

Juno, Venus y Minerva comenzaron a reivindicar para sí el título de belleza y surgió entre ellas una gran discordia.

Júpiter ordenó a Mercurio que las llevara al Monte Ida (Turquía),  junto a Paris, y que él actuara como juez.

Esta historia es importante porque es el inicio del famoso episodio El Juicio de Paris, del cual el Museo del Prado conserva dos obras de Rubens, una encargada por Felipe IV y realizada coetáneamente a la serie de la Torre de la Parada.

Al elegir Paris a Venus, quien le había prometido entregarle a Helena, desencadenó la Guerra de Troya.

S. Alpers, autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada hasta la fecha, dice que el episodio de la boda entre Tetis y Peleo no tiene tradición en las ediciones ilustradas de las Metamorfosis de Ovidio por lo que se insertaría más bien en la tradición de representar el “Festín de los dioses” que tanto gusta a los artistas.

Jordaens realizó obras de complicada ejecución y con bastantes personajes como: La caída de los gigantes, Apolo vencedor de Pan y ésta.

Es uno de los episodios con mayor número de personajes que forman parte de la Torre de la Parada, donde el movimiento, el dramatismo y la gran variedad de posturas son primordiales.

Éride es un personaje alado con rostro expresionista.

Tetis y Peleo aparecen a la derecha, apartados a la disputa.

Minerva, con sus atributos bélicos, se abalanza sobre la mesa.

Detrás de ella está Diana con la media Luna sobre la cabeza.

Venus está acompañada de su hijo Cupido.

Juno está sentada junto a su marido, Júpiter, que tiene la manzana en la mano para dársela a Mercurio, pero ella extiende la mano esperando recibirla.

El cuadro aparece firmado en la silla de Peleo con la siguiente inscripción: “I. IR. fecit Ao 16”.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados entre 1636-1638, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano el rey Felipe IV.

JORDAENS, JACOB. LASBODAS DE TETIS Y PELEO. MUSEO DEL PRADO

JORDAENS, JACOB. LAS BODAS DE TETIS Y PELEO. MUSEO DEL PRADO

Del matrimonio de Tetis y Peleo nacieron varios hijos, pero Tetis los mataba al acercarles al fuego para intentar convertirlos en inmortales.

Sólo su hijo pequeño, el famoso Aquiles se salvó, cuando su padre se le arrancó de las manos cuando ella le ponía al fuego para convertirle en inmortal. Estos hechos provocaron la ruptura del matrimonio entre Tetis y Peleo.

Tetis baño a Aquiles en las aguas del río Éstige, el río infernal, para hacerle invulnerable.

Sin embargo, el talón por el que sostenía al niño no fue tocado por el agua milagrosa y era su única zona vulnerable.

Cuando Aquiles tenía 9 años, el adivino Calcante anunció que Troya no podría ser tomada sin él.

Tetis, que sabía que Aquiles estaba destinado a morir ante la ciudad, le llevó junto a Licomedes, rey de Esciros, y le ocultó entre sus hijas durante 9 años llamándose Pirra “la rubia”.

Pero Aquiles no pudo escapar a su destino y fue descubierto por Ulises, que se presentó en la corte disfrazado de mercader.

Las princesas eligieron telas y joyas, pero Aquiles escogió las armas que estaban disimuladas entre ellas, no pudiendo así escapar a su destino. Su madre procuró protegerle por todos los medios, pero todo fue en vano.

Tetis le entregó a Aquiles la armadura divina que Hefesto le ofreció a Peleo como regalo de bodas. Añadió a ella los 2 caballos inmortales, que Posidón les obsequió en la boda y que después reaparecerán en el carro de Aquiles. 

La Ilíada manifiesta la cólera de Aquiles en el décimo y último año de la Guerra de Troya.

Su gran amigo Patroclo sucumbe a manos de Héctor y Aquiles le venga matando a Héctor, pero se niega a entregar el cadáver a su padre, el rey de Troya, y arrastra el cuerpo de Héctor alrededor de Troya.

Los dioses, indignados por la falta de respeto de Aquiles hacia los muertos, hacen que Zeus le pida a Tetis que su hijo entregue el cadáver de Héctor a su padre, el rey Príamo de Troya.

Finalmente, hay varias versiones sobre la muerte de Aquiles. Una se le atribuye a Paris, que mata al héroe en el templo de Apolo. Otra cuenta que Aquiles seguía luchando a las puertas de Troya y el dios Apolo le ordenó retirarse, pero como no obedeció el propio Apolo le dirigió una flecha al único punto vulnerable del cuerpo del héroe, el talón.

LAS SIRENAS

Las sirenas son genios marinos, mitad ave y mitad mujer, que se mencionan por primera vez en la Odisea.

Según Apolodoro, una tocaba la lira, otra cantaba y la tercera tocaba la flauta.

La leyenda más antigua dice que las sirenas habitaban en una isla del Mediterráneo y con su música atraían a los navegantes que pasaban por sus parajes.

Los barcos se acercaban hasta la costa rocosa de la isla y zozobraban y las sirenas devoraban a los imprudentes marinos.

Los Argonautas pasaron cerca de las sirenas, pero Orfeo cantó tan melodiosamente, mientras el Argo estuvo al alcance de su música, que los héroes no sintieron la necesidad de acercarse.

Ulises (Odiseo) al regresar de Troya, prudente y curioso a la vez, quería oír a las sirenas. Para ello ordenó a sus compañeros que le atasen fuertemente al mástil y dio orden de que nadie le desatase por insistentes que fuesen sus ruegos.

También mandó a sus marineros que se  tapasen los oídos con cera pero él no se los tapó para disfrutar de esa dulce música. Estaba siguiendo los consejos de la maga Circe, que le había advertido del gran peligro que suponían las sirenas.

Cuando empezó a oír a las sirenas, Ulises sintió un invencible deseo de ir hacia ellas, pero sus compañeros se lo impidieron.

Se dice que las sirenas, despechadas por su fracaso, se precipitaron al mar y perecieron ahogadas.

Tradicionalmente, la isla de las Sirenas se sitúa frente a Sorrento, en la bellísima Costa Amalfitana.

Posteriormente fueron consideradas divinidades del Más Allá, que cantaban para los bienaventurados en las Islas Afortunadas.

Pasaron a representar la armonía celestial y como tal aparecen a menudo en los sarcófagos.

Su mítica belleza y cola de pez son derivaciones posteriores.


SIRENA. MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL DE ATENAS

SIRENA. MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL DE ATENAS

MOSAICO. MUSEO DEL BARDO, TÚNEZ

MOSAICO. MUSEO DEL BARDO, TÚNEZ

DIVINIDADES DE AGUA DULCE

LOS RÍOS

Según Hesíodo, los Ríos son hijos de Océano y Tetis.

Eran poderes benéficos, creadores y purificadores.

Los ríos son imprescindibles, ya que si no hay agua no puede haber vida. Por eso todas las ciudades se asientan en las proximidades de un río.

Herodoto decía que el Nilo es el gran don de Egipto.

Sin este impresionante río la vida en Egipto sería imposible, ya que ambas orillas son un vergel en medio del desierto.

El Nilo era considerado un rey que había fertilizado Egipto. Se le representa como un hombre recostado y rodeado de símbolos de fertilidad como niños y la cornucopia. 

La cornucopia o el cuerno de la abundancia es el símbolo de la prosperidad y fertilidad. Amaltea fue la nodriza que crió a Zeus con la leche de una cabra. Un día Zeus jugando quebró un cuerno del animal y se le regaló a Amaltea, prometiéndole que el cuerno se llenaría milagrosamente de todos los frutos que ella deseara.

 

Capitolio - Fuente de los rios Tiber y Nilo. En el centro la diosa Minerva - Eduardo©2014
EDIFICIO DEL AYUNTAMIENTO DE ROMA EN EL CAPITOLIO

 

El Capitolio - Rio Nilo - Eduardo©2012

ESCULTURA DEL RÍO NILO. CAPITOLIO. ROMA

 

Identificamos esta escultura con el río Nilo por la esfinge sobre la que apoya su brazo izquierdo y por la cornucopia.  

           

El Capitolio - Rio Tiber - Eduardo©2012

          ESCULTURA DEL RÍO TÍBER. CAPITOLIO. ROMA

En esta escultura identificamos el río Tíber por los gemelos Rómulo y Remo y por la cornucopia.

LAS NINFAS

Eran las doncellas que poblaban los campos, los bosques y los lagos. Son muy longevas pero mortales.

Con su gracia personifican los espíritus de la Naturaleza.

Se consideran hijas de Zeus y personifican la fecundidad y la belleza.

Habitaban en grutas donde pasan la vida hilando y cantando y formaban parte del séquito de Ártemis.

Las ninfas desempeñan un importante papel en las leyendas. Son las “hadas” que aparecen en las narraciones.

La vida amorosa de las ninfas es muy variada:

·      Son esposas del héroe de una ciudad o de un país.

·      Aman a los dioses: Zeus, Apolo, Hermes, Dionisos.

·      Son amantes de los espíritus masculinos de la Naturaleza: Pan, los Sátiros, Príapo, etc.

·      Dafne, Eco, Calisto, tienen amores especiales.

ECO Y NARCISO

Eco es el nombre de una ninfa de los bosques que se consumió por su amor hacia Narciso.

En las Metamorfosis de Ovidio se narra que al nacer el niño el adivino Tiresias dijo que viviría muchos años si no se contemplaba a sí mismo.

Narciso era un hermoso joven que despreciaba el amor. Era objeto de la pasión de numerosas doncellas y ninfas, pero siempre permanecía insensible.

La ninfa Eco se enamoró de él y desesperada ante su negativa se retiró a un lugar solitario, donde adelgazó tanto, que de su persona sólo quedó una voz lastimera.

Esta es la leyenda del eco que repite las últimas sílabas de las palabras que se pronuncian.

Las jóvenes despechadas pidieron venganza a los dioses.

Némesis, que personifica la venganza divina, lo escuchó y un día muy caluroso, después de una cacería, Narciso se inclinó sobre una fuente para calmar su sed.

Allí ve la imagen de su bello rostro y se enamora de él en el acto. Insensible al resto del mundo, se deja morir inclinado sobre su propia imagen.

En el lugar de su muerte brotó una flor, a la que se dio su nombre: el narciso.

FELIPE IV (1605-1665), EL REY PLANETA

(8 de abril de 1605, Valladolid – 17 de septiembre de 1665, Madrid).

Hijo de Felipe III y Margarita de Austria, se casó en dos ocasiones:

1.  Con Isabel de Borbón en 1615

2.  Con Mariana de Austria en 1648

Sólo tres de sus hijos sobrevivieron: María Teresa, Margarita y Carlos II.

Tuvo además un hijo fuera de sus matrimonios, don Juan José de Austria, en 1629, con la actriz María Calderón, conocida como “La Calderona”.

1-ISABEL DE BORBÓN

(22 de noviembre de 1602, Palacio de Fontainebleau, Francia – 6 de octubre de 1644, Madrid).

Hija del rey Enrique IV de Francia y de su segunda esposa, María de Médicis, y hermana de Luis XIII de Francia.

Hijos: Príncipe Baltasar Carlos e Infanta María Teresa.

Baltasar Carlos de Austria

(17 de octubre de 1629, Madrid – 9 de marzo de 1646, Zaragoza). Murió con 16 años.

María Teresa de Austria – Luis XIV

(10 de septiembre de 1638, San Lorenzo de El Escorial – 30 de julio de 1683, Palacio de Versalles, Francia).

Se casó con Luis XIV de Francia, llamado “el Rey Sol”.

(Saint-Germain en Laye, Francia, 5 de septiembre de 1638-Versalles, Francia, 1 de septiembre de 1715).

Hijo: Luis de Francia, el Gran Delfín (Fontainebleau, 1 de noviembre de 1661 – Castillo de Meudon, 14 de abril de 1711).

En su nacimiento fue predicho que sería hijo de un rey, padre de un rey, pero nunca rey y así fue porque murió en 1711 y su padre, Luis XIV, siguió reinando hasta 1715.

Renunció a su derecho al trono español en la Guerra de Sucesión Española en favor de su segundo hijo, Felipe, duque de Anjou.

El hijo mayor de Luis, el Gran Delfín, y María Ana Cristina de Baviera, fue Luis de Francia (Versalles, 16 de agosto de 1682-Marly-le-Roi, 18 de febrero de 1712), Duque de Borgoña.

Ocupaba el segundo puesto en la línea sucesoria de su abuelo paterno, Luis XIV. Luis ascendió al primer puesto en dicha línea tras la muerte de su padre en 1711.

