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Jasón

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

 

JASÓN

Jasón, Viaje a Florencia 2013 - Museo del Bargello. Click para abrir a tamaño original   2015-09-26 Florencia 2015 - Jason, Pietro Francavilla, 1589 - BargelloDSC_0312 - Click para abrir a tamaño original

Jasón. Viaje a Florencia 2018 - Museo del Bargello - Click para abrir a tamaño original  Jasón. Viaje a Florencia 2018 - Museo del Bargello - Click para abrir a tamaño original

Jasón. Viaje a Florencia 2018 - Museo del Bargello - Click para abrir a tamaño original

Jason, Pietro Francavilla, 1589. Bargello – Florencia

 

Las fotos anteriores han sido tomadas en los viajes culturales a Florencia en 2013, 2015 y 2018.


JASÓN, MEDEA Y LOS ARGONAUTAS

Jasón es hijo de Esón, a quien pertenecía legítimamente el trono de Yolco y pertenece a los descendientes de Eolo, dios del Viento.

Fue educado por el centauro Quirón, quien como a todos sus discípulos le enseñó Medicina.

Su padre, Esón, fue destronado por su hermanastro Pelias y Jasón, al llegar a la edad adulta, reclamó el trono a su tío.

Jasón vestía de forma extraña: se cubría con una piel de pantera, portaba una lanza en la mano y llevaba descalzo el pie izquierdo.

Con esa indumentaria se presentó ante su tío Pelias en el ágora de Yolco. Pelias sintió temor, porque un oráculo le había aconsejado que desconfiase del hombre que llevase un solo pie calzado.

Pelias, desconfiado, preguntó a Jasón qué castigo impondría a alguien que intentase conspirar contra el rey y Jasón le respondió que le enviaría a buscar el vellocino de oro.

Su respuesta se volvió contra él y Pelias a cambio del trono le pidió la piel del Vellocino de oro, el vellón del carnero alado que había transportado a Frixo y Hele por los aires para salvarlos de ser sacrificados.

Frixo y Hele cabalgaron sobre el carnero y volaron hacia Oriente. Durante el viaje, Hele cayó al mar y se ahogó, pero su hermano llegó sano a la Cólquide.

El rey de la Cólquide le acogió favorablemente y le entrego a su hija Calcíope en matrimonio.

En agradecimiento, Frixo sacrificó el carnero a Zeus y ofreció el vellocino al rey, quien se lo consagró al dios Ares

El vellocino, consagrado a Ares, estaba guardado por un dragón. Pelias pensó que Jasón no volvería nunca de esa expedición a la Cólquide.

Jasón, enviado a la conquista del Vellocino de oro o toisón de oro, solicitó ayuda a Argo, hijo de Frixo, y por consejo de Atenea, Argo construyó una nave con su nombre para él y sus compañeros, los Argonautas.

En el Argo iban personajes muy destacados como Heracles, Orfeo, los Dióscuros, y una mujer, Atalanta, etc.

Orfeo les deleitaba con su música, consiguiendo que los galeotes remaran sin esfuerzo, y además les protegió contra el canto de las sirenas.

También formaban parte de la expedición Los Dióscuros, Cástor y Pólux.

Zeus se enamoró de Leda, esposa del rey Tindáreo. La noche que Zeus se unió a ella en forma de cisne, Leda se unió también a su marido. Los gemelos que nacieron son atribuidos del siguiente modo: Cástor, Pólux y Helena a Zeus y Clitemnestra a su esposo, Tindáreo.

Atalanta fue abandonada al nacer porque su padre sólo quería varones. Una osa la amamantó hasta que unos cazadores la encontraron, la criaron y se convirtió en una gran cazadora.

Después de muchas aventuras, los Argonautas llegaron a la Cólquide donde, gracias a Medea, consiguieron el Vellocino de oro.

Finalmente, Jasón volvió a Yolco donde subió al trono y se convirtió en el patrón de la navegación.

En la Antigüedad las representaciones de Jasón están vinculadas a los Argonautas.

En el Renacimiento las hazañas del mítico príncipe aparecen en los arcones nupciales que contenían las dotes de las novias.

 

THORVALDSEN, BERTEL (Copenhague, 1770-1844)

Thorvaldsen nació en Copenhague en 1770.

Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca y le concedieron una beca para ir a Roma a estudiar escultura clásica.

Vivió en Roma hasta 1838 y allí se convirtió en uno de los líderes del Neoclasicismo, a partir de su gran obra Jasón.

Las obras de Thorvaldsen llegaron a alcanzar tal demanda que hacia 1820 trabajaban en su taller 40 personas para ayudarle a finalizar los encargos.

En Roma se convirtió en un gran escultor neoclasicismo.

En 1819 volvió a Copenhague con el fin de planificar colosales estatuas de mármol y relieves representando a Jesucristo y los doce Apóstoles, para la nueva iglesia de Nuestra Señora, ya que la catedral de Copenhague había sido destruida en 1807.

Estas se ejecutaron después de su regreso a Roma, y no se completaron hasta 1838, cuando Thorvaldsen regresó a Dinamarca.

Sólo las figuras de Cristo y san Pablo fueron esculpidas por Thorvaldsen; el resto fueron realizadas por los miembros de su taller sobre los modelos del maestro.

Murió de manera repentina en el Teatro Real de Copenhague el 24 de marzo de 1844 y legó gran parte de su fortuna para el edificio y mantenimiento de un Museo en Copenhague, al que legó toda su colección de obras de arte y los modelos de todas sus esculturas.

El Museo Thorvaldsen de Copenhague contiene su colección de escultura antigua y obras de su producción.

Thorvaldsen se encuentra enterrado en el patio de este museo, bajo un lecho de rosas, por deseo expreso suyo.

 

THORVALDSEN. JASÓN Y EL VELLOCINO DE ORO

Mármol de 242 cm de altura. Se terminó en 1828.

Museo Thorvaldsen de Copenhague

El escultor neoclásico Thorvaldsen realizó una escultura colosal de Jasón basándose en el Doríforo de Policleto, del siglo IV a.C.

El héroe, desnudo y armado, porta el vellocino de oro colgado sobre su brazo izquierdo. La obra muestra la serenidad, el equilibrio y la armonía característicos del mundo clásico.

El primer éxito de Thorvaldsen fue el modelo para una estatua de Jasón, una versión de arcilla de tamaño natural creada en 1803, que se considera la primera gran obra del artista. Fue muy alabada por Antonio Canova, el escultor más popular de Roma.

En 1803 recibió el encargo de ejecutarlo en mármol para Thomas Hope, un rico mecenas de las artes inglés. A partir de entonces, tuvo el éxito asegurado. La escultura se terminó en 1828.

Los herederos de Hope dispersaron su colección en 1917 y fue adquirida por el Museo Thorvaldsen de Copenhague en una subasta.

Thorvaldsens Jason

THORVALDSEN. JASÓN CON EL VELLOCINO DE ORO. 1803. COPENHAGUE

 

 

MEDEA, LA MAGA

Medea es hija del rey de Cólquide y nieta del Sol. A veces se considera que su madre es la diosa Hécate, patrona de las magas. Medea es además sobrina de Circe, la hechicera.

Sin Medea Jasón nunca hubiese conseguido el Vellocino de oro.

Medea era una princesa con buenos sentimientos, que se oponía a que su padre matara a todos los extranjeros que llegaran al país.

Al llegar los Argonautas hizo prometer a Jasón que sería su esposo si ella le aseguraba apoderarse del vellocino de oro y Jasón se lo prometió.

Medea adormeció al dragón con sus hechizos y consiguió que le abrieran el templo donde se guardaba el Vellocino o Toisón de oro y una vez en poder de Jasón huyó con él y con los Argonautas.

Jasón había prometido casarse con Medea y todos los crímenes posteriores de ella quedan explicados por el perjurio de Jasón.

Tras conseguir el Vellocino de oro, Jasón llegó a Yolco y se lo entregó a Pelias, concluyendo su misión.

Pero Medea se vengó de Pelias por poner en peligro a Jasón y persuadió a sus hijas diciendo que conocía una poción mágica que rejuvenecía a cualquier ser vivo hirviéndole en él.

Ante su vista descuartizó un carnero y le puso en el caldero y a los pocos instantes salió un corderillo.

Las hijas de Pelias quisieron rejuvenecer a su padre, así que le despedazaron y le echaron en el caldero de Medea, pero éste murió y no volvió a salir del caldero.

En el viaje de regreso, el barco aborda la isla de Ea, donde Medea es recibida por su tía Circe, la hechicera, purificando a Medea y a Jasón

Tras el asesinato de Pelias, Jasón y Medea fueron desterrados y llegaron a Corinto. Allí vivieron tranquilos hasta que Creonte, rey de Corinto quiso casar a su hija con el héroe.

Creonte decretó el destierro de Medea, pero ésta consiguió demorarlo un día para tramar su venganza. Impregnó veneno en el vestido y joyas de su rival y ésta al ponérselos se abrasó, al igual que su padre y el palacio.

Mientras tanto Medea daba muerte a sus propios hijos, fruto de su unión con Jasón, en el templo de Hera y luego escapó a Atenas, volando en un carro tirado por caballos alados, regalo de su abuelo, el Sol.

Jasón volvió a Yolco donde subió al trono y se convirtió en el patrón de la navegación.

 

DELACROIX, EUGÈNE. MEDEA FURIOSA

1,22 m x 84 cm. 1862. Romanticismo. Museo del Louvre, París

Eugène Delacroix pinta a Medea, un personaje trágico de la mitología griega, que decide cometer un infanticidio, matando a los dos hijos que habían tenido con Jasón, debido a la traición y abandono del héroe.