El y su esposa, enfermaron de sarampión y murieron en seis días. Su hijo mayor también murió por la misma enfermedad.

Su hijo menor sobrevivió para llegar a ser Luis XV de Francia en 1715.

2- MARIANA DE AUSTRIA

(24 de diciembre de 1634, Wiener Neustadt, Austria – 16 de mayo de 1696, Madrid).

Hija del emperador Fernando III de Habsburgo y de la infanta María  Ana de España (hija del rey Felipe III y Margarita de Austria).

Hermanos: Leopoldo I de Habsburgo y Fernando IV de Hungría.

Desde la infancia estuvo comprometida con su primo Baltasar Carlos. Al morir el príncipe Baltasar Carlos, Mariana de Austria se convirtió en 1649 en la segunda esposa de su tío, Felipe IV, 29 años mayor que ella.

Desde 1665 fue regente como madre de Carlos II.

Hijos: Carlos II de España, Margarita de Austria y Felipe Próspero.

Felipe Próspero (1657-1661)

Su nacimiento como heredero propulsó la política matrimonial para sus hermanas.

María Teresa fue prometida a su primo Luis XIV de Francia y Margarita a su tío Leopoldo I de Austria.

Murió con tan sólo 4 años. Su hermano Carlos II nació ya como heredero de la Corona.

Margarita de Austria – Emperador Leopoldo I

(12 de julio de 1651, Real Alcázar de Madrid – 12 de marzo de 1673, Palacio de Viena, Austria).

Infanta de España y Emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico por su boda con su tío, el emperador Leopoldo I

Hija: María Antonia de Austria (18 de enero de 1669, Viena, Austria – 24 de diciembre de 1692, Viena, Austria).

M. Antonia se casó con Maximiliano II de Baviera y fue madre de José Fernando de Baviera (28 de octubre de 1692, Viena, Austria – 6 de febrero de 1699, Bruselas, Bélgica).

José Fernando de Baviera, Príncipe Elector de Baviera, fue el heredero de todos los reinos de la Monarquía Hispánica desde 1696, por el testamento del rey Carlos II de España, hasta su muerte en 1699, a los 6 años.

CARLOS II, “EL HECHIZADO”, (1661-1700)

(6 de noviembre de 1661, Real Alcázar de Madrid – 1 de noviembre de 1700, Madrid).

En 1661, Carlos II nace a los 5 días de morir su hermano Felipe Próspero. Por lo tanto, nace como heredero de la Corona.

Mariana de Austria, tras enviudar en 1665, fue Regente hasta que su hijo empezó a reinar en 1675.

Carlos II se convierte en rey a los 14 años 1677. Mariana de Austria se retira a Toledo.

Carlos II de España, llamado “el Hechizado”,  hijo de Felipe IV y Mariana de Austria fue el último rey de la Casa de Austria.

Se casó en dos ocasiones: con María Luisa de Orleans y con Mariana de Neoburgo.

1. María Luisa de Orleans

(27 de marzo de 1662, Palacio Real, París, Francia – 12 de febrero de 1689, Real Alcázar de Madrid).

Hija del duque Felipe de Orleáns y Enriqueta de Inglaterra, era a su vez sobrina de Luis XIV. Se la conoce como la reina estéril.

2. Mariana de Neoburgo

(28 de octubre de 1667, Düsseldorf, Alemania – 16 de julio de 1740, Guadalajara).

Hija de Felipe Guillermo de Neoburgo y de la fértil Isabel Amalia de Hesse (tuvo 23 hijos).

Era cuñada del emperador Leopoldo I y tenía una madre muy fértil. Por estas dos razones se escogió a una princesa emparentada con la poderosa rama austriaca de los Habsburgo.

Carlos II falleció sin descendencia el 1 de noviembre de 1700, a los 38 años, aunque parecía mayor de esa edad.

Con él concluye la Casa de Austria en España al morir sin descendencia.

En 1700 le sucede Felipe V de Borbón, nieto de su hermana María Teresa y de Luis XIV. Tras la muerte del heredero pactado en 1699, José Fernando de Baviera, nieto de su hermana Margarita.

Carlos II hizo testamento el 3 de octubre de 1700 en favor de Felipe de Anjou, nieto de Luis XIV de Francia y de su hermana, la infanta María Teresa de Austria (1638-1683), la hija mayor de Felipe IV.

Mariana de Neoburgo, en cambio, apoyaba a su sobrino, el archiduque Carlos de Austria, hijo del emperador Leopoldo I.

El archiduque austríaco fue respaldado por Inglaterra y Holanda, las tradicionales enemigas de España durante el siglo XVI, que además rivalizaban con la hegemonía de Luis XIV.

La elección de Felipe de Anjou se debió a que España tenía como prioridad principal la conservación de la unidad de los territorios del Imperio español y Luis XIV de Francia era en ese momento el monarca con mayor poder de Europa y, por ello, prácticamente el único capaz de poder llevar a cabo dicha tarea.

BORBONES DESDE 1700

FELIPE V (1683 – 1746)

(19 de diciembre de 1683, Palacio de Versalles, Francia – 9 de julio de 1746, Monasterio de San Lorenzo de El Escorial).

Felipe V fue rey de España desde el 16 de noviembre de 1700 hasta su muerte en 1746.

En 1724 abdicará en su hijo Luis I, pero la muerte prematura de éste le llevó a un segundo reinado, caracterizado por el acercamiento a Austria, Inglaterra y Francia.

La llegada del primer Borbón supone reformas importantes para el país.

Siguiendo el modelo absolutista francés, impone una centralización administrativa y política, suprimiendo la autonomía de Aragón y Cataluña y los fueros de aragoneses y valencianos.

Excepto en Navarra y Región Vasca, las leyes castellanas se imponen en todo el territorio.

Los últimos años de su reinado sufrió una fuerte depresión. Le sucedió en el trono su hijo Fernando VI.

Isabel de Farnesio y Felipe V están enterrados en el Palacio Real de La Granja de San Ildefonso.

EL TESORO DEL DELFÍN, MUSEO DEL PRADO

El Tesoro del Delfín es un conjunto de vasos preciosos que, procedentes de la riquísima colección de Luis, gran Delfín de Francia, vinieron a España como herencia de su hijo Felipe V, primer rey de la rama borbónica española.

El Gran Delfín, Luis de Francia (1661-1711), hijo de Luis XIV y María Teresa de Austria, comenzó su colección tempranamente influenciado por su padre.

La adquisición de obras se producía a través de regalos y compras en subastas y almonedas.

Al morir el Delfín, Felipe V (1683-1746) recibe en herencia un conjunto de vasos con sus respectivos estuches, que fueron enviados a España.

En 1716 estaban en el Alcázar de Madrid, guardados en sus cajas, desde donde se trasladaron, en fecha posterior, a La Granja de San Ildefonso, lugar donde se citan a la muerte de Felipe V, conservados en la llamada Casa de las Alhajas.

En 1778 se depositaron, por real orden de Carlos III, en el Real Gabinete de Historia Natural y continuaron en la institución hasta el saqueo de las tropas francesas en 1813.

La devolución de las piezas se produjo dos años más tarde y con algunas pérdidas.

En 1839 la colección llegó al Real Museo, donde sufrió un robo en 1918.

En la Guerra Civil española fueron enviadas a Suiza regresando en 1939, con la pérdida de un vaso, desde entonces se encuentran expuestas en el edificio Villanueva.

JARRA CON NARCISO Y ECO, MUSEO DEL PRADO

Hacia 1555. 41,5 x 16,6 cm. Tesoro del Delfín

Cristal de roca / cuarzo hialino, Esmalte, Oro, Plata, Rubí.

Es una obra de la “Escuela de Fountainebleau”.

En 1601, en el inventario de Enrique IV se confirma su presencia entre los bienes reales, en París.

El cuerpo y la boca son de cristal de roca y el pie y el asa de metal.

En el asa se aprecian dos figuras, un joven que se asoma sobra la boca del jarro (Narciso) y una ninfa (Eco).

Al llenar el jarro, Narciso contempla su imagen en el agua y el mito cobra vida. El mito de Narciso tiene lectura moralizante sobre el ego, la vanidad y el orgullo.

El mito de Narciso, descrito por Ovidio en su libro III de las Metamorfosis, alude a los peligros de la egolatría, lo que constituye una advertencia para príncipes y poderosos.

Narciso, prendado de su propia belleza, es desdeñoso con aquellos que le aman, como la Ninfa Eco, condenada a repetir el final de los sonidos, al ser rechazada.

El joven se enamora de sí mismo al verse reflejado en las aguas de un manantial y es convertido por Némesis, diosa de la venganza, en una flor bella pero sin aroma.

La figura femenina del asa representa a la ninfa Eco, con los brazos cruzados que denotan impotencia y la boca abierta, a modo de grito al descubrir que ha perdido la voz.

 

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JARRA CON NARCISO Y ECO, TESORO DEL DELFÍN, MUSEO DEL PRADO

CALISTO – LA OSA MAYOR

Calisto era una ninfa de los bosques que había consagrado su virginidad y se dedicaba a cazar en el monte son el grupo de compañeras que acompañaban a Ártemis.          

Zeus se enamoró de ella, pero como Calisto rehuía a los hombres se unió a la joven bajo la figura de Artemisa.  

Según otras versiones adoptó la figura de Apolo, hermano de Ártemis.

De esta unión nació Árcade y en ocasiones se le atribuye otro hijo, el dios Pan, hermano gemelo de Árcade.

Un día Ártemis y sus compañeras decidieron bañarse en una fuente, pero Calisto no quería desnudarse para que no se viera su embarazo.  

Ártemis insistió en que se quitara la ropa e indignada por su falta la convirtió en osa y después la mató de un flechazo. 

Zeus la convirtió en la constelación de la Osa Mayor.

DIANA Y CALISTO. PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS - Eduardo©2010

DIANA Y CALISTO.  PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS

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          NACIMIENTO DE ARCADE. PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS, CIUDAD REAL

DAFNE – LAUREL

Apolo era un dios muy hermoso que tuvo numerosos amores con Ninfas y con mortales.

Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.

Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas, pero Apolo la perseguía.

Cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria a su padre que fue escuchada transformándose en laurel (árbol sagrado de Apolo).

BERNINI, APOLO Y DAFNE

(1622-25) mármol de Carrara 243 cm. Galería Borghese.

Apolo fue el dios que personificó la juventud y la belleza masculina. El dios de la luz, identificándose con el Sol.

Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.

Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas. Pero Apolo la perseguía y cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria que fue escuchada transformándose en laurel (en griego árbol sagrado de Apolo).

El conjunto escultórico de Gian Lorenzo Bernini de la Galería Borghese, muestra este momento, como si fuese una instantánea fotográfica.

El árbol de Apolo era el laurel, cuyas hojas masticaba su sacerdotisa en sus trances proféticos.

Apolo se manifestaba a través de ella en el Oráculo de Delfos, lugar que tuvo gran trascendencia en el mundo helénico.

Gian Lorenzo Bernini creó para el cardenal Scipione Borghese una obra maestra sin precedentes que representa la metamorfosis en laurel de Dafne, perseguida por Apolo, dios de la luz.

La obra de mármol, iniciada por Bernini a los 24 años, entre 1622 y 1625, estaba situada en la misma habitación de la Villa que ahora, pero originalmente estaba sobre una base baja y estrecha, apoyada contra la pared hacia la escalera.

Apolo corre y la ninfa inicia su metamorfosis: la corteza envuelve gran parte del cuerpo, pero la mano de Apolo, según los versos de Ovidio, debajo de la madera oye el latido del corazón. Así que la escena se cierra, Dafne se ha convertido en un laurel para escapar del dios.

La presencia de esta fábula mitológica en la casa del cardenal tiene una justificación moral compuesta en latín por el cardenal Barberini (futuro Papa Urbano VIII) y grabada en la base, que dice quién ama las fugaces diversiones al final encontrará hojas y bayas en su mano.

En 1785 Marcantonio IV Borghese colocó la obra en el centro de la sala, Vincenzo Pacetti diseñó la base actual con las piezas originales y añadiendo el águila Borghese, esculpido por Lorenzo Cardelli.

El conjunto escultórico de Bernini, que se encuentra en la Galería Borghese de Roma, muestra este momento.

Villa Borghese - Museo - Apolo y Dafne - Bernini - Sala III - Eduardo©2017

BERNINI. APOLO Y DAFNE. GALERÍA BORGHESE, ROMA.

LAS NÁYADES-NINFAS DE MANANTIALES Y FUENTES

Las Náyades son las ninfas del elemento líquido. Son hermosas y longevas, pero mortales.