Los pintores del Romanticismo, como Delacroix, ya no pintan estatuas clásicas, pero si leen a los clásicos para inspirarse directamente.

El cuadro muestra una cueva a la que corre Medea con sus hijos desnudos y con un puñal en la mano.

La melena al viento de Medea, su desnudez sensual, modelada por la luz, y su determinación evocan a la protagonista de un cuadro anterior del artista, La libertad guiando al pueblo.

Frente a todo esto, tenemos la riqueza de las joyas bien terminadas, como el brazalete y la tiara real.

La pintura, como otros cuadros de Delacroix con mujeres como protagonistas: Grecia sobre las ruinas de Missolonghi y La libertad guiando al pueblo, tiene estructura piramidal, por lo que la madre y los dos niños forman un solo conjunto.

Las figuras están bien detalladas, mientras que el fondo se representa a base de manchas de color y pinceladas aisladas.

Eugène Ferdinand Victor Delacroix - Medea furiosa

EUGÈNE DELACROIX. MEDEA FURIOSA. 1862. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS

 

HERNÁNDEZ AMORES, GERMÁN. Medea, con los hijos muertos, huye de Corinto en un carro tirado por dragones.

Hacia 1887. Óleo sobre lienzo, 225 x 166 cm. Museo del Prado

Según la tragedia de Eurípides, Medea, celosa ante el segundo matrimonio de su esposo Jasón, decide matar a su rival y a sus propios hijos para vengarse de Jasón, y huye con sus cadáveres en el carro de Helios hacia el bosque sagrado de Hera, en Atenas.

Medea con sus hijos muertos es un tema de inspiración romántica, repleto de connotaciones trágicas en las que se mezclaban el amor, la traición, la soledad, la venganza y la desesperación ocasionada por la muerte de sus propios hijos.

Hernández Amores elige el instante que representa la venganza de la maga unida a un escenario con un cielo sombrío y nuboso.

Medea representa el espíritu de aniquilación y Jasón el de la deslealtad.

En 1838 Delacroix pinta a Medea asesinando a sus hijos, Hernández Amores elige la escena posterior y compone un drama entre la venganza y el arrepentimiento con final muy trágico.

Eurípides escribió una famosa tragedia “Medea” en la que la propia Medea dirá “las mujeres somos el ser más desgraciado”. Él fue el primero en afirmar que Medea había matado a sus hijos, convirtiéndose en el prototipo de la asesina.

Existe una tradición que dice que Medea en el final de su vida fue transportada a los Campos Elíseos junto a Aquiles, Helena, Ifigenia y Polixena.

En la tragedia helénica no se atribuyen actos terribles de venganza como éste a mujeres griegas, sino a extranjeras.

En la Antigüedad se representa a Medea como una princesa oriental que infunde terribles castigos.

En la Edad Moderna los artistas acudieron más a Ovidio que a Eurípides, resaltando sus calidades de maga y la dramática muerte de sus hijos.

Medea, con los hijos muertos, huye de Corinto en un carro tirado por dragones

HERNÁNDEZ AMORES, GERMÁN

Medea, con los hijos muertos, huye de Corinto en un carro tirado por dragones 1887. MUSEO DEL PRADO, MADRID


ATALANTA

Atalanta fue abandonada al nacer porque su padre sólo quería varones. Una osa la amamantó hasta que unos cazadores la encontraron, y criaron.

Cuando creció se mantuvo virgen y se dedicó a cazar en los bosques como su patrona Artemisa.

Atalanta no quería casarse por fidelidad a Artemisa y porque un oráculo le había anunciado que si lo hacía se convertiría en animal.

Para alejar a los pretendientes anunció que su esposo sería el hombre capaz de vencerla en la carrera, pero con la condición de que si ella era la vencedora mataría a su contrincante.

Atalanta corría velozmente y con su lanza atravesó a numerosos pretendientes.

Hipómenes traía unas manzanas de oro que le había dado Afrodita.

Durante la carrera, cuando el joven iba a ser alcanzado, fue arrojando uno a uno los frutos áureos. Atalanta, curiosa o enamorada, se detuvo a recogerlos y el joven resultó vencedor.

Más tarde los esposos entraron en un santuario de Zeus o de Cibeles, donde saciaron su sed de amor. Zeus indignado por el sacrilegio les convirtió en leones.

Una leyenda, que no es recogida en el libro de Pierre Grimal, dice que los leones del carro de Cibeles son Hipómenes y Atalanta.

En el arte se representa la carrera entre Hipómenes y Atalanta.

 

RENI, GUIDO (Bolonia, 1575 – Bolonia, 1642)

(Bolonia, 04/11/1575 – Bolonia, 18/08/1642)

Artista considerado en su época uno de los pintores más importantes de Italia. Su recuperación crítica se llevó a cabo en 1954, con motivo de la exposición que tuvo lugar en Bolonia.

Su pintura, influida por la Antigüedad clásica y por Rafael, es una gran muestra de la tendencia clasicista del arte barroco.

En Bolonia muy pronto, quizás antes de 1595, comenzó a frecuentar la academia de los Carracci, cuya educación propugnaba el retorno a la naturaleza.

Su partida para Roma debió de producirse en 1601 y allí permaneció unos quince años, con puntuales viajes a Bolonia.

En Roma profundizó en el conocimiento de la pintura de Rafael y la copia de esculturas clásicas y entró en contacto con la pintura de Caravaggio, cuyo influjo se deja sentir en su producción de 1603 a 1605, en obras como Crucifixión de san Pedro (Museos Vaticanos, Roma).

A partir de este momento, Guido Reni manifestó con total independencia su personalidad artística para importantes comitentes, como el cardenal Scipione Borghese, sobrino de Pablo V para el que realizó los frescos de San Andrea conducido al martirio, en el oratorio de San Andrés (San Gregorio al Celio, 1609) o la Aurora para el Casino de su nombre (1614).

Al mismo tiempo llevó a cabo importantes encargos para Bolonia, entre los que se encuentra Matanza de los inocentes (1611, Pinacoteca Nazionale di Bologna), una de sus obras fundamentales.

En esos momentos Reni alcanzó un lugar determinante en la cultura artística romana, sufriendo la influencia de Rubens y Gentileschi, al mismo tiempo que influyó poderosamente en otros, como Bernini.

En 1614 se estableció definitivamente en Bolonia, ciudad que abandonó solo para trasladarse brevemente a Roma o Nápoles.

Durante este periodo realizó obras como Hipomenes y Atalanta (Museo del Prado, Madrid), una de sus obras maestras más reconocidas.

Creó sus célebres personajes femeninos: Cleopatra, Lucrecia, Salomé, Judith, etc.), serenas representaciones que gozaron de gran popularidad y fueron copiadas en infinidad de ocasiones.

Durante sus últimos años Reni modificó su paleta, que progresivamente se fue aclarando hasta alcanzar una calidad casi monocroma, con perfiles imprecisos y pinceladas más libres.

 

RENI, GUIDO. HIPÓMENES Y ATALANTA

1618 – 1619. Óleo sobre lienzo, 206 x 297 cm. Museo del Prado

Se trata de una de las obras más célebres y controvertidas de este artista.

Ese cuadro formó parte de la colección del marqués Giovan Francesco Serra, colección que fue adquirida en 1664 por Gaspar Bracamonte y Guzmán, conde de Peñaranda y virrey de Nápoles desde 1658 a 1664, con destino a Felipe IV.

La historia narra cómo Atalanta, se había ofrecido en matrimonio a aquél que fuera capaz de vencerla en la carrera, deporte para el que había alcanzado una habilidad sobresaliente.

El castigo establecido para todos aquellos que fueran derrotados era la muerte. A pesar del riesgo, Hipómenes aceptó el desafío contando para ello con la ayuda de Venus, que le proporcionó tres manzanas de oro que el joven fue arrojando a su paso, logrando con ello retrasar a Atalanta que se detuvo a recogerlas.

Sin embargo, una vez casados, Hipómenes olvidó agradecer la ayuda de la diosa que había propiciado su victoria, la cual terminó metamorfoseando a los dos en leones.

Reni resuelve la composición colocando ambas figuras en primer plano, creando así una estructura diagonal que refleja el momento en que Hipómenes lanza una manzana que Atalanta recoge, circunstancia que al final será la causa de su derrota.

Muchas de las características esenciales del arte de Guido Reni están presentes en esta pieza.

Su clasicismo se manifiesta en su ideal de belleza, que se manifiesta en la perfección formal de los cuerpos desnudos, en su equilibrio casi simétrico y en las actitudes contenidas, a pesar de que se encuentran en medio de una carrera que decidirá el destino de ambos jóvenes.

Los cuerpos de los protagonistas están muy iluminados, mientras que el fondo, con las nubes y la tierra, adquiere un color pardo, que permite focalizar la atención en el tema central del primer plano.

 

Hipómenes y Atalanta

Hipómenes y Atalanta

 

 

BIBLIOGRAFÍA

· Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos

· museodelprado.es

· maitearte.wordpress.com

· Pintura del Siglo XIX en el Museo del Prado: Catálogo General, Madrid: Museo Nacional del Prado, 2015, p. 288

· Germán Hernández Amores. Pintor del Romanticismo Nazareno, Murcia: Fundación Caja Murcia, p. 46.

· Úbeda de los Cobos, A. en E.M.N.P, 2006, tomo V, pp. 1829-1830.

· Úbeda de los Cobos, A. en: 100 Obras Maestras del Museo del Prado, Museo Nacional del Prado, 2008, p. 102.

 

 

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Orfeo

ORFEO

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

 

Orfeo (epoca romana) - Foto G. Dall'Orto

El mito de Orfeo es uno de los más oscuros y más cargados de simbolismo de cuantos registra la mitología helénica.

En torno a su figura existe una abundante literatura esotérica.

El mito de Orfeo ha ejercido gran influencia en la iconografía paleocristiana.

La imagen que figura en algunos sarcófagos con el tema de Orfeo llevando un cordero sobre los hombros, se considera un posible antecedente iconográfico del Buen Pastor cristiano, lo que explica la presencia del héroe en las catacumbas de Domitila.

Orfeo es hijo de Eagro, pero las tradiciones discrepan sobre su madre. La más común dice que es hijo de Calíope, la más elevada en dignidad de las nueve Musas. Musa de la poesía lírica.

Orfeo es de origen tracio y con frecuencia se le representa con traje tracio.

Orfeo es el héroe sereno y romántico, el cantante, el músico y el poeta. Tocaba la lira y la cítara, conmoviendo a la Naturaleza.

Se le atribuye la invención de la cítara de 9 cuerdas, igual al número de Musas.

Sus hazañas están vinculadas a la música y al descenso a los Infiernos para recuperar a su amada esposa Eurídice.

Orfeo es el cantor por excelencia. Sabía entonar cantos tan dulces que las fieras le seguían y el carácter de los hombres más ariscos se suavizaba.

En la expedición de los Argonautas daba la cadencia a los remeros y en la tempestad era capaz de tranquilizar a los tripulantes, calmando a los elementos con sus cánticos.

Orfeo cantó tan melodiosamente cuando el Argos pasó cerca de las sirenas que los Argonautas no sintieron la necesidad de acercarse a la costa.

Orfeo en Zaragoza

MOSAICO DE ORFEO. MUSEO DE ZARAGOZA


El mito más célebre relativo a Orfeo es su descenso al Inframundo por el amor de su esposa Eurídice.

Virgilio nos dice que Eurídice era una ninfa, que intentó ser violada cuando paseaba por la orilla de un río. Al correr por la hierba le mordió una serpiente y murió.

Orfeo, inconsolable, descendió a los Infiernos en busca de su amada esposa.

Hades y Perséfone, conmovidos por su música divina, accedieron a que se la llevase con él ante tal prueba de amor, pero ponen una condición: que Orfeo vuelva a la luz del día seguido de su esposa, sin volverse a mirarla antes de haber salido de su reino.

Orfeo acepta y cuando está a punto de salir del Inframundo duda si Eurídice va tras él y se vuelve a mirarla. De este modo la pierde por segunda vez y para siempre, ya que Caronte permanece inflexible y le impide el paso al mundo infernal.

Orfeo, totalmente desconsolado, debe volver al mundo de los vivos.

Orfeo desciende a los Infiernos, al igual que Heracles, pero mientras que el viaje Heracles responde a un encargo heroico, la bajada de Orfeo es un tema personal, su amor por Eurídice.

Sin embargo Orfeo consiguió adquirir conocimientos sobre el Más Allá, convirtiéndose en un mediador, el que guiaba el comportamiento humano en los misterios órficos.

 

EURÍDICE

La hermosa Eurídice paseaba un día con sus compañeras las Náyades, ninfas del agua, longevas pero mortales, por un prado de Tracia cuando fue mordida por una serpiente.

Virgilio vincula esta leyenda con la de Aristeo y supone que la joven fue mordida cuando huía de éste que la perseguía con el deseo de violarla.

Su esposo Orfeo la lloró tanto que no dudó en descender al Reino de Hades para implorar con su música a los dioses que le permitieran llevársela con él al mundo de los vivos.

 

MEDINA Y PEÑAS, SABINO (1812-1888)

Madrid, h.1812 – Madrid, 1888

Alumno aventajado de Valeriano Salvatierra y de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Sabino fue pensionado en Roma de 1832 a 1836.

En Roma estudió con Tenerani y, con muchas penurias, realizó:

  • un bajorrelieve de Perseo y Andrómeda,
  • un “Discóbolo” y
  • su obra más famosa y que le encumbró como escultor, “La ninfa Eurídice mordida por la víbora” en yeso, que en 1837 exhibió en Roma. En 1865 la realizó en mármol. Con ella participó en la Exposición Universal de 1867 en París y fue adquirida para el Museo del Prado en 1882.

De vuelta en Madrid en 1838, fue nombrado académico de mérito por la escultura de la Real Academia de San Fernando (luego reconvertido en académico de número), y se dedicó de lleno a esta corporación a lo largo de su vida.

En 1849 fue nombrado director de modelado y composición, ya que Isabel II le nombró en 1844 escultor de cámara honorario.

Fue secretario de la sección de arquitectura, y profesor supernumerario de la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado, avanzando en su obra hacia un gran realismo en retratos y monumentos.

Entre sus retratos se encuentran:

  • el busto en yeso de “Calderón” presentado en 1840
  • el de “Agustín Argüelles” en el Congreso,
  • pequeños bronces-retratos de literatos como “Jovellanos” en el Palacio Real, que se expusieron en la Academia en 1848,
  • el de “Diego de León” en el Museo Romántico.
  • Realizó los “Escudos de las armas reales” y de “Madrid” en 1847 para la base de la estatua madrileña de Felipe III,
  • estatuas alegóricas de “La Reforma”, “El Gobierno” y “La Pureza” en el mausoleo de Argüelles, hoy en el Panteón de Hombres Ilustres en Madrid.
  • Ejecutó varias alegorías como “La Virtud” en el monumento al Dos de Mayo de Madrid,
  • “El río Lozoya” para la fuente del Canal de Isabel II,
  • “Cariátides alegóricas” en la Sala de Sesiones del Congreso de los Diputados,
  • el grupo de la fachada del antiguo Colegio de Medicina de San Carlos “Esculapio” y “Telesforo”,
  • figuras religiosas como la “Inmaculada Concepción” de la Iglesia de las Calatravas en Madrid.
  • Entre sus monumentos, el famoso de “España Victoriosa” en Bailén,
  • Bartolomé Esteban Murillo“, del que hay dos ejemplares, uno en Sevilla fundido en París en 1861 y otro de 1871 colocado en Madrid entre el Museo del Prado y el Jardín Botánico.

En 1865 fue nombrado escultor honorario del Ayuntamiento de Madrid, del que era consultor, así como miembro de la Sociedad Económica Matritense en 1874.

LA NINFA EURÍDICE MORDIDA POR LA VÍBORA

1865. Mármol, 88 x 107 cm.

Gran número de escultores del siglo XIX, tuvieron éxito tras una etapa formativa como pensionados en Roma.

La formación italiana de Medina fue definitiva a la hora de desarrollar su trabajo como escultor.

La obra que posee el Prado (1865) fue ejecutada en mármol a partir del yeso que realizó en su cuarto año de pensionado en Roma en 1836. Firmada y fechada.

La escultura, representaba a la bella ninfa Eurídice, esposa del poeta y músico divino Orfeo, quien, durante un paseo, al intentar escapar de Aristeo, que había quedado prendado de su belleza, fue mordida por una serpiente que le provocó la muerte.

Estéticamente sigue el estilo clásico en la formalidad de la figura, la serenidad, la perfecta factura y el dominio técnico y se considera una de las obras más importantes de su autor.

Su inexpresividad clásica no refleja el dolor del momento y casi parece que juega con la serpiente, más que sufrir su mordedura.

Se inspira en la obra de Bartolini, Ninfa mordida por un escorpión. La obra de Bartolini resulta menos idealizada, pues refleja el dolor en el rostro, aunque de forma muy sutil.

La ninfa Eurídice mordida por la víbora

MEDINA Y PEÑAS. EURÍDICE. 1865

MUSEO DEL PRADO, MADRID

 

RUBENS. ORFEO Y EURÍDICE

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 196,5 x 247,5 cm. Museo del Prado

Este episodio es la continuación de la muerte de Eurídice.

En el libro X de las Metamorfosis de Ovidio (1-139) se dice que después de llorarla mucho, el poeta osó descender hasta el Inframundo.

Mientras suplicaba con sus hermosos cantos, ni Hades ni Perséfone, se atrevieron a decir que no a quien suplicaba por el amor de Eurídice.

Orfeo la recibió junto con la condición de no volver hacia atrás sus ojos hasta haber salido del Averno o el regalo quedaría sin efecto.

Este lienzo plasma la salida del Inframundo de estos enamorados, poco antes de llegar al final del Hades, donde Orfeo se dio la vuelta ante el temor de que su amada no le siguiera y Eurídice volvió de nuevo al Inframundo, como habían prometido Plutón y Proserpina.

El lienzo fue realizado por Rubens y su taller y muestra unos cambios con respecto al boceto inicial.

Los cambios con respecto al boceto, conservado en Zúrich, se observan en la arquitectura y la posición de las figuras.

En el caso de esta obra en particular se conserva un posible dibujo preparatorio de Plutón conservado en el Gabinetto Nazionale delle Stampe de Roma.

En la composición Rubens ha separado los dos ámbitos. Eurídice, inspirada en la iconografía de la Venus púdica, blanca y radiante, mientras los dioses del inframundo están sumidos en sombras.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636-1638 aproximadamente, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano el rey Felipe IV.

La decoración de la Torre de la Parada, en cuyo proyecto también participaron otros autores como Velázquez, fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV.

RUBENS. Orfeo y Eurídice

RUBENS. ORFEO Y EURÍDICE. 1636-1638. MUSEO DEL PRADO, MADRID


A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 60 obras para esta casa de recreo situada en los montes de El Pardo.