Las Náyades encarnan el curso del manantial o del agua que habitan.

Homero las llama hijas de Zeus, pero en otras partes se las relaciona con Océano.

Todas las fuentes célebres tienen su náyade, que cuenta con un nombre y una leyenda propia.

Con frecuencia las náyades pasaban por tener virtudes curativas. Por este motivo los enfermos bebían agua de las fuentes que les estaban consagradas.

En cambio el baño se consideraba sacrílego y el que afrontara este riesgo se exponía a su cólera, que se manifestaba con alguna enfermedad misteriosa.

En Roma, Nerón, al bañarse en la fuente de Marcia fue atacado por unas fiebres y una especie de parálisis que le duró varios días.

Otro riesgo que corría el que ofendía a las Náyades era la locura. Quien las veía, podía quedar poseído por ellas y atacado de enajenación mental.

Las Náyades abundan en las tradiciones del Peloponeso.

FUENTE DE LAS NÁYADES, S. XIX, ROMA

La plaza de la República tiene un diseño semicircular y está ubicada junto a la Estación Termini de Roma.

De esta Piazza parte la Via Nazionale, que comunica el área de la estación central con la de Piazza Venezia.       En las inmediaciones se encuentra el Teatro de la Ópera.

La Fuente de las Náyades, S. XIX, es la fuente moderna más bella de Roma, realizada con el objetivo de ofrecer una perspectiva monumental de la vía Nazionale.

La fuente de esta plaza era parte del acueducto de Aqua Marcia. Su construcción se inició por orden de Pío IX en 1870 y fue finalizada en 1888.

Originalmente estaba decorada con cuatro leones de yeso, que fueron sustituidos en 1901 por las esculturas de las náyades realizadas por Mario Rutelli.

FUENTES DE LAS NÁYADES, ROMA - Eduardo©2017

FUENTES DE LAS NÁYADES, ROMA


Las náyades representadas son:

  • La Ninfa de los Lagos, sosteniendo un cisne
  • La Ninfa de Los Ríos, sobre un monstruo de río
  • la Ninfa de las Fuentes, sobre un caballo
  • la Ninfa de las Aguas Subterráneas, sobre un dragón.
  • En el centro se encuentra el grupo Glauco, símbolo del triunfo de la Humanidad sobre la Naturaleza.

GLAUCO

Unas versiones le consideran hijo de Poseidón y una náyade.

Otras dicen que Glauco es un dios del Mar, que en su origen fue pescador de Beocia, pero casualmente comió una hierba que le convirtió en inmortal.

Como divinidad marina, la parte inferior de su cuerpo se transformó en una poderosa cola de pez y sus mejillas se poblaron de una barba de reflejos verdes como la pátina de bronce.

Recibió el don de profetizar y Virgilio le presenta como el padre de la Sibila de Cumas.

Glauco se apareció a Menelao cuando regresaba de Troya y se le considera constructor del Argo, apoyando a los Argonautas.

Su amor más célebre fue Escila, aunque en vano, lo que motivó la transformación de la joven en monstruo por medio de los encantamientos de Circe, pero predominó el amor que sentía hacia la joven y la transformó en diosa.

Según Ovidio Glauco amaba a Escila y por ella rehusó  el amor de Circe. La maga quiso vengarse de su rival y mezclo hierbas mágicas en el agua de la fuente donde Escila se bañaba.

Inmediatamente Escila quedó transformada. La parte superior de su cuerpo no cambió, pero de la ingle le nacieron 6 espantosos perros.

Otra leyenda dice que Posidón estaba enamorado de la joven y que Anfitrite, celosa, había pedido a Circe su metamorfosis.

Una tercera versión dice que Escila se enamoró de Glauco y rechazó a Posidón, quien la castigó de este modo.

A Heracles se le atribuye la muerte de Escila en un enfrentamiento.

BASÍLICA DE SANTA MARÍA DE LOS ÁNGELES Y LOS MÁRTIRES

Alrededor se encuentra la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, ocupando el espacio del Tepidarium de las Termas de Diocleciano.

La dedicación a los mártires hace referencia a que las termas de Diocleciano fueron construidas con el trabajo de los cristianos esclavizados.

El edificio fue diseñado en 1562 por Miguel Ángel que restauró el Tepidarium, creando una nave longitudinal.

El ingreso a la iglesia se hace a través de un vestíbulo circular, también de origen romano.

Durante el siglo XVIII, Luigi Vanvitelli (1750) decoró el sobrio interior de Miguel Ángel según el estilo de la época.

Vanvitelli se encargó de transportar a Santa María de los Ángeles los grandes retablos de altar de la basílica de San Pedro en el Vaticano, donde habían sido reemplazados por copias hechas en mosaico con el fin de conservarlos mejor por la amenaza de humedad.

En esta iglesia se encuentra enterrado Pío IV. Actualmente se utiliza para funerales de estado o del ejército italiano.

BIBLIOGRAFÍA:

Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

museodelprado.es

villafarnesina.it

audioguiaromacom

maitwearte.wordpress.com

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Divinidades Mitológicas Celestes

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLOGICAS CELESTES

 

Las principales divinidades celestes en la Mitología clásica son:

1.   Helios, el Sol,

2.   Selene, la Luna,

3.   Eos, la Aurora,

4.   Eolo, el Viento.

HELIOS, EL SOL – APOLO

Pertenece a la generación de los Titanes y, por tanto, es anterior a los Dioses Olímpicos.

Es hermano de la Luna (Selene) y de la Aurora (Eos).

Helio o Helios es la personificación del Sol, aunque se terminó asociando con Apolo, dios de la Luz.

 

HELIOS, DIOS DEL SOL

HELIOS, DIOS DEL SOL

Su esposa fue Perseis, una de las hijas de Océano y Tetis, y sus hijos más destacado fueron:

1.   Circe, la maga,

2.   Pasifae, esposa del rey Minos,

3.   Eetes, rey de la Cólquide,

4.   Perses que destronó a su hermano Eetes y fue asesinado por su sobrina Medea.

5.   Faetón.

Helio es el ojo del mundo, el que todo lo ve, como Dios en el Cristianismo y el ojo de Horus en Egipto.

Helios revela a Hefesto el adulterio de Afrodita con Ares.

Se le representa como un joven de gran belleza con cabellos dorados, que recorre el cielo en su carro tirado por una cuadriga de velocísimos corceles.

Todas las mañanas, precedido del carro de Eos, la Aurora, atraviesa el cielo. Continua el viaje durante todo el día y al anochecer llega al Océano, donde se bañan sus fatigados caballos, mientras él se retira a descansar en su palacio de oro para volver a salir de madrugada.

El episodio más desafortunado vinculado a Helio es el de su hijo Faetón.

Faetonte o Faetón, hijo del Sol y Clímene, creció sin saber quién era su padre. Cuando se enteró que era hijo del Sol rogó a su padre que le dejase conducir su carro solar. Tras grandes dudas, Helios consintió haciéndole muchas recomendaciones.

Faetón partió por el camino trazado en la bóveda celeste, pero pronto se apoderó de él un gran terror por la altura en que se hallaba. Descendió tanto que casi incendia la Tierra y después subió tanto que los astros se quejaron.

Zeus, para evitar una conflagración universal, le fulminó con sus rayos. Sus hermanas, las Helíades, le lloraron tanto que fueron transformadas en álamos.

Circe también es hija del Sol. Es una maga que desempeña un papel fundamental en la Odisea y en la leyenda de los Argonautas.

JAN CAREL VAN EYCK, LA CAÍDA DE FAETÓN. MUSEO DEL PRADO

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 197 x 180 cm.

Amberes, ca. 1610, post. 1685

Jan Carel Van Eyck era un maestro flamenco nacido aproximadamente en 1610 y maestro de la cofradía de San Lucas en 1632-1633. A menudo es confundido con Johannes van Eyck también presente en Amberes.

Pintor de temas de historia y mitología. Participó, bajo la dirección de Rubens, en 1635, en la decoración de la ciudad de Amberes con motivo de la entrada triunfante del Cardenal Infante don Fernando de Austria y en el Arco de triunfo. Este tipo de arquitecturas efímeras eran muy frecuentes en el Barroco.

Fue uno de los colaboradores de Rubens en la decoración pictórica de la Torre de la Parada para Felipe IV entre 1636-1638 para el que pintó La Caída de Faetón, siguiendo el boceto de Rubens.  

El joven Faetón era hijo de Helios y le pidió al dios Solar poder conducir durante un día su carro.

A pesar de las advertencias y de la peligrosidad de guiar a los caballos, Faetón insistió y finalmente acabó en desastre.

Este tema plasma la enseñanza moral de la osadía y la irresponsabilidad de la juventud, que no es consciente del peligro.

Ovidio en el Libro II de sus Metamorfosis dice que Faetón se asustó.   No sabía por dónde dirigir el carro, ni qué camino tomar, por lo que enloquecido soltó las riendas.

Tras sumir a la tierra en un profundo caos, Júpiter intervino lanzando sus rayos y, tal y como cuenta Ovidio, arrojó al auriga de la vida y del carro.

El lienzo realizado por Jan Carel Van Eyck, sigue fielmente el boceto de Rubens, salvo en la parte derecha de la composición, cortada en el lienzo con respecto al boceto inicial.

S. Alpers es la autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada hasta la fecha.

 

JAN CAREL VAN EYCK. LA CAÍDA DE FAETÓN. 1636 - 1638.

JAN CAREL VAN EYCK. LA CAÍDA DE FAETÓN. 1636 – 1638.

MUSEO DEL PRADO

 

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636 y 1638, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando y su hermano el rey Felipe IV.

La decoración de la Torre de la Parada fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV.

Dese 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 60 obras para esta casa de recreo de los Montes del Pardo.

Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta la esencia moral de las historias y las actitudes de los personajes. Estos bocetos sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.

El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana, y uno adquirido en el año 2000.

El Prado también conserva la mayoría de los lienzos realizados a partir de los diseños de Rubens para la decoración de este lugar, muchos de los cuadros pintados por otros artistas.

SELENE, LA LUNA – ÁRTEMIS

Selene es la personificación de la Luna y se la asocia con Artemisa, que con el paso del tiempo acabará reemplazando a la diosa de la Luna.

Se la representa como una bella joven que recorre el cielo en su carro de plata tirado por dos caballos (Biga).

Bigas, trigas y cuadrigas son carros tirados por dos, tres o cuatro caballos que se empleaban en los carros de guerra, carreras, etc.

Selene suele portar una antorcha en la mano y una media luna.

Selene tuvo amores con Zeus y con el dios Pan. Pero su amor más célebre es el del bello pastor Endimión, de quien tuvo 50 hijas.

Selene pidió a Zeus que sumiera en un sueño eterno a Endimión, que le hiciera permanecer joven y hermoso, para poder amarle todas las noches y su deseo fue concedido.

Endimión, inmortal y eternamente joven, se equipara en el arte paleocristiano con el profeta Jonás en una iconografía alusiva a la inmortalidad del alma. Jonás estuvo tres días en el vientre de la ballena, pero su fe y sus oraciones consiguieron que saliera totalmente sano del monstruo marino y se salvara.

 

SELENE, DIOSA DE LA LUNA

SELENE, DIOSA DE LA LUNA

 

 

 

ANTONIO CANOVA. ENDIMIÓN DORMIDO. 1822ANTONIO CANOVA. ENDIMIÓN DORMIDO. 1822

85 x 183 x 35 cm. Museo e Gipsoteca Antonio Canova, Possagno, Treviso

 

 

 

HÉCATE, LUNA EN SU FASE INVISIBLE

Hécate desciende de la generación de los Titanes, es pues anterior a los dioses Olímpicos.

Zeus le mantuvo y acrecentó sus antiguos privilegios.

Extiende su benevolencia a todos los hombres, concediendo los favores que se le piden:

·        Prosperidad material,

·        Pescado en abundancia a los pescadores,

·        Elocuencia a los políticos,

·        Victoria en las batallas y en los juegos.

Poco a poco la diosa sufrió una especialización en un sentido diferente. Se la considera la divinidad que preside la magia y los hechizos y está vinculada al mundo de las sombras.

Se aparece a los magos y a las brujas con una antorcha en la mano o en forma de distintos animales: yegua, perra, loba, etc.

Se le atribuye la invención de la hechicería.

Tradiciones tardías le dan como hijas a Circe y a Medea.

Hécate preside las encrucijadas y los lugares de magia por excelencia. En ellas se colocaban estatuas de una mujer de triple cuerpo y a sus pies se depositaban ofrendas.

La iconografía muestra a Hécate triformis, al representarse desde el siglo V a.C. una escultura de tres mujeres que juntan las espaldas y sujetan unas antorchas.

Representa a la Luna en su fase invisible, suponiéndose que estaba en los Infiernos. Su llegada se anunciaba a través de los ladridos de sus infernales perros.

HÉCATE

 

HÉCATE

 

EOS, LA AURORA

Eos es hermana de Helios y Selene y es la personificación de la Aurora.

Pertenecen a la Primera Generación Divina, la de los Titanes.

Es representada como una diosa cuyos dedos, color de rosa, abren las puertas del cielo al carro del sol.

Es representada como una mujer joven y  alada, envuelta en un fino manto, y conduciendo un carro que precede al carro de Helios para ahuyentar la oscuridad de la noche.

Tuvo amores con Ares y por ello Afrodita la castigó a estar eternamente enamorada.

Engendró los Vientos: Céfiro, Bóreas y Noto, así como la Estrella de la Mañana.

Su hijo predilecto fue Memnón, que murió ante las murallas de Troya luchando contra Aquiles.

Poéticamente se narra que las gotas de rocío de la mañana son las lágrimas que derrama la diosa por su hijo.

 

MIGUEL ÁNGEL. LA AURORA. TUMBAS MEDICEAS, FLORENCIAMIGUEL ÁNGEL. LA AURORA. TUMBAS MEDICEAS, FLORENCIA

 

Su iconografía, portando el cuerpo de su querido hijo muerto,  evoca el tema de la piedad en el arte cristiano.

En las tumbas florentinas de Juliano y Lorenzo de Médicis, Miguel Ángel representó el Día y la Noche y el Crepúsculo y la Aurora.

En el Barroco se representó el Triunfo de Aurora, como decoración apoteósica de los techos palaciegos.

En el arte contemporáneo Rodin y Matisse esculpirán la imagen de la diosa.

 

EOS, LA AURORA, Y SU HIJO MEMNÓN.EOS, LA AURORA, Y SU HIJO MEMNÓN.

 

LA AURORA, MUSEO RODIN, PARÍS

LA AURORA, MUSEO RODIN, PARÍS

 

PASEO DE RECOLETOS, MADRID

El Paseo de Recoletos fue uno de los ejes limítrofes del recinto urbano de Madrid, integrado en la gran reforma del Salón del Prado promovida por el Conde de Aranda y ejecutada por el ingeniero militar José de Hermosilla, en el reinado de Carlos III.

Su denominación se debe al convento de agustinos recoletos que ocupó la zona desde 1592 a 1836, cuando fue desamortizado y demolido.

El paseo se convirtió en el lugar de asentamiento de las personalidades económicamente más influyentes del momento.

El edificio de Seguros La Aurora en su origen fue un palacio proyectado en 1880 como residencia de Ramón Pla Monje, un empresario y filántropo ferrolano que, tras emigrar a Cuba, se instaló en la década de 1860 en Madrid, lugar en el que permaneció hasta su muerte, el 6 de septiembre de 1892.

El edificio fue diseñado por Agustín Ortiz de Villajos, importante arquitecto que se convirtió en uno de los representantes más característicos del eclecticismo madrileño.

César Cañedo y Sierra, duque de Agüera, transformó significativamente el inmueble en 1918 para convertirlo en viviendas de alquiler.

El arquitecto elegido en esta ocasión fue José Monasterio Arrillaga, quien añadió al edificio dos plantas más y sustituyó gran parte de la ornamentación por el programa decorativo que posee en la actualidad, de corte ecléctico con reminiscencias del barroco francés.

El edificio fue entonces estructurado en viviendas independientes, una por planta, en torno a una escalera central y patio interior; se añadieron entonces nuevos servicios higiénicos, ascensor, calefacción y una escalera de servicio.

En 1919 el inmueble fue alquilado a la compañía de Seguros La Aurora, la cual lo adquirió definitivamente en 1922, cerrando el patio interior para aprovechar el espacio y abriendo en el chaflán la actual puerta de acceso.

En 1920 se colocó una cuadriga de bronce sobre la cúpula decorada con guirnaldas, obra del escultor Juan Adsuara.

La cuádriga trataba de simbolizar la potencia económica de la compañía de seguros bilbaína, reiterado en ciertos edificios del momento, tales como la antigua sede del Banco de Bilbao en la calle de Alcalá, 16, obra del escultor bilbaíno Higinio Basterra.

Aurora y la cuadriga - Palacio de Ramon Pla Monje 1

 

CUÁDRIGA DE LA AURORA, PASEO DE RECOLETOS, 4. MADRID

 

CUÁDRIGA DE LA AURORA, PASEO DE RECOLETOS, 4. MADRID

 

 

LOS VIENTOS

Hay muchas leyendas sobre Eolo, pero la más difundida le denomina hijo de Poseidón y Señor de los Vientos.

Eolo es considerado el dios o rey de los vientos, apareciendo por primera vez en la Odisea.

Cuando Ulises llegó a la isla Eolia, Eolo le recibió cordialmente y le retuvo un mes a su lado.

Al partir de la isla le entregó un odre en el que estaban encerrados todos los vientos excepto uno, el que debía llevarle directamente a Ítaca.

Mientras Ulises dormía, sus compañeros abrieron el odre creyendo que estaba lleno de vino, pero los vientos se escaparon desencadenando una tempestad.

Eolo tenía el poder de excitar o calmar los vientos.

Los cuatro vientos que cita Homero son:

·        Bóreas,

·        Noto,

·        Euro y

·        Céfiro.

 En Atenas se les dedicó la Torre de los Vientos, un edificio en el que cada cara simbolizaba un viento.

 

BÓREAS, EL VIENTO DEL NORTE

Bóreas es el dios del frío viento invernal, que habitaba en Tracia, el país frío por excelencia.

Es hijo de Eos (La Aurora) y hermano de Céfiro y Noto.

Pertenece a la estirpe de los Titanes, seres que personifican las fuerzas de la Naturaleza.

Se representaba como un hombre barbado con túnica y alas.

Su iconografía más difundida es el Rapto de Oritía, Hija de Erecteo, rey de Atenas, a quien se llevó consigo a Tracia tras el rechazo de la joven.

 

NOTO

Noto es el dios del viento del Sur, cálido y cargado de humedad.

Es hijo de Eos y a diferencia de sus hermanos, Bóreas y Céfiro, no interviene en ningún mito.

 

EURO

Euro es el viento del Sudoeste. También es hijo de Eos.

 

CÉFIRO

Céfiro es el viento suave y apacible de Poniente. Es el más utilizado en la literatura y el arte.

 

 

RUBENS. 1620. EL RAPTO DE ORITIA. ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE VIENA.

RUBENS. 1620. EL RAPTO DE ORITIA. ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE VIENA.            

 (BÓREAS RAPTA A LA JOVEN Y BELLA ORITIA)

 

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es   

http://www.miradormadrid.com

 

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Deidades Mitológicas Menores

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DEIDADES MITOLÓGICAS MENORES

Botticelli. La Primavera. Uffizi. Florencia

 

Las deidades menores más relevantes en la Mitología Clásica son:

· Las 9 Musas

· Las Tres Cárites – Las Tres Gracias

· Las Tres Horas – Las Cuatro Estaciones

· Las 3 Moiras – Las 3 Parcas

LAS MUSAS

Homero describe la jornada de los dioses como una continua fiesta. Son deleitados por la lira de Apolo y el dulce canto de las Musas, mientras Ganímedes escancia el néctar en sus copas, etc.

 

HARMONÍA

Según unas tradiciones Harmonía es hija de Ares y Afrodita y según otras es hijo de Zeus y Electra, una de las hijas de Atlante.

Harmonía simboliza el equilibrio, la concordia y la armonía.

Se la vincula con el séquito de las Cárites (Gracias) y de Afrodita.

En las tendencias tardías hay tendencia a identificarla o confundirla con la esposa de Cadmo.

 

LAS MUSAS

Las Musas son las hijas de Zeus, aunque en otras tradiciones se presentan como hijas de Harmonía o de Urano (El Cielo) y Gea (La Tierra).

Estas genealogías son simbólicas y se relacionan con la primacía de la Música en el Universo.

Las Musas son las cantantes divinas, cuyos coros e himnos deleitan a Zeus y los demás dioses.

Son deidades del canto, la inspiración poética y la inteligencia.

Presidían el pensamiento en todas sus facetas: elocuencia, sabiduría, persuasión, Historia, Matemáticas, Astronomía.

Ellas acompañaban a los reyes y les dictaban palabras convincentes para establecer la paz entre los hombres. Además les confieren el don de la dulzura, que les granjea el amor de sus súbditos.

Hesíodo decía que cuando un cantor, inspirado por Las Musas celebra las proezas de los hombres, quien tenga preocupaciones las olvidará al momento.

El canto más antiguo de las Musas es aquel que entonaron tras la victoria de los Dioses Olímpicos sobre los Titanes, para celebrar un nuevo orden bajo el mandato de Zeus.

Las Musas no poseen un ciclo legendario propio, pero intervienen como cantoras en las bodas de Tetis y Peleo y en las de Harmonía y Cadmo.

Todas tienen aventuras amorosas. Calíope es madre de Orfeo.

Existían dos grupos de Musas: las de Tracia y las de Beocia.

Las de Tracia, tierra dura e inhóspita, eran vecinas del Olimpo y guardan relación con el mito de Orfeo y el culto a Dionisos que había logrado gran importancia en Tracia.

Las musas de Beocia, ubicadas en las laderas del Helicón (Monte próximo al Parnaso) dependen directamente de Apolo, quien dirige sus cantos en torno a la fuente de Hipocrene.

Hipocrene (La fuente del caballo)

Es una fuente de agua que nació en la falda del monte Helicón en Beocia, cuando Pegaso, el caballo alado, golpeó con sus cascos a la montaña y del suelo brotó un manantial o fuente.

Esta fuente favorecía la inspiración poética y las Musas se reunían en torno a ella para cantar y bailar.

 

LAS NUEVE MUSAS

Desde la época clásica se impone la cifra de 9 Musas que aparecen solas o en compañía de Apolo:

1 – Calíope – La poesía épica.

2 – Clío – La Historia.

3 – Polimnia – La pantomima.

4 – Euterpe – La flauta.

5 – Terpsícore – la poesía ligera y la danza.

6 – Erato – La lírica.

7 – Melpómene – La tragedia.

8 – Talía – La comedia.

9 – Urania – La astronomía.

Las Musas, a partir del Renacimiento, se convierten en encargos de reyes y aristócratas como tema decorativo.

 

LA GUERRA DE LOS TREINTA AÑOS

El rey Gustavo II de Suecia participó en la Guerra de los Treinta años en defensa de sus creencias protestantes, pero murió en combate dejando el trono a su hija de casi 6 años.

LA REINA CRISTINA DE SUECIA (1626-1689)

Cristina de Suecia nació el 18 de diciembre de 1626 y fue una decepción para su madre, María Leonor de Brandeburgo, quien deseaba darle a su esposo, el rey Gustavo II, un heredero al trono.

El monarca encontró la solución al problema. Un año después confirmaba a su hija como heredera al trono sueco en caso de que no llegara el deseado heredero.

En 1632, cuando Cristina aún no había cumplido los seis años, su padre moría en la batalla de Lützen, durante la Guerra de los Treinta Años.

Desde aquel momento y hasta su mayoría de edad, fue el canciller Axel Oxenstierna quien se hizo cargo del gobierno del país ejerciendo una eficiente regencia.

Oxenstierna también dirigió y supervisó la educación de la futura reina, apartándola de su madre, quien fue educada por distintas damas de su familia y de la familia del canciller.

Pronto empezó a acudir a las reuniones del Consejo del Reino. Tenía entonces 16 años pero ya demostró grandes capacidades intelectuales y un carácter fuerte.

El breve reinado de 4 años

En 1650, la joven Cristina era coronada como reina de Suecia.

A partir de entonces y durante un breve período de cuatro años Cristina gobernó con eficacia su país.

Sin embargo, las presiones acerca de un necesario matrimonio y sus contactos con la religión católica hicieron que en 1654 anunciara oficialmente su deseo de abdicar del trono.

Su posterior conversión al catolicismo pudo ser una de las causas.

Su primo, Carlos Gustavo, fue nombrado rey de Suecia.

La reina Cristina de Suecia fue una de los monarcas más destacados de la historia de su país.

Cristina vivió el resto de su vida fomentando el arte y la cultura.

MECENAS DEL ARTE Y LAS LETRAS

Tras su abdicación, Cristina continuó con su labor de protectora de las artes y las letras.

Fijó su residencia en Roma, sede de su nueva religión, y mantuvo una vida dedicada a coleccionar obras de arte y financiar proyectos culturales y científicos.