La mayor parte de las escenas narraban temas mitológicos, descritos en las Metamorfosis de Ovidio y otras fuentes clásicas.

Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, que sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.

Los bocetos servían para obtener el visto bueno del comitente y para que el taller concluyera las zonas de paisaje.

El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana, y uno adquirido en el año 2000.

El Prado también conserva la mayoría de los lienzos realizados a partir de los diseños de Rubens para la decoración de este lugar aunque muchos de los cuadros fueron pintados por otros artistas.

MUERTE DE ORFEO

Las mujeres tracias, que le amaban y se sentían celosas del amor y fidelidad de Orfeo a su esposa, le mataron y despedazaron, arrojando su cuerpo al río, que le llevó hasta el mar.

La cabeza y la lira de Orfeo llegaron a Lesbos. Su lira fue transportada al cielo y se convirtió en constelación.

Su alma pasó a los Campos Elíseos, donde cubierta con un largo ropaje blanco, sigue cantando para los bienaventurados.

Otra tradición dice que el héroe falleció por un rayo de Zeus, irritado por las revelaciones de Orfeo sobre el otro mundo a los iniciados en sus misterios.

Los tres episodios que se representan en el arte sobre Orfeo son:

  • sus habilidades como músico, en los mosaicos romanos;
  • su descenso a los Infiernos en Orfeo y Eurídice de Rubens, Museo del Prado, y
  • su muerte a manos de las celosas mujeres tracias.

Muerte de Orfeo - Émile Lévy (1866)

ÉMILE LÉVY. LA MUERTE DE ORFEO. 1866. MUSEO D’ORSAY

BIBLIOGRAFÍA

  • Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, 2014.
  • Azcue, L. en: El siglo XIX en el Prado, Museo Nacional del Prado, 2007, pp. 404-407 y p. 480.
  • maitearte.wordpress.com
  • Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos
  • museodelprado.es

 

 

 

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Heracles o Hércules latino

HERACLES DE TEBAS, HÉRCULES LATINO

Dra. María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

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Viaje a Nápoles, Costa Amalfitana y Capri. 2015 - Museo Arqueológico de Nápoles - Hércules Farnesio - Hércules en reposo

Hebe - s.-XIX - Museo del Prado, Madrid -

Hércules Farnesio – Hércules en reposo

Viaje a Nápoles, Costa Amalfitana y Capri. 2015

Museo Arqueológico de Nápoles

Hebe – s.-XIX

Museo del Prado – Madrid

Tadolini, Adamo (Bolonia, 1788 – Roma, 1868)

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En la Mitología el tiempo de los héroes se denomina Época heroica y abarca desde el nacimiento de Heracles hasta el final de la Guerra de Troya.

Los héroes acometen grandes hazañas, lidian con seres fantásticos, fundan ciudades y son objetos de culto.

Heracles, a quien los romanos llamaban Hércules, es el héroe divino, el más célebre y popular de toda la Mitología clásica.

En sus orígenes, el hijo de Anfitrión y Alcmena se llamaba Alcides o Alceo, nombre de su abuelo, que evoca la idea de fuerza física.

Heracles es el nombre que le impuso el dios Apolo y la Pitia cuando pasó a ser servidor de Hera y se vio sometido a los trabajos que la diosa ordenó que se le impusieran.

Tras matar a sus propios hijos, nacidos de su esposa Mégara, la Pitia le ordenó que tomase el nombre de Heracles, que significa “la gloria de Hera”, porque los trabajos que iba a emprender glorificarían a la diosa.

Nació en Tebas, pero siempre considerará al Peloponeso y a la Argólide, como su verdadera patria.

Heracles es hijo de Zeus y de Alcmena, una mujer moral descendiente de Perseo.

Zeus, aprovechando la ausencia de su esposo Anfitrión, tomó su forma y aspecto para engañar a Alcmena y así engendró al héroe en una larga noche prolongada por orden suya.

Al día siguiente Anfitrión volvió de la expedición y engendró un segundo hijo, Ificles, hermano gemelo del héroe. Anfitrión se resignó a ser el padre putativo del niño divino.

Zeus afirmó que el niño que nacería del linaje de Perseo reinaría en Argos. Pero Hera, celosa de Alcmena, obtuvo de su hija Ilitía, diosa de los alumbramientos, que se retrasase el nacimiento de Heracles y se adelantase el de su primo Euristeo.

Para que el héroe pudiera ser inmortal, Hermes acercó al niño al seno de la diosa Hera mientras dormía.

Cuando ésta se despertó le apartó, pero ya era demasiado tarde. La leche que fluyó de su pecho dejó en el cielo la estela de la Vía Láctea.

 

RUBENS. EL NACIMIENTO DE LA VÍA LÁCTEA

Museo del Prado. 1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 244 cm.

La historia del nacimiento de la Vía Láctea se narra en diversas obras entre las cuales está Ovidio en el primer libro de sus Metamorfosis (168-171).

Sin embargo éste relato es bastante somero de tal forma que, en el caso del lienzo pintado por Rubens, la fuente es el Poeticon Astronomicon de Higinio.

La leche de Juno convertía a quienes la tomaban en inmortal, por lo que Júpiter colocó allí a Hércules, hijo del dios y de la mortal Alcmena.

Rubens. El nacimiento de la Vía Láctea

RUBENS. LA VÍA LÁCTEA. 1636-1638. MUSEO DEL PRADO, MADRID

Higinio narra como la fuerza del niño hizo despertarse a la diosa, quien, al lanzarle lejos, hizo que su leche se derramara hasta crear la Vía Láctea.

En el lienzo el bebé no es arrojado, sino que la leche sale disparada, lo que hace pensar en una reinterpretación de la narración por parte del artista.

Se introduce a la figura de Zeus (Júpiter) como testigo del suceso, a cuyos pies aparece el águila con los rayos en las garras.

Detrás de Hera aparece su carro de oro tirado por pavos reales, el elemento iconográfico de la esposa de Zeus (Júpiter).

La celosa Hera envió dos enormes serpientes a la cuna de los niños. Ificles empezó a llorar, pero Heracles con sólo 8 ó 10 meses las estranguló con sus poderosas manos. Así Anfitrión se dio cuenta de que Heracles era hijo de un dios.

 

HÉRCULES NIÑO. Primer tercio del siglo XVII. Pórfido, 79 x 72 cm.

 

Hércules niño

HÉRCULES NIÑO. Primer tercio del siglo XVII. Pórfido, 79 x 72 cm. Museo del Prado

En el altorrelieve aparece la figura de Hércules niño, de tamaño natural, encima de su cuna, luchando con una serpiente.

Se muestra gran habilidad técnica por la dificultad de trabajar el pórfido. El hecho de mezclar materiales de distintos colores, aumentando el valor decorativo y es típico del arte Barroco.

 

BIOGRAFÍA DE HERACLES

 

Heracles significa la gloria de Hera. Con el tiempo la diosa se reconcilió con él y se convirtió en su madre inmortal.

En la formación de Heracles intervinieron:

  • Anfitrión, que le enseñó a conducir el carro de guerra.
  • Radamantis quien, como cretense, era un hábil arquero.
  • El Dioscuro Cástor, que le enseñó el manejo de las armas.
  • Lino, que le introdujo en el arte de la música.

 

Su fuerza y su carácter colérico se manifestaron pronto.

A los 18 años realizó su primera hazaña al matar al león de Citerón, fiera devastadora para los rebaños de su padre Anfitrión y del rey Tespio, de un país cercano a Tebas.

Se instaló en el palacio real de Tespio y el monarca, que deseaba tener nietos del héroe, cada noche le envió a cada una de sus 50 hijas, así llegó a ser padre de 50 hijos, los Tespiadas.

Al cabo de esos 50 días consiguió matar al león.

El rey de Tebas, Creonte, le concedió la mano de su hija Mégara. Con ella tuvo varios hijos a los que mató con sus propias manos como consecuencia de un acceso de locura que le envió Hera, que quería que se trasladase a Argos y se pusiera al servicio de Euristeo.

Tras el parricidio intentó suicidarse, pero intervino el prudente héroe Teseo y se le llevó a Atenas. Teseo es el símbolo de la prudencia y la mesura áticas frente a la violencia doria.

El contenido del documento completo es le siguiente:

  • HERACLES DE TEBAS, HÉRCULES LATINO
  • RUBENS. EL NACIMIENTO DE LA VÍA LÁCTEA
  • HÉRCULES NIÑO. Primer tercio del siglo XVII
  • BIOGRAFÍA DE HERACLES
  • LOS DOCE TRABAJOS DE HERACLES
  • 1 – EL LEÓN DE NEMEA, NIETO DE TIFÓN
  • FRANCISCO DE ZURBARÁN (Badajoz, 1598 – Madrid, 1664)
  • HÉRCULES LUCHA CON EL LEÓN DE NEMEA
  • 2 – LA HIDRA DE LERNA, HIJA DE TIFÓN
  • 3 – EL JABALÍ DE ERIMANTO
  • 4 – LA CIERVA DE CERINIA
  • BARCELÓN Y ABELLÁN, JUAN (Lorca, 1739 – Madrid, 1801)
  • HÉRCULES ALCANZA AL CIERVO DE LOS PIES DE BRONCE
  • TALLA DULCE O GRABADO A BURIL
  • 5 – LAS AVES DEL LAGO ESTINFALO, ARCADIA
  • BARCELÓN Y ABELLÁN, JUAN (Lorca, 1739 – Madrid, 1801)
  • 6 – LOS ESTABLOS DE AUGIAS, EN EL PELOPONESO
  • ZURBARÁN. HÉRCULES DESVÍA EL CURSO DEL RÍO ALFEO
  • 7 – EL TORO DE CRETA
  • ZURBARÁN. HÉRCULES Y EL TORO DE CRETA
  • 8 – LAS 4 YEGUAS DEL REY DIOMEDES EN TRACIA
  • 9 – EL CINTURÓN DE LA REINA DE LAS AMAZONAS
  • 10 – LOS BUEYES DEL GERIONES O GERIÓN
  • 11 – EL CAN CERBERO DE TRES CABEZAS
  • HÉRCULES SE LLEVA A CERBERO
  • 12 – LAS MANZANAS DE ORO DEL JARDÍN DE LAS HESPÉRIDES, EL REGALO DE BODA DE GEA A HERA
  • ARANJUEZ, JARDÍN DEL PARTERRE
  • ATLANTE. PALACIO DUCAL DE VENECIA
  • HÉRCULES FARNESIO. MUSEO ARQUEOLÓGICO, NÁPOLES
  • HÉRCULES Y LA REINA ÓNFALE
  • HERACLES Y ÓNFALE, MUSEO DEL PRADO
  • MATRIMONIO, MUERTE Y APOTEOSIS DE HERACLES
  • HEBE
  • Tadolini, Adamo (Bolonia, 1788 – Roma, 1868)
  • ICONOGRAFÍA DE HÉRCULES
  • ANNIBALE CARRACCI. HÉRCULES EN LA ENCRUCIJADA
  • PACHECO. LA APOTEOSIS DE HÉRCULES. 1603-1604. SEVILLA
  • BIBLIOGRAFÍA

 

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Divinidades Mitológicas de la Tierra

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DE LA TIERRA

 

PAN (FAUNO). DIOS DE LOS PASTORES Y LOS REBAÑOS

 

PAN (FAUNO). DIOS DE LOS PASTORES Y LOS REBAÑOS

Pan (en griego “todo”) es el dios de los pastores y los rebaños, originario de Arcadia, cuyo culto se propagó por toda Grecia y el mundo helénico.

Pan ha sido considerado hijo de varias parejas, entre ellas:

Urano y Gea

Crono y Rea

Zeus y Calisto

Si es hijo de Zeus y Calisto sería hermano gemelo de Árcade, el héroe de Arcadia.

Era la divinidad más importante del cortejo de Dioniso. Habitaba con las ninfas a las que espiaba y perseguía.

Se le representa mitad hombre y mitad animal, por lo que es muy activo en la actividad sexual, persiguiendo a ninfas y efebos.

Pan amó a la ninfa Eco y a la diosa de la Luna, Selene.

Su torso es de hombre velludo y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas.

Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy astuto y arrugado con barba.

Su torso es de hombre velludo y su parte inferior de macho cabrío con pezuñas.

Posee 2 cuernos en la frente y un rostro muy astuto y arrugado con barba.

Su agilidad es prodigiosa. Es rápido en la carrera y trepa por las rocas

Su atributo es la siringa, flauta formada por una serie de cinco a siete pequeños tubos de desigual tamaño unidos en paralelo y ordenados de mayor a menor.

Pan es una divinidad griega que se terminó identificando con el dios romano Fauno por la similitud de sus atributos.

CASA DE FAUNO. POMPEYACASA DE FAUNO. POMPEYA

ARCADIA

Arcadia era una región de la antigua Grecia que, con el tiempo, se ha convertido en el nombre de un país bucólico, creado y descrito por diversos poetas y artistas, sobre todo, del Renacimiento y el Romanticismo.

En este lugar imaginado reina la felicidad y la paz en un ambiente idílico, habitado por pastores que viven en la Naturaleza.

El tema es parte de mitos de la Grecia antigua y era mencionado en los cuentos populares y en los discursos de algunos sabios como ejemplo de vida.

Entre los artistas que plasman la Arcadia en sus obras tenemos a: Virgilio, Garcilaso, Miguel de Cervantes, Lope de Vega y Nicolás Poussin.

 

NICOLÁS POUSSIN (París, 1594 – Roma, 1665)

1637-1638. Óleo sobre lienzo. 87 x 120 cm

Poussin nació en París, pero vivió y se inspiró en Roma, donde estudió el arte antiguo y las esculturas romanas.

El conocimiento de las esculturas clásicas es evidente en su obra “Et in Arcadia Ego”.

La dama y los pastores, que portan sus cayados, llevan una indumentaria de época clásica. Todos son jóvenes, fuertes y hermosos, símbolo del ideal de belleza de Grecia.

En la inscripción de la sepultura está escrito el título del cuadro: et in Arcadia ego. “Yo estoy en la Arcadia”.

En un bucólico lugar pastoril la muerte está presente en la tumba, pero con armonía, sin sentido de pérdida y dolor.

Los personajes, sus gestos y sus miradas, son un reflejo de la exquisita belleza de las pinturas de Poussin.

POUSSIN. ET IN ARCADIA EGO. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS
POUSSIN. ET IN ARCADIA EGO. MUSEO DEL LOUVRE, PARÍS

PAN Y DAFNIS

Dafnis es un semidiós siciliano hijo de Hermes y de una ninfa. Fue educado por las ninfas que le enseñaron el arte del pastoreo.

Nació en un bosque de laureles, de ahí su nombre.

Pan le instruyó en el arte de la Música.

Mientras pacían sus bueyes, Dafnis tocaba la siringa y cantaba canciones bucólicas, género inventado por él.

Dafnis poseía una extraordinaria belleza y fue amado por numerosas ninfas y mujeres. Pero murió en plena juventud.

Dafnis prometió fidelidad eterna a la ninfa que amaba, Nomia, la Pastora.

Pero la hija del rey de Sicilia se las ingenió para embriagarle y unirse a él. Nomia, presa de cólera, le privó de la vista. Dafnis ciego cantaba canciones tristes y en su dolor se arrojó desde lo alto de una peña.

Otra versión dice que su padre Hermes se le llevó con él.

Una fuente estaba vinculada a su recuerdo y todos los años se ofrecían sacrificios en su honor.

PAN Y DAFNIS. PALACIO ALTEMPS, ROMA

PAN Y DAFNIS. PALACIO ALTEMPS, ROMA

SILENO Y EL REY MIDAS

Sileno es un nombre genérico que se da a los sátiros llegados a la vejez.

Es también el nombre de un personaje que pasaba por haber educado a Dioniso.

Se le consideraba hijo de Pan o de Hermes y de una ninfa.

Sileno era feo. Tenía la nariz muy chata y una enorme barriga.

Se le solía representar cabalgando un asno sobre el cual se sostenía a duras penas por estar borracho.

Sileno poseía gran sabiduría, pero sólo la revelaba a los humanos por la fuerza, como sucedió con el rey Midas.

Ovidio en sus Metamorfosis cuenta que Sileno, extraviado, porque se había dormido lejos del cortejo de Dioniso, fue encadenado por unos campesinos y conducido a la corte de Midas, rey de Frigia.

El rey, que había sido iniciado en los misterios, le reconoció y le recibió con grandes honores. Después le acompañó al séquito de Dionisos.

Sileno en agradecimiento le ofreció realizar el deseo que formulase. En seguida Midas pidió que todo lo que tocase se convirtiese en oro.

Pero el pan y el vino se convertían en oro, así que Midas suplicó que le retirasen este pernicioso don. (Avaricia)

Dioniso le dijo que se lavara en la fuente de Pactolo. Así Midas quedó libre del don y las aguas de la fuente se llenaron de pepitas de oro.

RIBERA, JOSÉ DE. SILENO EBRÍO. MUSEO DE CAPODIMONTE, NÁPOLES

RIBERA, JOSÉ DE. SILENO EBRÍO. MUSEO DE CAPODIMONTE, NÁPOLES

 

PRÍAPO, LA VIRILIDAD

Príapo, hijo de Afrodita y Dioniso, tenía como misión guardar las viñas y los jardines.

Los romanos colocaban estatuas de Príapo en sus jardines para garantizar sus cosechas.

Tenía la virtud de desviar “el mal de ojo” y anular el maleficio de los envidiosos que trataban de perjudicar las cosechas.

Príapo era el dios de la Fecundidad y fue incluido en el cortejo de Dioniso.

Al igual que Sileno, es representado con frecuencia en compañía de un asno.

Según otras versiones es hijo de Zeus y Afrodita. El dios se enamoró de la bella Afrodita y se unió a ella. La celosa Hera, temerosa de que el niño tuviera la belleza de su madre y el poder de su padre, tocó el vientre de Afrodita, de modo que el niño nació deforme.

PRÍAPO. FRESCOS ROMANOS. CASA DE LOS VETTII, POMPEYA

PRÍAPO. FRESCOS ROMANOS. CASA DE LOS VETTII, POMPEYA

Príapo nació con un miembro viril enorme y desmesurado. Afrodita temió las burlas y le abandonó en el monte.

Le descubrieron unos pastores que le criaron y le rindieron culto a la virilidad, convirtiéndole en un dios rústico.

En los frescos de Pompeya encontramos una pintura de Príapo, subiéndose la túnica para exhibir su enorme miembro, símbolo de la fecundidad, que se dispone a pesar en una balanza.

Pablo Ruíz Picasso le dedicó una escultura a este singular personaje de la Mitología.

 

LOS SÁTIROS, SÍMBOLO DE LA LUJURIA

Los sátiros, llamados también silenos, son genios de la Naturaleza incorporados al séquito de Dioniso y Pan.