Cristina no se olvidó de su país y defendió la libertad religiosa de los pueblos, criticando las persecuciones por razones de fe.

La llamada Atenea del Norte murió en Roma el 19 de abril de 1689.

A pesar de haber pedido ser enterrada con sencillez en el Panteón de Agripa, el papa Inocencio XI, decidió honrarla con un funeral de Estado.

En 1701 Clemente XI, ordenó a Carlo Fontana, discípulo de Bernini, que erigiera un precioso monumento funerario en la Basílica de San Pedro para la reina, que hoy podemos contemplar.

Carlo Fontana. Monumento funerario de la Reina Cristina de Suecia.

Carlo Fontana. Monumento funerario de la Reina Cristina de Suecia.

Basílica de San Pedro. Roma


ESCULTURAS DE LAS MUSAS EN EL MUSEO DEL PRADO

El Museo del Prado posee un conjunto escultórico formado por ocho Musas que pertenecían a la reina Cristina de Suecia.

Melpómene – La tragedia. Falta en el Museo del Prado

La reina las tenía ubicadas en una sala de su palacio y fue durante casi cien años, hasta 1774, el único grupo de este tipo que se conocía.

Cuando la reina se sentaba en el trono, situado frente a una estatua de Apolo instalada en la misma sala que las musas, asumía el puesto de la novena musa, representando así, en un lenguaje típicamente barroco, sus ambiciones científicas y artísticas.

Completadas por Ercole Ferrata, las ocho musas eran utilizadas por Cristina de Suecia para escenificar su propia presencia en la Roma de finales del siglo XVII.

Las primeras referencias sobre la procedencia de este grupo de musas se debe a Pirro Ligorio, estudioso romano de la Antigüedad.

Relata que bajo el Papa Borgia Alejandro VI (1492-1503) se habían encontrado nueve musas sedentes en la Villa Adriana, en el teatro griego de la Academia, y que habían sido trasladadas a la viña del Papa Clemente VII en el Monte Mario.

Dado que Ligorio habla de nueve musas y Heemskerck reprodujo musas de ambas series, procedentes de los dos talleres antiguos que componen el conjunto del Prado, es muy probable que ocho de las nueve mencionadas por Ligorio llegaran en la segunda mitad del siglo XVII a la colección de Cristina de Suecia.

Las nueve musas que Hesíodo presenta como hijas de Zeus eran invocadas por los poetas para que les trasmitiesen inspiración y noticias veraces.

Las musas del Prado, representadas altas, esbeltas y sentadas en altos promontorios de roca están todas vestidas con mangas, es decir, una delgada prenda interior de la que se ven sólo las mangas abotonadas, que llegan hasta los codos.

Sobre él visten otro chitón o túnica sin mangas, de una tela algo más gruesa; sobre ambos hombros esa prenda lleva broches parcialmente completados. Ambos vestidos están ceñidos bajo el pecho, bien con un delgado cordón, bien con una cinta plana.

Sobre ambas prendas interiores visten un manto amplio que cubre el regazo y las piernas y arranca en el hombro izquierdo o en el asiento de roca.

En sus pies se identifica un calzado cerrado con triple o doble suela.

Sus atributos no fueron completados mayoritariamente hasta el siglo XVII.

Miran frontalmente al espectador. Mientras que el manto amplio y rico en pliegues marca el asiento generalmente ancho de las musas y otorga volumen y peso a la mitad inferior del cuerpo, el busto, de aspecto sensual gracias a la vestimenta ceñida, se caracteriza por una constitución delgada y un movimiento aún bien definido.

En la vista posterior casi todas levantan un poco el hombro y giran ligeramente el torso, saliendo del plano.

Así se sitúan entre las representaciones de las musas con más movimiento del segundo cuarto del siglo II d. C.

Las musas del Museo del Prado fueron creadas en talleres distintos.

Aunque el trabajo de ambas es diferente, la fecha de su creación no difiere mucho. Todas son del siglo II d.C., época de Adriano.

Las musas pasaron a través de la Colección de Livio Odescalchi en Roma a la Colección de Felipe V en San Ildefonso

Las esculturas llegaron al Museo del Prado con graves desperfectos y un restaurador del siglo XIX, posiblemente Salvatierra, decidió repetir algunos miembros en época barroca para sustituir los deteriorados.


BIBLIOGRAFÍA

Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

Schröder, S. F.: Catálogo de la escultura clásica, Museo Nacional del Prado, 2004, pp. 204-214.

Allendesalazar, Úrsula. La reina Cristina de Suecia.

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ESCULTURA ROMANA. SIGLO II D.C- CLÍO, MUSA DE LA HISTORIA,

MUSEO DEL PRADO, MADRID

 

LAS TRES CÁRITES – LAS TRES GRACIAS

Las Cárites, en latín son las Gracias (Gratiae), divinidades de la belleza.

Esparcen la alegría en la Naturaleza, en el corazón de los humanos e incluso en el de los dioses.

Son hijas de Zeus y Eurínome, hija de Océano, aunque otras versiones le atribuyen su maternidad a Hera.

Se representan como tres hermanas que viven en el Olimpo, llamadas Eufrósine, Talía y Áglae.

Esparcen la alegría en la Naturaleza, en el corazón de los dioses y de los hombres y representan lo que la vida puede tener de agradable y amable.

Pertenecen al séquito de Apolo, el dios músico. Son compañeras de las Musas y a veces forman coro con ellas.

Hasta el siglo VI a.C. se las representa ataviadas con túnicas y ordenadas en procesión.

La iconografía más difundida las representa como tres jóvenes desnudas, cogidas por los hombros, situándose la central de espaldas y con la cabeza de perfil, motivo que aparece ya en los frescos pompeyanos.

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FRESCO ROMANO DE POMPEYA

Se atribuye a Las Gracias toda clase de influencias sobre los trabajos del espíritu y las obras de arte.

Hay una interpretación alegórica de las Gracias. Lo que una hermana da, otra lo recibe, volviendo el beneficio a la tercera.

Aparecen vestidas con gasas y bailando cerca de Venus en La Primavera de Botticelli.

BOTTICELLI – LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA

1482. Temple sobre tabla. 203 x 314 cm. Galería Uffizi desde 1919

La Primavera es una de las pinturas más famosas de los Uffizi, como sublime representación del amor sensual.

La obra fue encargada por Lorenzo de Pierfrancesco de Médicis, primo de Lorenzo el Magnífico, el mismo comitente para quien Botticelli ilustra la Divina Comedia.

La pintura adornaba el salón de la villa de los Médicis en Castello, Junto a Florencia.

En 1815 la obra entró en los Uffizi, después pasó a la Academia y volvió definitivamente al museo en 1919.

La alegoría se inspira en los textos de Ovidio y en algunos versos de las estrofas de La Justa de Juliano de Médicis, escrita por Agnolo Poliziano, amigo de la Familia y de Botticelli.

Poliziano describe a las Tres Gracias y al viento Céfiro persiguiendo a la ninfa Cloris con quien se desposará. Tras la boda le otorga la facultad de hacer brotar flores de su boca.

Junto a la ninfa hay una mujer vestida con flores, metamorfosis de Cloris en Flora.

Venus aparece en un jardín, como alegoría de su reino cantada por los poetas antiguos.

El fondo es una tupida decoración vegetal. Los naranjos del jardín de Venus están cargados de frutas y flores. Las hojas se perfilan sobre un cielo claro con una delicada filigrana.

En 1982 algunos botánicos identificaron casi 200 especies diferentes de flores pintadas del natural. Muchas de ellas todavía florecen en las colinas cercanas a Florencia y en los prados próximos a la villa de los Médicis en Castello.

Sobre Venus aparece su hijo Cupido, dios del Amor, a punto de disparar la fecha con los ojos vendados, porque el amor es ciego.

A la izquierda, tres hermosas jóvenes danzan. Son las 3 gracias que en un sentido platónico son una alusión a la relación entre lo humano y lo divino. A su izquierda aparece Mercurio.

A la derecha Céfiro, viento del oeste, persigue a Flora.

Flora es la potencia vegetal que preside todo lo que florece y anuncia la llegada de la primavera con su vestido lleno de flores.

Con el nombre de Flora Ovidio relata un mito helénico, suponiendo que Flora era la ninfa griega Cloris.

BOTTICELLI. 1482. LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA

BOTTICELLI. 1482. LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA

Céfiro, dios del viento cálido, se enamoró de Cloris cuando paseaba por el campo en primavera. La raptó y después se casó con ella.

Le concedió a su amada el don de reinar sobre las flores de los jardines y de los campos de cultivo.

Cloris le regaló a los seres humanos las semillas de las flores y la miel.

 

RUBENS. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO

1630 – 1635. Óleo sobre tabla de madera de roble, 220,5 x 182 cm.

Las hijas de Júpiter, Aglae, Eufrosina y Talía, simbolizan diferentes conceptos desde la antigüedad.

Se las relacionó con la diosa Afrodita, convirtiéndose así en símbolo de la belleza, el amor, la fertilidad y la sexualidad.

Se las relaciona con la generosidad y la amistad, al ser capaces de recibir y otorgar dones.

Rubens las sitúa en un paisaje al aire libre con ciervos que parecen esbozados, frente al detalle de las figuras de primer plano.

A la derecha vemos una cornucopia de la que sale agua hacia una fuente y en la parte superior una guirnalda de flores, que da un toque de color.

Las figuras ocupan prácticamente toda la superficie en primer plano.

Esta obra de 1630-1635 muestra las calidades y cualidades técnicas del Rubens final.

La piel de las diosas se hunde al contacto de unas con otras, demostrando un gran conocimiento del cuerpo femenino.

La luz incide en los cuerpos femeninos y en el detalle de sus joyas. La pincelada es suelta, trabajando a través del color.

Rubens pintó este tema al menos doce ocasiones, enmarcados en diferentes contextos.

Esta pintura es un alarde de belleza, vitalidad y sensualidad, característica de las obras de su última etapa, tras haberse casado con la joven Helena Fourment en 1630.

La tabla no fue un encargo, sino un deseo del pintor tras su segundo matrimonio, lo que nos habla de su alegría personal.

Rubens era viudo de su primera esposa, Isabella Brant, con la que tuvo tres hijos y murió en 1626 a causa de la peste.

Helena se casó con Rubens​ el 6 de diciembre de 1630. Ella tenía 16 años y él 53. Helena era la más joven de los 11 hermanos.

Los rasgos de la Gracia de la izquierda se han identificado con su esposa Helena, enfatizando su vinculación personal con la obra.

La obra entró en la colección real a través de la venta de los bienes del artista tras su muerte en junio de 1640.

Su familia puso a la venta sus bienes y sus pinturas, acudiendo compradores de toda Europa.

Felipe IV acrecentó la colección española de pinturas de Rubens y adquirió obras de otros artistas flamencos, como Van Dyck, que el artista atesoraba en su colección.

El infante cardenal Don Fernando, hermano del rey y gobernador de Flandes en ese momento, mantuvo una correspondencia con su hermano en la que nos habla de la intención del monarca de adquirir obras en esta almoneda.

El ayuda de cámara Francisco de Rojas estuvo al cargo de la compra.

En 1666 aparece en el Alcázar de Madrid con el número 92 del inventario de la venta, “las tres gracias desnudas”.

Una vez en Madrid se colocó en la Galería baja que cae sobre el jardín de los Emperadores, una de las estancias de las conocidas como “Bóvedas del Ticiano” o “cuartos bajo de verano”, situados bajo el cuarto nuevo de la reina, donde el rey se retiraba en los meses de calor y considerado un lugar apartado e íntimo.


BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

Uffizi. Florencia. Everest, 2004

 

RUBENS. 1630 - 1635. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO

RUBENS. 1630 – 1635. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO

 

LAS TRES HORAS – LAS CUATRO ESTACIONES

Son hijas de Zeus y Temis, la Justicia, y hermanas de las Moiras, las Parcas romanas.

Son tres Horas: Disciplina, Justicia y Paz. Sin embargo los atenienses evocaban las ideas de brotar, crecer y fructificar.

Las Horas tienen un aspecto doble: como divinidades de la Naturaleza, presiden el ciclo de la vegetación.

Pero como divinidades del orden, hijas de Temis, La Justicia, aseguran el equilibrio social.

Velan las puertas de la mansión divina del Olimpo y se les atribuye haber criado a Hera.

Formaban parte del séquito de Afrodita y Dioniso.

Pan, dios de los bosques y de los rebaños, se complace en su compañía.

Las tres Horas griegas pasan a ser las cuatro Estaciones romanas, y tienen una función benefactora.