Los sátiros suelen representarse con:

· Torso de hombre,

· Orejas puntiagudas,

· La parte inferior de macho cabrío,

· Una larga cola semejante a la de los caballos,

· Un miembro viril perpetuamente erecto y de proporciones sobrehumanas, indicio de su gran apetito sexual.

Con el tiempo los miembros inferiores se convierten en humanos y sólo queda la cola posterior como testimonio de su antigua forma.

Con el tiempo los sátiros se asimilaron al lado salvaje de la naturaleza y a la lujuria, sirviendo de pretexto a los pintores para representar escenas eróticas con desnudos femeninos.

Eran imaginados bailando en el campo, bebiendo con Dioniso y persiguiendo a las ninfas y a las ménades.

El sátiro más famoso es Marsias que osó desafiar al dios Apolo y eso le costó la terrible tortura de ser desollado vivo.

SÁTIRO. CERÁMICA ROJA SOBRE FONDO NEGRO

SÁTIRO. CERÁMICA ROJA SOBRE FONDO NEGRO

ANTÍOPE

Antíope, de extraordinaria belleza, fue amada por Zeus, que se unió a ella en forma de sátiro. Tuvo del dios 2 gemelos.

Antes de nacer sus hijos huyó de su casa por temor a la ira de su padre, pero éste desesperado por la desaparición de su hija se suicidó, encargándole a su hermano Lico que le vengase.

Lico se llevó a su sobrina a Tebas y su esposa y él la encadenaron y maltrataron, teniendo una triste existencia.

En el camino dio a luz a sus dos hijos y Lico ordenó que los abandonasen en el campo, aunque Anfión y Zeto fueron recogidos y criados por unos pastores.

PIERRE, JEAN-BAPTISTE. 1745 - 1749. JÚPITER Y ANTÍOPE.

PIERRE, JEAN-BAPTISTE. 1745 – 1749. JÚPITER Y ANTÍOPE.

MUSEO DEL PRADO, MADRID

LAS MÉNADES

Las ménades “mujeres posesas” son las bacantes divinas que acompañan a Dioniso.

Llevan coronas de hiedra y a veces tocan la doble flauta (aulós) entregándose a danzas apasionadas.

Ejercen dominio sobre las fieras. Pueden cabalgar panteras o tener lobeznos en brazos.

Se las representa desnudas o vestidas con velos ligeros y personifican los espíritus orgiásticos de la naturaleza.

MÉNADE BAILANDO. COPIA ROMANA. MUSEO DEL PRADO, MADRID

MÉNADE BAILANDO. COPIA ROMANA. MUSEO DEL PRADO, MADRID

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

maitearte.wordpress.com

 


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Divinidades Mitológicas del Agua

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DEL AGUA

El triunfo de Galatea

EL TRIUNFO DE GALATEA

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DEL MAR

NEREO, EL VIEJO DIOS DEL MAR

Nereo es hijo de Gea (la Tierra) y Ponto (la Ola marina).

Es una divinidad de las fuerzas elementales del Mundo y existía antes de los dioses Olímpicos.

NEREO. MUSEO DE CARMONA. SEVILLA            NEREO. MUSEO DE CARMONA. SEVILLA

Su esposa fue Dóride, hija de Océano, con la que engendró a las Nereidas.

Nereo, el Viejo del Mar, como casi todos los dioses marinos tiene el don de metamorfosearse en toda clase de animales y seres.

Es un dios bienhechor y benévolo para los marineros.

Se le representa con barba cana, cabalgando un tritón y armado con un tridente.

 

LAS NEREIDAS, LAS OLAS DEL MAR

Las Nereidas son divinidades marinas,hijas de Nereo y Dóride, y nietas de Océano, y por lo tanto son inmortales.

Como todas las divinidades marinas tienen el don de transformarse.

Las Nereidas personifican las olas del mar. Generalmente son 50, pero a veces su número se eleva a 100.

Las Nereidas vivían en el fondo del mar, en el palacio de su padre, sentadas en tronos de oro.

Eran bellísimas y pasaban el tiempo cantando y tejiendo.

Los poetas se las imaginaban meciéndose en las olas, con los cabellos al viento, nadando entre tritones y delfines.

Las Nereidas más destacadas son:

Tetis, madre de Aquiles,                                              

Anfitrite, esposa de Posidón, y

Galatea, el gran amor de Polifemo.

GALATEA

Galatea juega un papel primordial en las leyendas populares de Sicilia. Es la doncella blanca que habita en el mar en calma.

Galatea es amada por el Cíclope siciliano Polifemo, pero ella no le corresponde porque está enamorada del bello Acis, hijo del dios Pan y de una ninfa.

Un día, mientras Galatea descansaba sobre el pecho de Acis, en la orilla del mar, Polifemo los vio, sintió celos y arrojó una enorme roca con la que aplastó a Acis mientras intentaba huir.

Galatea convirtió a su amado en un río de limpias aguas.

RAFAEL. TRIUNFO DE GALATEA. VILLAFARNESINA. ROMA  

Agostino Chigi, un comerciante rico de Siena, le encargó a Raffaello pintar una logia de su palacio Chigi, en el Trastevere.

Raffaello (Urbino, 1483 – Roma, 1520) se deleitaba con las mujeres y los placeres carnales y falleció a los 37 años.

Cuando su amigo Agostino Chigi le encargó que pintara la primera logia en su palacio, Raffaello no prestaba atención a su trabajo, debido a la pasión por su amante.

Agostino cayó en tal desesperación, que consintió que esta dama viniera a vivir con Raffaello en la parte de la casa donde trabajaba y de esta manera se completó el trabajo.

Margarita Luti (1493-1522), hija un panadero de Siena, conocida como la Fornarina, aparece en muchas composiciones de Rafael, especialmente entre 1510 y 1520.

Pintó muchas figuras al fresco con su propia mano:

  • La nereida Galatea triunfal en un carro tirado por dos delfines y rodeado por Tritones y muchos dioses del mar.
  • En el techo hizo el Concilio de los Dioses de la antigüedad, ejecutados con gracia y destreza.
  • De la misma manera hizo el matrimonio de Psique acompañado de las Gracias distribuyendo flores sobre la mesa.

(Vasari “Le Vite de più eccellenti pittori, scultori e architetti”).

LOGIA DE GALATEA

La Loggia toma su nombre del fresco de la nereida Galatea de Raffaello Sanzio, quien lo pintó con delicados rasgos faciales y un bellísimo cuerpo, transportado sobre el agua en un carro formado por una concha tirada por delfines y alrededor de un Fiesta de tritones, cupidos y nereidas.

La logia fue pintada al fresco por diferentes artistas:

El primero fue Baldassar y Peruzzi, quienes en 1511 pintaron el horóscopo de Agostino Chigi en la bóveda.

En el invierno de 1511-1512, Sebastiano del Piombo, uno de los mejores talentos pictóricos venecianos, pintó las escenas mitológicas de los nueve lunetos con varias escenas tomadas de las Metamorfosis de Ovidio.

Peruzzi decoró el décimo con una cabeza gigantesca de un joven, que la leyenda quería que fuera la obra del gran Miguel Ángel Buonarroti.

La leyenda dice que Miguel Ángel, curioso de examinar cómo procedían los frescos de Rafael, ya que este último no permitía que nadie viera su trabajo, se disfrazó de vendedor distrayendo a los guardianes con mercadería.

Una vez que entró en el palacio, pudo admirar el trabajo de su rival. Incapaz de resistir la tentación, tomó un trozo de carbón y pintó una cabeza hermosa y gigantesca, sin ningún color, antes de marcharse.

POLIFEMO Y EL TRIUNFO DE GALATEA

POLIFEMO Y EL TRIUNFO DE GALATEA VILLAFARNESINA. TRASTÉVERE, ROMA


Sebastiano del Piombo pintó una gran figura de Polifemo en una pared, el eterno enamorado de Galatea, originalmente desnudo y después se le vistió de azul.

ANFITRITE Y NEPTUNO

Escultura de Anfitrite (1866) realizada por François Théodore Devaulx (1808–1870).

Ubicada en la fachada norte del patio cuadrado del Palacio del Louvre, en París.

ANFITRITE (1866). PATIO CUADRADO DEL PALACIO DEL LOUVRE, PARÍS.

ANFITRITE (1866). PATIO CUADRADO DEL PALACIO DEL LOUVRE, PARÍS.


Se la representa rodeada de divinidades marinas.

Anfitrite es la reina del Mar, “La que rodea el mundo”.

Esta nereida es hija de Nereo y Dóride y dirige el coro de sus hermanas.

Cuando danzaba un día con ellas, cerca de la isla de Naxos, Poseidón la vio y la raptó porque la amaba desde hacía mucho tiempo.

Los delfines la condujeron en medio de un solemne cortejo hasta Poseidón, quien la hizo su esposa, desempeñando junto al dios el mismo papel que Hera junto a Zeus.

Los matrimonios de los Dioses Olímpicos fueron:

  • Zeus – Hera
  • Poseidón – Anfitrite
  • Hades – Perséfone

 

LA NEREIDA TETIS Y SU HIJO AQUILES

La nereida Tetis, hija de Nereo y su esposa Dóride, es la más célebre de todas las nereidas y como todas las divinidades marinas es inmortal.

Tetis fue criada por Hera, de igual forma que la esposa de Zeus había sido criada por la titánide Tetis, hija de Gea y Urano.

Tetis recogió y cuidó a Hefesto, que cayó en el Océano, al ser arrojado desde el Olimpo por su padre Zeus por intervenir en favor de su madre Hera.

Zeus y Posidón quisieron conquistar a la bella nereida Tetis, pero el oráculo de Temis reveló que el hijo que naciera de ella sería más poderoso que su padre.

Los dos grandes dioses no insistieron y se la cedieron a un mortal, para quien el cumplimiento de esta profecía no significaba ningún inconveniente.

El centauro Quirón se apresuró a aconsejar a su protegido Peleo, rey de Ptía (Tesalia), que aprovechase esta ocasión para casarse con una divinidad.

La boda de Tetis y Peleo se celebró en el monte Pelión y a ella asistieron los dioses. Las Musas cantaron y todos ofrecieron un regalo a los recién casados.

Poseidón les regaló 2 caballos inmortales, que más tarde aparecerán unidos al carro de su hijo Aquiles.

La diosa Éride, personificación de la Discordia, lanzó sobre la mesa una manzana de oro que debía ser otorgada a la diosa más hermosa.

Hera, Atenea y Afrodita se disputaron esa manzana de oro y nadie quiso pronunciarse por una de las tres divinidades.

Zeus encargó a Hermes que guiase a las tres diosas al monte Ida, para que Paris resolviese el tema.

Hermes persuadió a Paris para que actuase de árbitro, por ser esa la voluntad de Zeus.

Las tres diosas defendieron ante él su propia causa y cada una le prometió su protección y determinados dones si fallaba en su favor:

  • Hera se comprometió a darle poder y el imperio de Asia.
  • Atenea le ofreció sabiduría y la victoria en todos los combates.
  • Afrodita le brindó el amor de la más hermosa entre todas las mujeres, la bellísima Helena, reina de Esparta.

Paris se decantó por Afrodita y ella le concedió el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, esposa de Menelao, rey de Esparta.

Paris raptó a Helena y se la llevó a Troya, dando origen a la famosa Guerra de Troya.

Los pintores han representado a Paris como un pastor en un escenario bucólico y silvestre.

JORDAENS, JACOB. LAS BODAS DE TETIS Y PELEO

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 288 cm.

Jordaens colaboró con Rubens y fue muy influido por éste, aunque mantuvo su propia personalidad.

Van Dyck acentuó el lado aristocrático de Rubens. En cambio Jordaens se inclinó por el popular y cotidiano, aunque también trabajó el tema mitológico.

Las bodas de Tetis y Peleo se narran en las Fábulas de Higinio. Cuando se casaron Tetis y Peleo, Júpiter había invitado a todos los dioses al banquete excepto a la Discordia.

Ésta se presentó más tarde, pero no fue admitida en el banquete. Así que lanzó una manzana y dijo que la cogiera la más hermosa.

Juno, Venus y Minerva comenzaron a reivindicar para sí el título de belleza y surgió entre ellas una gran discordia.

Júpiter ordenó a Mercurio que las llevara al Monte Ida (Turquía),  junto a Paris, y que él actuara como juez.

Esta historia es importante porque es el inicio del famoso episodio El Juicio de Paris, del cual el Museo del Prado conserva dos obras de Rubens, una encargada por Felipe IV y realizada coetáneamente a la serie de la Torre de la Parada.

Al elegir Paris a Venus, quien le había prometido entregarle a Helena, desencadenó la Guerra de Troya.

S. Alpers, autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada hasta la fecha, dice que el episodio de la boda entre Tetis y Peleo no tiene tradición en las ediciones ilustradas de las Metamorfosis de Ovidio por lo que se insertaría más bien en la tradición de representar el “Festín de los dioses” que tanto gusta a los artistas.

Jordaens realizó obras de complicada ejecución y con bastantes personajes como: La caída de los gigantes, Apolo vencedor de Pan y ésta.

Es uno de los episodios con mayor número de personajes que forman parte de la Torre de la Parada, donde el movimiento, el dramatismo y la gran variedad de posturas son primordiales.

Éride es un personaje alado con rostro expresionista.

Tetis y Peleo aparecen a la derecha, apartados a la disputa.

Minerva, con sus atributos bélicos, se abalanza sobre la mesa.

Detrás de ella está Diana con la media Luna sobre la cabeza.

Venus está acompañada de su hijo Cupido.

Juno está sentada junto a su marido, Júpiter, que tiene la manzana en la mano para dársela a Mercurio, pero ella extiende la mano esperando recibirla.

El cuadro aparece firmado en la silla de Peleo con la siguiente inscripción: “I. IR. fecit Ao 16”.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados entre 1636-1638, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano el rey Felipe IV.

JORDAENS, JACOB. LASBODAS DE TETIS Y PELEO. MUSEO DEL PRADO

JORDAENS, JACOB. LAS BODAS DE TETIS Y PELEO. MUSEO DEL PRADO

Del matrimonio de Tetis y Peleo nacieron varios hijos, pero Tetis los mataba al acercarles al fuego para intentar convertirlos en inmortales.

Sólo su hijo pequeño, el famoso Aquiles se salvó, cuando su padre se le arrancó de las manos cuando ella le ponía al fuego para convertirle en inmortal. Estos hechos provocaron la ruptura del matrimonio entre Tetis y Peleo.

Tetis baño a Aquiles en las aguas del río Éstige, el río infernal, para hacerle invulnerable.

Sin embargo, el talón por el que sostenía al niño no fue tocado por el agua milagrosa y era su única zona vulnerable.

Cuando Aquiles tenía 9 años, el adivino Calcante anunció que Troya no podría ser tomada sin él.

Tetis, que sabía que Aquiles estaba destinado a morir ante la ciudad, le llevó junto a Licomedes, rey de Esciros, y le ocultó entre sus hijas durante 9 años llamándose Pirra “la rubia”.

Pero Aquiles no pudo escapar a su destino y fue descubierto por Ulises, que se presentó en la corte disfrazado de mercader.

Las princesas eligieron telas y joyas, pero Aquiles escogió las armas que estaban disimuladas entre ellas, no pudiendo así escapar a su destino. Su madre procuró protegerle por todos los medios, pero todo fue en vano.

Tetis le entregó a Aquiles la armadura divina que Hefesto le ofreció a Peleo como regalo de bodas. Añadió a ella los 2 caballos inmortales, que Posidón les obsequió en la boda y que después reaparecerán en el carro de Aquiles. 

La Ilíada manifiesta la cólera de Aquiles en el décimo y último año de la Guerra de Troya.

Su gran amigo Patroclo sucumbe a manos de Héctor y Aquiles le venga matando a Héctor, pero se niega a entregar el cadáver a su padre, el rey de Troya, y arrastra el cuerpo de Héctor alrededor de Troya.

Los dioses, indignados por la falta de respeto de Aquiles hacia los muertos, hacen que Zeus le pida a Tetis que su hijo entregue el cadáver de Héctor a su padre, el rey Príamo de Troya.

Finalmente, hay varias versiones sobre la muerte de Aquiles. Una se le atribuye a Paris, que mata al héroe en el templo de Apolo. Otra cuenta que Aquiles seguía luchando a las puertas de Troya y el dios Apolo le ordenó retirarse, pero como no obedeció el propio Apolo le dirigió una flecha al único punto vulnerable del cuerpo del héroe, el talón.

LAS SIRENAS

Las sirenas son genios marinos, mitad ave y mitad mujer, que se mencionan por primera vez en la Odisea.

Según Apolodoro, una tocaba la lira, otra cantaba y la tercera tocaba la flauta.

La leyenda más antigua dice que las sirenas habitaban en una isla del Mediterráneo y con su música atraían a los navegantes que pasaban por sus parajes.

Los barcos se acercaban hasta la costa rocosa de la isla y zozobraban y las sirenas devoraban a los imprudentes marinos.

Los Argonautas pasaron cerca de las sirenas, pero Orfeo cantó tan melodiosamente, mientras el Argo estuvo al alcance de su música, que los héroes no sintieron la necesidad de acercarse.

Ulises (Odiseo) al regresar de Troya, prudente y curioso a la vez, quería oír a las sirenas. Para ello ordenó a sus compañeros que le atasen fuertemente al mástil y dio orden de que nadie le desatase por insistentes que fuesen sus ruegos.

También mandó a sus marineros que se  tapasen los oídos con cera pero él no se los tapó para disfrutar de esa dulce música. Estaba siguiendo los consejos de la maga Circe, que le había advertido del gran peligro que suponían las sirenas.

Cuando empezó a oír a las sirenas, Ulises sintió un invencible deseo de ir hacia ellas, pero sus compañeros se lo impidieron.

Se dice que las sirenas, despechadas por su fracaso, se precipitaron al mar y perecieron ahogadas.

Tradicionalmente, la isla de las Sirenas se sitúa frente a Sorrento, en la bellísima Costa Amalfitana.

Posteriormente fueron consideradas divinidades del Más Allá, que cantaban para los bienaventurados en las Islas Afortunadas.

Pasaron a representar la armonía celestial y como tal aparecen a menudo en los sarcófagos.

Su mítica belleza y cola de pez son derivaciones posteriores.


SIRENA. MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL DE ATENAS

SIRENA. MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL DE ATENAS

MOSAICO. MUSEO DEL BARDO, TÚNEZ

MOSAICO. MUSEO DEL BARDO, TÚNEZ

DIVINIDADES DE AGUA DULCE

LOS RÍOS

Según Hesíodo, los Ríos son hijos de Océano y Tetis.

Eran poderes benéficos, creadores y purificadores.

Los ríos son imprescindibles, ya que si no hay agua no puede haber vida. Por eso todas las ciudades se asientan en las proximidades de un río.

Herodoto decía que el Nilo es el gran don de Egipto.

Sin este impresionante río la vida en Egipto sería imposible, ya que ambas orillas son un vergel en medio del desierto.