Se las representa como mujeres jóvenes con atributos vegetales de temporada:

Primavera – Flores

Verano – Espigas de trigo y hoz

Otoño – Uvas

Invierno – Piezas de caza.

En Roma su temática sirvió para decorar mosaicos pavimentales y su simbolismo, como paso del tiempo, se utilizó en sarcófagos.

El Renacimiento asoció a cada Hora con una divinidad:

Venus – Primavera, donde pisaba crecían flores.

Ceres – Verano, las espigas de trigo y la hoz.

Baco – Otoño, las uvas.

Vulcano – Invierno, el fuego.

 

BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. UFFIZI, FLORENCIA

Temple sobre tela de lino.172,5 x 278,5 cm. Uffizi, Florencia.

En el Renacimiento Botticelli recuperó la temática mitológica, como un pretexto para la plasmación del desnudo femenino.

El pintor presenta a una diosa púdica que arriba a las costas de Chipre impulsada por el soplo del dios del viento calmado y favorable Céfiro y de su esposa Cloris.

Céfiro es el Viento suave y agradable del oeste.

Cloris (Flora en Roma) reinaba sobre las flores y los jardines.

Florencia 2018 - Galería de los Uffizi - El nacimiento de Venus - Botticelli

BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA

En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.

Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.


BIBLIOGRAFÍA

Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

maitearte.wordpress.com

 

LAS TRES MOIRAS – LAS TRES PARCAS

Las 3 Moiras, hijas de Zeus y Temis (la Justicia) son la personificación del Destino que le corresponde a cada persona en este mundo.

Todo ser humano tiene su Moira, parte de felicidad y parte de desgracia o tristeza en la vida. La Moira siempre es inflexible.

Encarna una ley que ni los mismos dioses pueden transgredir sin poner en peligro el orden del universo.

La Moira es la que impide a un dios socorrer a un héroe cuando le ha llegado “su hora”.

Se las representa como hilanderas que tejen el destino y limitan a su antojo la vida de los hombres.

Regulan la vida desde el nacimiento hasta la muerte, con la ayuda de un hilo:

1. La primera hilaba,

2. La segunda enrollaba y

3. La tercera cortaba el hilo de la vida.

En Roma las Parcas son las divinidades del Destino, identificadas con las Moiras griegas.

Las Parcas son tres hermanas:

1. Una preside el nacimiento

2. Otra, el matrimonio y

3. La tercera, la muerte.

En el Foro las tres Parcas estaban representadas por tres estatuas a las que se llamaban las tres Hadas.

 

GOYA, PINTURAS NEGRAS. LAS PARCAS (ÁTROPOS)

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GOYA. 1820-1823. 123 x 266 cm. PINTURAS NEGRAS. LAS TRES PARCAS.

MUSEO DEL PRADO

Técnica mixta sobre revestimiento mural trasladado a lienzo.

El conjunto de 14 escenas al que pertenece esta obra se conoce como las Pinturas Negras, por el uso de pigmentos oscuros y negros y por lo sombrío de los temas.

Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, conocida por ese nombre antes de su adquisición por Goya en 1819.

Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900.

La casa fue derribada hacia 1909.

Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo.

Esta escena se tituló “Atropos“, nombre de la Parca de la mitología griega que corta el hilo de la vida, en el inventario de las obras en propiedad del hijo de Goya, redactado en fecha indeterminada, a mediados del siglo XIX, por el pintor Antonio Brugada (1804-1863), que regresó a Madrid en 1832 del exilio en Burdeos.

Se describió por primera vez, junto con el resto de las escenas, en la monografía de Charles Yriarte sobre el artista, de 1867, refiriéndose a ella como “Las Parcas“.

Formaba pareja con el “Duelo a garrotazos” en una de las paredes principales de la sala de la planta alta de la Quinta del Sordo.

En el primer catálogo del Prado de 1900 se le dio el mismo título.

 

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

 

 

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Hermes – Mercurio

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

HERMES (MERCURIO)

DIOS DEL COMERCIO Y PSICOPOMPOS

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Hermes es hijo de Zeus y Maya, la más joven de las Pléyades.

Las Pléyades son 7 hermanas, hijas del gigante Atlante, que fueron divinizadas y se convirtieron en 7 estrellas de la constelación homónima.

Hermes nació el cuarto día del mes, fue envuelto con bandas y depositado en una cuna.

El mismo día de su nacimiento dio muestras de una precocidad extraordinaria. Se desató y se escapó a Tesalia, donde Apolo guardaba los rebaños de Admeto.

Hermes le robó parte del rebaño a su hermano Apolo y le llevó hasta Pilos:

·       12 vacas

·       100 terneras y

·       1 toro

En Pilos, nombre de una bahía, de una ciudad costera al sudoeste del Peloponeso, en el sur de Grecia, sacrificó 2 de los animales y los dividió en 12 partes, una para cada uno de los 12 dioses. Después ocultó el resto del rebaño y huyó a una gruta.

A la entrada de la gruta había una tortuga a la que vació y colocó unas cuerdas fabricadas con los intestinos de los bueyes que había sacrificado. Así quedó construida la primera lira.

Apolo buscó el rebaño por todas partes hasta que descubrió el escondite y la lira de bellos sonidos, y seducido por ella cambió su ganado por la lira.

Hermes, mientras guardaba los rebaños, inventó la flauta (siringa).

Apolo quiso comprársela y le ofreció el cayado de oro que utilizaba para guardar el rebaño.

Hermes le pidió además lecciones de arte adivinatoria.

Apolo aceptó el trato y así la vara de oro (el caduceo) figura entre los atributos de Hermes.

Zeus, satisfecho con la habilidad de su hijo, le consagró a su servicio personal y al de los dioses infernales, Hades y Perséfone.

Hermes salvó a Zeus en su lucha contra el monstruo Tifón, logrando recuperar los tendones que le había cortado a Zeus y que había escondido en una piel de oso custodiada por un dragón. Con la ayuda de Pan se volvieron a unir los tendones al cuerpo de Zeus.

A Ulises le da a conocer el molly, planta mágica que le protegerá contra los hechizos de Circe y le ahorrará la humillante transformación sufrida por sus compañeros.

Su aventura más conocida es la muerte de Argo, designado por Hera como guardián de Ío, transformada en una ternera blanca.

Recibió el encargo de acompañar a las 3 diosas, Hera, Atenea y Afrodita, al monte Ida de Frigia ante Paris en su disputa por la belleza, desempeñando un papel decisivo en la decisión que provocaría la Guerra de Troya.

Hermes es el dios del Comercio y guiaba a los viajeros en los caminos.

Velaba por los pastores y con frecuencia era representado llevando en hombros un cordero, conocido como Hermes Cristóforo.

Es el Psicopompos, encargado de acompañar a los Infiernos a las almas de los difuntos.

Se le representa calzado con sandalias aladas, un sombrero de ala ancha (el pétaso) y empuñando el caduceo, símbolo de sus funciones como heraldo (mensajero) de los dioses.

ÍO

Zeus se enamoró de la bella doncella Ío, una princesa de la estirpe real de Argos, y pronto Hera sospechó de esta aventura.

Para distraer los celos de su esposa, Zeus transformó a Ío en una hermosa ternera blanca y juró que jamás la había amado.

Hera exigió la ternera como presente y la confió a la custodia de Argo de los Cien Ojos, pariente de la joven.

La ternera anduvo errante por las cercanías de Micenas y por donde pasaba la tierra hacia brotar plantas nuevas para ella.

Zeus le encargó a Hermes que la liberase y decidió tocar su flauta mágica adormeciendo los 50 ojos que Argo tenía abiertos, mientras los 50 restantes estaban sumidos en un sueño natural.

Después con una espada o sable mató a Argo.

A la muerte de Argo, Hera le envió un tábano que la enfureció y atravesó el mar por los estrechos que separan la ribera de Europa de Asia, dando origen al nombre del Bósforo (Paso de la Vaca).

Anduvo errante hasta que dio a luz a Épafo, el hijo de Zeus, que dio origen a las Danaides.

Posteriormente Ío recuperó su figura, encontró a su hijo y volvió a Egipto para ocupar su trono, donde recibió honores divinos siendo venerada bajo la denominación de Isis.

VELÁZQUEZ.  MERCURIO Y ARGOS. MUSEO DELPRADO

Hacia 1659. Óleo sobre lienzo sin forrar, 127 x 250 cm.

Mercurio, con su sombrero alado y un instrumento musical, se acerca sigilosamente hacia un pastor al que ha adormecido con la belleza de su música.

Zeus se unió a la bella doncella Ío y pronto Hera sospechó de su aventura, por lo que Zeus la transformó en una hermosa ternera blanca y juró a Hera que jamás la había amado.

Hera exigió que se la ofreciese como presente y la confió a la custodia de Argo, dotado de 100 ojos distribuidos por todo el cuerpo.

 

Zeus encargó a Hermes que liberase a Ío, y con su bella música consiguió adormecer los 50 ojos que Argo tenía vigilando.

Este episodio procede de las Metamorfosis de Ovidio y fue el tema de una de las cuatro escenas mitológicas que pintó Velázquez para decorar el Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid, que era el espacio más importante y representativo.

En el Salón de Espejos se exhibían retratos de los monarcas españoles de la Casa de Austria e historias mitológicas y bíblicas.

Los otros tres cuadros representaban a Apolo desollando a Marsias, Venus y Adonis y Psiquis y Cupido. Todos desaparecieron como consecuencia del incendio del Alcázar en 1734.

El Salón de los Espejos se enriqueció con pinturas para ser un suntuoso escenario para negociar las bodas entre Luis XIV y María Teresa, la hija mayor de Felipe IV.

En los últimos años de su carrera, Velázquez lleva a sus últimas consecuencias la plasmación de la perspectiva aérea.

El artista se pudo inspirar en distintas versiones de la escultura romana que representa el Galo moribundo, Museos Capitolinos.

Al igual que Las Hilanderas, esta obra sufrió un añadido, que consistió en una banda de unos 25 cm que recorre todo el extremo superior, y otra más estrecha (unos 10 cm) en el inferior.

VELÁZQUEZ. MERCURIO Y ARGOS. 1659. MUSEO DELPRADO

VELÁZQUEZ. MERCURIO Y ARGOS. 1659. MUSEO DELPRADO

Al igual que otros episodios de la vida amorosa de Zeus, este tema formaba parte de las Metamorfosis de Ovidio, el principal repertorio en el que se basaron las más de 60 escenas mitológicas que adornaban la Torre de la Parada.

Texto extractado de Fábulas de Velázquez. Mitología e Historia Sagrada en el Siglo de Oro. J. Portus Pérez. Madrid, Museo Nacional del Prado, 2007, pp. 335-336.

RUBENS Y TALLER. MERCURIO Y ARGOS. MUSEO DEL PRADO

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 180 x 298 cm.

Se representa el momento en el que Mercurio levanta la espada y la dirige hacia el cuello de Argos, el pastor de cien ojos encargado de vigilar a Ío, convertida en ternera blanca.

A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 60 obras para esta casa de recreo situada en los montes del Pardo.

La decoración de la Torre de la Parada, en cuyo proyecto también participaron otros autores como Velázquez, fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV.

RUBENS. MERCURIO Y ARGOS. 1636-1638. MUSEO DEL PRADO

RUBENS. MERCURIO Y ARGOS. 1636-1638. MUSEO DEL PRADO

Las escenas narraban las pasiones de los dioses, según fueron descritas en las Metamorfosis de Ovidio y otras fuentes clásicas.

Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta las actitudes de los personajes.

Estos bocetos son la base para elaborar los lienzos definitivos.

El Museo del Prado conserva 10 bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana y uno adquirido en el año 2000.

El Prado también conserva la mayor parte de los cuadros ejecutados a partir de los bocetos, entre ellos los realizados por el propio Rubens o por su taller y muchos pintados por otros artistas.

Texto extractado de Vergara, A.; y Pérez Preciado J.J.: Rubens, Guías de la Colección. Museo Nacional del Prado, 2010, p. 52.

HERMAFRODITO

Hermafrodito tiene un nombre que recuerda a los de sus padres, Hermes y Afrodita.

Fue criado por las ninfas en los bosques de Ida, en Frigia.

Era muy hermoso y a los 15 años decidió recorrer mundo y viajó por Asia Menor.

Un día llegó a un bonito lago y Salmacis, la ninfa de ese lago, se enamoró de él, pero Hermafrodito la rechazó.

La ninfa se escondió mientras el joven se desnudó y se zambulló en las aguas cristalinas del lago. Cuando le vio en sus dominios se dirigió hacia él y le estrechó entre sus brazos con gran fuerza.

La ninfa dirigió una plegaria a los dioses, pidiéndoles que jamás pudiesen separarse sus dos cuerpos. Los dioses la escucharon y los unieron en un nuevo ser dotado de doble naturaleza.

De este modo, se denomina hermafroditas a todos los seres que tienen doble naturaleza, masculina y femenina.

Hermafrodito obtuvo del cielo que quien se bañase en las aguas del lago Salmacis perdiese la virilidad.

Con frecuencia, Hermafrodito aparece representado entre los compañeros de Dioniso.

HERMAFRODITO. BRONCE. 1652. MUSEO DEL PRADO

 HERMAFRODITO. BRONCE. 1652. MUSEO DEL PRADO

HERMAFRODITO. MUSEO DEL PRADO

1652. Bronce, 61 x 160 cm.

Hermafrodito aparece desnudo y tumbado sobre un lecho en el que hay un almohadón y un paño que cubre parcialmente sus piernas.

Es copia del modelo clásico del Hermafrodita, en mármol, que procede de la colección Borghese de Roma, actualmente en el Museo del Louvre.

El original fue descubierto cerca de las termas de Diocleciano hacia 1608. Presentado al cardenal Scipione Borghese se convirtió enseguida en una de las estatuas más admiradas de su colección.

El tema deriva de un mito helenístico de origen oriental que habla de un ser mitad hombre, mitad mujer, hijo de Hermes y Afrodita.

Era un hermoso joven que se bañó en un lago donde vivía la ninfa Salmacis, que se enamoró de él y le abrazó con tal pasión que sus cuerpos quedaron convertidos en uno.

Catálogo de la escultura de época moderna Siglos XVI-XVIII, Madrid: Museo Nacional del Prado, 1998, pág. 250)

PRAXÍTELES. SIGLO IV A.C. HERMES CON EL NIÑO DIONISO

Mármol. 213 cm y 370 cm base. Museo Arqueológico de Olimpia.

El escultor griego del siglo IV a.C. nació en Atenas en el 400 a. C. y sus obras se caracterizan por la curva praxiteliana.

Fue el primero en esculpir un desnudo femenino a tamaño natural, la Afrodita de Gnido.

Dioniso es hijo del dios Zeus y de la mortal Sémele, hija del rey de Tebas.

Zeus se enamoró de Sémele y se disfrazó de humano, pero ella lo rechazó. Cuando Zeus le dijo quién le aceptó y concibió un hijo.

Al sexto mes de embarazo, la celosa Hera, esposa de Zeus, disfrazada de anciana le dijo que ese hombre no era Zeus, y Sémele obligó a Zeus a que se presentara en su máximo esplendor.

Zeus, lleno de ira, se transformó en rayo y Sémele cayó fulminada, pero Hermes consiguió salvar al niño que aún no había nacido sacándolo del vientre de su madre y cosiéndolo al muslo de Zeus, donde permaneció durante tres meses hasta el final del embarazo.


Es por esta razón por la que se conoce a Dioniso como el dios nacido dos veces.

 

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PRAXÍTELES. SIGLO IV A.C. HERMES CON EL NIÑO DIONISO.

MUSEO ARQUEOLÓGICO DE OLIMPIA.

Zeus encargó a Hermes que llevara al niño a las ninfas de la montaña para mantenerle oculto y protegerle de los celos de Hera.

La obra representa a Hermes llevando a Dionisio, desde el Olimpo hasta la mansión de las ninfas encargadas de su custodia, en el momento en que Hermes ofrece al niño un racimo de uvas (perdido hoy) con su mano derecha.

El racimo de uvas alude a la vinculación de Dioniso con el vino.

Esta escultura representa a Hermes con Dioniso niño en brazos y podría ser la única obra original de Praxíteles que perdura.

El conjunto escultórico está tallado en un bloque de mármol de 213 centímetros y la obra completa con la base mide 370 centímetros.

Se encontró el año 1877 entre las ruinas del templo dedicado a Hera en Olimpia y se encuentra actualmente en el Museo Arqueológico de Olimpia.

La obra muestra un elemento característico de Praxíteles, la curva praxiteliana, una forma sinuosa que le otorga una posición relajada, pero dinámica.

El rostro y el torso de Hermes están perfectamente pulidos, sin embargo, en la espalda tiene marcas del cincel y el resto de la escultura sólo está pulida parcialmente.

HERMES, EL PSICOPOMPOS

Hermes era el guardián de las almas de los difuntos, interviniendo en la psicostasia (peso de las almas), que determina la salvación o condenación eterna.

El papel del Psicopompos también consistía en guiar al fallecido al Inframundo, lo que conecta con su faceta de dios viajero.

En el siglo VI a. C., en los vasos áticos de figuras negras, Hermes sostenía la balanza que determinaba el camino a seguir por el alma del difunto.

La representación de Hermes psicopompos destacó en los lécitos blancos de carácter funerario.

El lécito se caracteriza por una forma alargada, un cuello estrecho y una embocadura ancha, que permitía a la vez limitar el flujo del aceite y facilitar su aplicación. Desde fines del siglo VI a. C. hasta el segundo cuarto del siglo V a. C.

En el lécito de Múnich, Hermes aparece sentado en unas rocas y extiende la mano a una mujer difunta a la derecha.

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

guiadegrecia.com

Imágenes de la tradición Clásica y Cristiana. UNED. 2018

maitearte.wordpress.com

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DIONISO (BACO). DIOS DEL VINO

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIONISO (BACO). DIOS DEL VINO

Dioniso es hijo de Zeus y Sémele, hija de Cadmo y Harmonía, pertenece por lo tanto a la segunda generación de dioses Olímpicos.

Sémele pidió a Zeus que se mostrase en todo su poder, pero no fue capaz de resistir la visión de los relámpagos y cayó fulminada.

Zeus le extrajo al hijo que llevaba en su seno y que estaba en el sexto mes de gestación y le cosió a su muslo hasta que llegó la hora de su nacimiento. Dioniso es el dios nacido dos veces.

El niño fue confiado a su hermano Hermes, quien encargó de su crianza al rey Atamante y su esposa. Les encargó que le vistiesen con ropas femeninas para burlar los celos de Hera, que buscaba la perdición del niño, fruto de los amores adúlteros de su esposo.

Para protegerle Zeus mandó llevar al niño fuera de Grecia, al país llamado Nisa, que unos sitúan en Asia y otros en África y se lo entregó a las ninfas para que le cuidasen.

Con objeto de evitar que Hera le reconociese le transformó en cabrito. Este hecho explica el epíteto de cabrito que lleva Dioniso.

Las ninfas que criaron a Dioniso posteriormente se convirtieron en las estrellas de la constelación de la Híades.

De adulto Dioniso descubrió la vid y su utilidad. Pero Hera le enloqueció y anduvo errante por Egipto y Siria.

En las costas de Asia llegó a Frigia, donde le recibió la diosa Cibeles, que le purificó y le inició en los ritos de su culto.

Dioniso llegó a la India, sometiéndola con las armas y su poder místico. En esta época tiene origen el cortejo triunfal del que se hace acompañar.

En el cortejo triunfal Dioniso va en un carro tirado por panteras y adornado con hiedra. Le acompañan los sátiros, silenos y bacantes y Príapo en ocasiones.

De vuelta a Grecia fue a Tebas, donde reinaba Penteo, sucesor de Cadmo, e introdujo las Bacanales. Pero el rey se opuso a estos ritos peligrosos.

Las Bacanales eran las fiestas de Dioniso, en las que todo el pueblo y, en especial las mujeres, eran presa de delirios místicos y recorrían el campo profiriendo gritos rituales.

Después fue a Argos, donde sus fiestas enloquecieron a las hijas del rey Preto y a las mujeres del país.

Después el dios fue a la isla de Naxos, para lo que contrató los servicios de unos piratas. Pero los piratas pusieron rumbo a Asia, con la idea de venderle como esclavo.

Cuando Dioniso se dio cuenta transformó los remos en serpientes, llenó el barco de hiedra e hizo que sonaran flautas invisibles.

Los piratas enloquecidos se precipitaron al mar, convirtiéndose en delfines, lo que explica que los delfines sean amigos de los hombres y los ayuden en los naufragios, ya que son piratas.

A partir de este hecho el poder de Dioniso fue reconocido por todo el mundo, terminó su misión y se implantó su culto.

Pero antes descendió al Inframundo en busca de su madre Sémele, para devolverla a la vida.

Dioniso pidió a Hades que liberase a su madre y el dios del Inframundo accedió a cambio de que Dioniso le diese a cambio algo que estimara mucho.

Entre sus plantas predilectas Dioniso cedió el mirto y éste es el origen de la costumbre que tenían los iniciados en los misterios dionisiacos de coronarse la frente con mirto.

Dioniso es el dios de la viña, del vino y del delirio místico.

Se le festejaba con procesiones tumultuosas en las que se evocaban con máscaras los genios de la Tierra y la fecundidad.

Estos cortejos dieron origen a las representaciones teatrales de la comedia y la tragedia.

En la época romana, los Misterios de Dioniso, por su carácter orgiástico se hicieron muy populares.

El Senado Romano prohibió la celebración de las Bacanales en el 186 a.C., pero se siguieron las tradiciones dionisiacas.

El atributo de Dioniso es el tirso, bastón de vides enrolladas y rematado con una piña.

Su iconografía evolucionó desde un hombre con afilada barba y larga túnica en la cerámica del siglo VI a.C., hasta la de un joven desnudo e imberbe, enturbiado por la bebida en contraposición al prudente Apolo.

Los cultos orgiásticos establecen una estrecha relación entre el dios y sus seguidores. Así Nietzsche plasmó la oposición entre lo apolíneo (distante) y lo dionisiaco (cercano). Dioniso/Apolo.

Las ménades “mujeres posesas” son las bacantes divinas que siguen a Dioniso. Se las representa desnudas o con velos ligeros. Llevan coronas de hiedra y a veces tocan la doble flauta, entregándose a danzas apasionadas.

Las ménades personifican los espíritus orgiásticos de la naturaleza.

MIGUEL ÁNGEL. BACO. 1496-1497. M. BARGELLO, FLORENCIA

Mármol. 1496-1497. Museo del Bargello, Florencia.

Las colecciones del cardenal Giuliano della Rovere, futuro papa Julio II, y de Jacobo Galli, otro de los primeros clientes del artista, le brindaban la posibilidad de estudiar y examinar la escultura clásica.

Este extraordinario escultor estudió la Antigüedad y se inspiró en ella, pero no la copió.

Miguel Ángel estuvo en Roma entre 1496 y 1501 y en este periodo esculpió 2 obras maestras:

· El Baco, escultura de mármol de 203 cm, que realizó entre 1496-97, y se encuentra en el Museo del Bargello, Florencia.

· La Piedad, escultura de mármol de 176 cm, que realizó entre 1498-99, y se encuentra en la Basílica Vaticana.

Miguel Ángel (1475- 1564) realizó el Baco entre 1496 y 1497, a los 22 años, obteniendo el máximo reconocimiento como escultor.

La figura del joven sátiro, comiéndose las uvas del dios y sonriendo con malicia, sirve para sostener esta escultura sinuosa, al igual que hacia Praxíteles en el siglo IV a.C. en Grecia. Este recurso, que se utiliza desde la Antigüedad, ayuda a crear múltiples puntos de vista.

Miguel Ángel esculpió una base rocosa que imprime gran naturalidad al suelo, donde Baco se representó coronado por vides y el pequeño sátiro sonriente degustando un racimo de uvas.

Miguel Angel. Baco. (1496-1497). Museo del Bargello, Florencia

Miguel Angel. Baco. (1496-1497). Museo del Bargello, Florencia

MIGUEL ÁNGEL. BACO. (1496-1497). MUSEO DEL BARGELLO, FLORENCIA

Los sátiros suelen representarse con torso de hombre y los miembros inferiores de macho cabrío, una larga cola semejante a la de los caballos y un miembro viril perpetuamente erecto. Con el paso del tiempo los miembros inferiores se convierten en humanos y sólo queda la cola, que también se pierde con el tiempo.

Baco representa la belleza y la delicadeza en un suave contraposto.

Miguel Ángel utilizó aquí por primera vez el trépano, técnica muy utilizada en Roma que permite crear efectos de volumen y claroscuro.

El dios del vino aparece con una copa de ese licor en un formato de cerámica clásica, recordando los hallazgos arqueológicos del momento.

El Baco de Miguel Ángel es el paradigma del hedonismo clásico.

El hedonismo es la doctrina filosófica que busca el placer y la supresión del dolor como objetivo de la vida.

Miguel Ángel estudió la Antigüedad y encontró inspiración en ella. Su Baco podría ser una escultura helenística, a la altura de una de las obras más famosas de la Antigüedad, el Apolo Belvedere.

Apolo Belvedere es una famosa estatua de mármol sobre el dios griego Apolo, que se conserva en los Museos Vaticanos. Está considerada una copia romana de un original griego que se perdió.

Redescubierta en el Renacimiento, fue expuesta en el Cortile del Belvedere del Vaticano a partir de 1511 y de ahí recibió su nombre.

Durante mucho tiempo fue considerada la representación ideal de la perfección física masculina y una de las más importantes esculturas de la Antigüedad clásica.

Fue reproducida en grabados de gran circulación y constituyó uno de los principales símbolos de la civilización occidental.

DIONISO (BACO) Y ARIADNA

Minos, hijo de Zeus y Europa, era el rey de Creta y se casó con Pasifae, hija del Sol (Helio). Entre sus hijas destacan Ariadna y Fedra.

Cuando Teseo llegó a Creta para combatir al Minotauro, la bellísima Ariadna se enamoró de él y por este motivo le ayudó a salir del Laberinto, la prisión del Minotauro.

Ariadna le entregó un ovillo a Teseo, cuyo hilo fue devanando y le sirvió para encontrar el camino de regreso y poder salir del Laberinto.

Ariadna, que había traicionado a su familia por amor, huyó con Teseo para escapar de la ira de Minos, pero no consiguió llegar a Atenas.

Pero en un descanso en la isla de Naxos, Teseo abandonó a Ariadna mientras dormía.

Por fortuna para Ariadna, pronto llegaron Dioniso y su cortejo a Naxos. El dios, montado en un carro tirado por panteras, quedó fascinado por la belleza de Ariadna y se casó con ella, conduciéndola al Olimpo.

El regalo de bodas de Dioniso a la hermosa Ariadna fue una diadema de oro realizada por Hefesto.

TALLER ROMANO. ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO

150 – 175. Mármol blanco, 99 x 238 cm.

En la pintura de Velázquez, que representa una vista del jardín de la Villa Médicis en Roma, se identifica en una logia la estatua de una figura yacente apenas esbozada por el artista.

Esa figura recostada en 1787 pasó a Florencia, primero al Palazzo Pitti, y posteriormente al Museo Arqueológico.

Se conocían otras dos réplicas de tamaño mayor que el natural, en Roma: una en el Vaticano y la otra en la Colección de la reina Cristina de Suecia. Ésta última fue enviada en 1724 a España e ingresó en 1830 en el Museo del Prado.

Por el brazalete en forma de serpiente, enroscado en el brazo izquierdo, la estatua fue identificada erróneamente con Cleopatra.

La figura femenina duerme al aire libre sobre un lecho liso de roca y viste una tela fina rica en pliegues, que es sostenida con un nudo sobre el hombro derecho. Además del brazalete, calza sandalias.

Su cabeza descansa con los ojos cerrados sobre el dorso de la mano izquierda; mientras el brazo derecho está flexionado y reposa sobre la cabeza, postura frecuente en la Antigüedad.

Taller Romano. Ariadna dormida. Museo del Prado

TALLER ROMANO. ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO

Su cabello, con raya en medio, cae libre sobre la espalda y está ceñida por una cinta, anudada en la parte posterior de la cabeza, lo que nos lleva a pensar también en una bacante.

La figura dormida puede indicar una ménade exhausta después de la danza orgiástica del culto a Dioniso o a Ariadna, abandonada por Teseo mientras dormía.

En el siglo XVII, la escultura fue restaurada en el taller de Bernini.

VELÁZQUEZ. JARDÍN DE LA VILLA MÉDICIS CON LA ESTATUA DE ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO

Hacia 1630. Óleo sobre lienzo, 44 x 38 cm.

Es una obra maestra del paisaje en la que Velázquez plasmó un paisaje al aire libre sin ningún pretexto narrativo. No existe un tema.

Esta vista romana y su compañera combinan la arquitectura, vegetación, escultura y personajes de manera natural.

La luz y el aire son los protagonistas de estos cuadros.

También parecen plasmar un momento concreto y unas circunstancias atmosféricas determinadas, lo que ha llevado a la teoría de que nos encontramos ante una representación de la “tarde” y el “mediodía“, anticipando lo que haría Monet dos siglos más tarde con sus famosas series de la catedral de Rouen.

Velázquez utiliza una serliana, estructura arquitectónica que combina un arco de medio punto, flanqueado a ambos lados por vanos adintelados.

Son pinturas que representan de manera fidedigna rincones de la Villa Médicis, uno de los palacios más importantes de Roma.

En la obra hay una escultura en mármol de Ariadna dormida.

Dos son los factores que singularizan estas obras:

· La ausencia de tema.

· La plasmación directa de la naturaleza.

En el siglo XVII el paisaje se convirtió en un género pictórico de importancia, sin embargo, debía estar acompañado de una “historia” mitológica, sagrada, etc., o debía plasmar una vista urbana o monumental.

Velázquez, en cambio, transmite una visión directa de la naturaleza.

Claudio de Lorena salía al campo a tomar apuntes directos del paisaje en sus cuadernos y Velázquez también pintó del natural en Roma, por este motivo resultan tan singulares estas dos obras.

Velázquez refleja la experiencia de un momento en la naturaleza.

Es muy poco lo que se conoce sobre estas obras, actualmente se tiende a pensar que se trata de cuadros acabados en sí mismos.

Desde un punto de vista técnico, las obras están pintadas sobre una preparación marrón, similar a la que utilizó en su primer viaje a Italia, y que no volvió a usar desde su vuelta a Madrid en 1631.

Además, en su primer viaje a Italia Velázquez vivió durante dos meses en la Villa Médicis.

La hipótesis del segundo viaje se basa en lo avanzado de su estilo y en que en esa época la gruta de acceso a la serliana estaba en obras.

Son dos magníficas obras maestras de la historia del paisaje occidental, precursoras de la pintura del siglo XIX.

Velázquez. Jardín de la Villa Medicis con la estatua de

VELÁZQUEZ. JARDÍN DE LA VILLA MEDICIS CON LA ESTATUA DE

ARIADNA DORMIDA. MUSEO DEL PRADO

TIZIANO. LA BACANAL DE LOS ANDRIOS. MUSEO DEL PRADO

1523 – 1526. Óleo sobre lienzo, 175 x 193 cm.

Tras entregar Baco y Ariadna en 1523, Tiziano pintó La bacanal de los Andrios, también inspirada en el filósofo griego Filostrato.

La escena transcurre en la isla de Andros, tan favorecida por Baco que el vino manaba de un arroyo.

Dioses, hombres y niños se unen en la celebración del vino, cuyo consumo, según Filostrato, hacía a los hombres ricos, dominantes, dadivosos, guapos y altos.

Refuerza esa idea la partitura en primer plano: Quien bebe y no repite no sabe lo que es beber.

Tiziano alude a Las tres edades del hombre e incluye personajes no citados por Filostrato, pero apropiados a un contexto báquico, como la ninfa dormida en el ángulo inferior derecho o el niño haciendo pis.

El anciano, que yace al fondo, es una probable personificación del dios del río tal como lo describe Filostrato, el río, presa de gran agitación, yace sobre un lecho de racimos.

La ninfa del ángulo inferior derecho es uno de los desnudos femeninos más bellos y sensuales de la Historia del Arte y no es Ariadna, cuyo abandono tuvo lugar en Naxos y no en Andros.

El personaje masculino desnudo que escancia vino a la izquierda hace referencia a la estatuaria clásica.

El realismo de las figuras revela su estudio de modelos del natural.

El 14 de abril de 1522 el agente de Alfonso d`Este en Venecia le comunicaba que Tiziano no quería abandonar la ciudad y acudir a Ferrara por tener allí meretrices y hombres que le servían de modelos para los desnudos. Aunque las fechas coinciden con su Baco y Ariadna, es lógico pensar que mantendría dicha práctica.

Tiziano plasma el diferente efecto de beber vino en las personas:

· El anciano duerme

· El niño hace pi pí

· Las parejas bailan

· La mujer manifiesta abiertamente su sensualidad

Tiziano. La Bacanal De Los Andrios. 1523 - 1526. Museo Del Prado

TIZIANO. LA BACANAL DE LOS ANDRIOS. 1523 – 1526. MUSEO DEL PRADO

POUSSIN. BACANAL. MUSEO DEL PRADO

1625 – 1626. Óleo sobre lienzo, 122 x 169 cm.

El poeta romano Ovidio narra el encuentro entre Baco y Ariadna en la isla de Naxos, donde ésta había sido abandonada por Teseo tras haberle ayudado a salir del laberinto del Minotauro (Metamorfosis, VIII).

En la pintura el dios del vino ayuda a Ariadna a subir a su carro tirado por panteras.

Les acompaña su cortejo habitual, sátiros y ménades precedidos por Sileno sobre un asno, entre la vegetación y con el mar al fondo.

Poussin. Bacanal. 1625 - 1626. Museo Del Prado

POUSSIN. BACANAL. 1625 – 1626. MUSEO DEL PRADO

Resalta la influencia de Tiziano, como en otras obras de Poussin y el interés por el detallismo y los elementos secundarios.

Este cuadro se cita en la colección del rey Felipe V en el Palacio de La Granja de San Ildefonso, lugar del que se trasladó en 1829 al Museo del Prado.

ANNIBALE CARRACCI. TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA. 1595-1605. PALACIO FARNESE, ROMA

El Palacio Farnesio es uno de los edificios del Renacimiento más bellos de Roma, ubicado en Piazza Farnese, 67.

Antonio Sangallo inició su construcción en el año 1514, después Miguel Ángel y, finalmente, Giacomo della Porta, fueron los encargados de su edificación.

El Palacio perteneció a una de las familias más importantes del Renacimiento y actualmente es la sede de la Embajada de Francia en Italia.

La escena se desarrolla en la parte central de la bóveda de la Galería del Palacio Farnesio, Roma. Ejecutada entre 1595 y 1605.

La obra maestra de Annibale Carracci es la decoración del gran salón del Palacio Farnesio de Roma.

Los frescos que adornan esta estrecha galería, sólo mide 27 metros, privilegian el arte de trampantojo y de la arquitectura.

La arquitectura se prolongaba en los frescos con recursos ilusionistas, parecían cuadros con sus marcos de estuco.

Baco está sentado en un carro dorado, mirando al espectador, con el tirso en su mano derecha y un racimo de uvas en su izquierda.

El carro debería ir tirado por panteras, pero aquí aparecen tigres, aludiendo a la difusión del culto del dios Baco por Asia.

Ariadna sentada en un carro tirado por cabras, animales unidos a Baco, está recibiendo la corona de oro realizada por Vulcano para su matrimonio con el dios.

La bóveda es un canto al amor terrenal y al amor divino.

Annibale Carracci. Triunfo De Baco Y Ariadna.

ANNIBALE CARRACCI. TRIUNFO DE BACO Y ARIADNA.

1595 y 1605. PALACIO FARNESE, ROMA

El cortejo va precedido de sátiros y de Sileno subido a un asno.

Las bacantes portan una pandereta y un cesto, en alusión a las fiestas dionisiacas o bacanales.

En la parte superior unos amorcillos portan un jarrón y un cuenco.

En la bóveda, el fresco central ilustra los amores de Baco y Ariadna, pero en las figuras mitológicas, los pintores representaron la glorificación de Ranuccio Farnesio y de Margarita Aldobrandini, sobrina del papa Clemente VIII.

Esta decoración fue encargada con motivo de su matrimonio, el 7 de mayo de 1599, cuando la joven esposa tenía sólo 11 años.

Por primera vez, la galería Carracci se ha beneficiado de una gran restauración de 18 meses, que ha finalizado en 2015.

El palacio Farnesio es la sede de la embajada de Francia en Italia y se trata del éxito de una colaboración franco-italiana.

La galería está considerada como la obra maestra de Aníbal Carracci, quien realizó lo esencial de la decoración.

La restauración ha recibido el mecenazgo exclusivo de la World Monuments Fund (WMF), organización internacional dedicada a la conservación de monumentos históricos.

Los estucos han reencontrado su esplendor original.

Se pueden realizar visitas guiadas a esta bella galería.

Es una gran oportunidad, según la embajadora de Francia en Italia, Catherine Colonna, de constatar “el compromiso renovado de Francia en transmitir este patrimonio común de la humanidad que hemos recibido en herencia”.

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

museodelprado.es

turismoroma.it

es.aleteia.org

William E, Wallace. Miguel Ángel. Obra completa. Electa.

maitearte.wordpress.com

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