El Nilo era considerado un rey que había fertilizado Egipto. Se le representa como un hombre recostado y rodeado de símbolos de fertilidad como niños y la cornucopia. 

La cornucopia o el cuerno de la abundancia es el símbolo de la prosperidad y fertilidad. Amaltea fue la nodriza que crió a Zeus con la leche de una cabra. Un día Zeus jugando quebró un cuerno del animal y se le regaló a Amaltea, prometiéndole que el cuerno se llenaría milagrosamente de todos los frutos que ella deseara.

 

Capitolio - Fuente de los rios Tiber y Nilo. En el centro la diosa Minerva - Eduardo©2014
EDIFICIO DEL AYUNTAMIENTO DE ROMA EN EL CAPITOLIO

 

El Capitolio - Rio Nilo - Eduardo©2012

ESCULTURA DEL RÍO NILO. CAPITOLIO. ROMA

 

Identificamos esta escultura con el río Nilo por la esfinge sobre la que apoya su brazo izquierdo y por la cornucopia.  

           

El Capitolio - Rio Tiber - Eduardo©2012

          ESCULTURA DEL RÍO TÍBER. CAPITOLIO. ROMA

En esta escultura identificamos el río Tíber por los gemelos Rómulo y Remo y por la cornucopia.

LAS NINFAS

Eran las doncellas que poblaban los campos, los bosques y los lagos. Son muy longevas pero mortales.

Con su gracia personifican los espíritus de la Naturaleza.

Se consideran hijas de Zeus y personifican la fecundidad y la belleza.

Habitaban en grutas donde pasan la vida hilando y cantando y formaban parte del séquito de Ártemis.

Las ninfas desempeñan un importante papel en las leyendas. Son las “hadas” que aparecen en las narraciones.

La vida amorosa de las ninfas es muy variada:

·      Son esposas del héroe de una ciudad o de un país.

·      Aman a los dioses: Zeus, Apolo, Hermes, Dionisos.

·      Son amantes de los espíritus masculinos de la Naturaleza: Pan, los Sátiros, Príapo, etc.

·      Dafne, Eco, Calisto, tienen amores especiales.

ECO Y NARCISO

Eco es el nombre de una ninfa de los bosques que se consumió por su amor hacia Narciso.

En las Metamorfosis de Ovidio se narra que al nacer el niño el adivino Tiresias dijo que viviría muchos años si no se contemplaba a sí mismo.

Narciso era un hermoso joven que despreciaba el amor. Era objeto de la pasión de numerosas doncellas y ninfas, pero siempre permanecía insensible.

La ninfa Eco se enamoró de él y desesperada ante su negativa se retiró a un lugar solitario, donde adelgazó tanto, que de su persona sólo quedó una voz lastimera.

Esta es la leyenda del eco que repite las últimas sílabas de las palabras que se pronuncian.

Las jóvenes despechadas pidieron venganza a los dioses.

Némesis, que personifica la venganza divina, lo escuchó y un día muy caluroso, después de una cacería, Narciso se inclinó sobre una fuente para calmar su sed.

Allí ve la imagen de su bello rostro y se enamora de él en el acto. Insensible al resto del mundo, se deja morir inclinado sobre su propia imagen.

En el lugar de su muerte brotó una flor, a la que se dio su nombre: el narciso.

FELIPE IV (1605-1665), EL REY PLANETA

(8 de abril de 1605, Valladolid – 17 de septiembre de 1665, Madrid).

Hijo de Felipe III y Margarita de Austria, se casó en dos ocasiones:

1.  Con Isabel de Borbón en 1615

2.  Con Mariana de Austria en 1648

Sólo tres de sus hijos sobrevivieron: María Teresa, Margarita y Carlos II.

Tuvo además un hijo fuera de sus matrimonios, don Juan José de Austria, en 1629, con la actriz María Calderón, conocida como “La Calderona”.

1-ISABEL DE BORBÓN

(22 de noviembre de 1602, Palacio de Fontainebleau, Francia – 6 de octubre de 1644, Madrid).

Hija del rey Enrique IV de Francia y de su segunda esposa, María de Médicis, y hermana de Luis XIII de Francia.

Hijos: Príncipe Baltasar Carlos e Infanta María Teresa.

Baltasar Carlos de Austria

(17 de octubre de 1629, Madrid – 9 de marzo de 1646, Zaragoza). Murió con 16 años.

María Teresa de Austria – Luis XIV

(10 de septiembre de 1638, San Lorenzo de El Escorial – 30 de julio de 1683, Palacio de Versalles, Francia).

Se casó con Luis XIV de Francia, llamado “el Rey Sol”.

(Saint-Germain en Laye, Francia, 5 de septiembre de 1638-Versalles, Francia, 1 de septiembre de 1715).

Hijo: Luis de Francia, el Gran Delfín (Fontainebleau, 1 de noviembre de 1661 – Castillo de Meudon, 14 de abril de 1711).

En su nacimiento fue predicho que sería hijo de un rey, padre de un rey, pero nunca rey y así fue porque murió en 1711 y su padre, Luis XIV, siguió reinando hasta 1715.

Renunció a su derecho al trono español en la Guerra de Sucesión Española en favor de su segundo hijo, Felipe, duque de Anjou.

El hijo mayor de Luis, el Gran Delfín, y María Ana Cristina de Baviera, fue Luis de Francia (Versalles, 16 de agosto de 1682-Marly-le-Roi, 18 de febrero de 1712), Duque de Borgoña.

Ocupaba el segundo puesto en la línea sucesoria de su abuelo paterno, Luis XIV. Luis ascendió al primer puesto en dicha línea tras la muerte de su padre en 1711.

El y su esposa, enfermaron de sarampión y murieron en seis días. Su hijo mayor también murió por la misma enfermedad.

Su hijo menor sobrevivió para llegar a ser Luis XV de Francia en 1715.

2- MARIANA DE AUSTRIA

(24 de diciembre de 1634, Wiener Neustadt, Austria – 16 de mayo de 1696, Madrid).

Hija del emperador Fernando III de Habsburgo y de la infanta María  Ana de España (hija del rey Felipe III y Margarita de Austria).

Hermanos: Leopoldo I de Habsburgo y Fernando IV de Hungría.

Desde la infancia estuvo comprometida con su primo Baltasar Carlos. Al morir el príncipe Baltasar Carlos, Mariana de Austria se convirtió en 1649 en la segunda esposa de su tío, Felipe IV, 29 años mayor que ella.

Desde 1665 fue regente como madre de Carlos II.

Hijos: Carlos II de España, Margarita de Austria y Felipe Próspero.

Felipe Próspero (1657-1661)

Su nacimiento como heredero propulsó la política matrimonial para sus hermanas.

María Teresa fue prometida a su primo Luis XIV de Francia y Margarita a su tío Leopoldo I de Austria.

Murió con tan sólo 4 años. Su hermano Carlos II nació ya como heredero de la Corona.

Margarita de Austria – Emperador Leopoldo I

(12 de julio de 1651, Real Alcázar de Madrid – 12 de marzo de 1673, Palacio de Viena, Austria).

Infanta de España y Emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico por su boda con su tío, el emperador Leopoldo I

Hija: María Antonia de Austria (18 de enero de 1669, Viena, Austria – 24 de diciembre de 1692, Viena, Austria).

M. Antonia se casó con Maximiliano II de Baviera y fue madre de José Fernando de Baviera (28 de octubre de 1692, Viena, Austria – 6 de febrero de 1699, Bruselas, Bélgica).

José Fernando de Baviera, Príncipe Elector de Baviera, fue el heredero de todos los reinos de la Monarquía Hispánica desde 1696, por el testamento del rey Carlos II de España, hasta su muerte en 1699, a los 6 años.

CARLOS II, “EL HECHIZADO”, (1661-1700)

(6 de noviembre de 1661, Real Alcázar de Madrid – 1 de noviembre de 1700, Madrid).

En 1661, Carlos II nace a los 5 días de morir su hermano Felipe Próspero. Por lo tanto, nace como heredero de la Corona.

Mariana de Austria, tras enviudar en 1665, fue Regente hasta que su hijo empezó a reinar en 1675.

Carlos II se convierte en rey a los 14 años 1677. Mariana de Austria se retira a Toledo.

Carlos II de España, llamado “el Hechizado”,  hijo de Felipe IV y Mariana de Austria fue el último rey de la Casa de Austria.

Se casó en dos ocasiones: con María Luisa de Orleans y con Mariana de Neoburgo.

1. María Luisa de Orleans

(27 de marzo de 1662, Palacio Real, París, Francia – 12 de febrero de 1689, Real Alcázar de Madrid).

Hija del duque Felipe de Orleáns y Enriqueta de Inglaterra, era a su vez sobrina de Luis XIV. Se la conoce como la reina estéril.

2. Mariana de Neoburgo

(28 de octubre de 1667, Düsseldorf, Alemania – 16 de julio de 1740, Guadalajara).

Hija de Felipe Guillermo de Neoburgo y de la fértil Isabel Amalia de Hesse (tuvo 23 hijos).

Era cuñada del emperador Leopoldo I y tenía una madre muy fértil. Por estas dos razones se escogió a una princesa emparentada con la poderosa rama austriaca de los Habsburgo.

Carlos II falleció sin descendencia el 1 de noviembre de 1700, a los 38 años, aunque parecía mayor de esa edad.

Con él concluye la Casa de Austria en España al morir sin descendencia.

En 1700 le sucede Felipe V de Borbón, nieto de su hermana María Teresa y de Luis XIV. Tras la muerte del heredero pactado en 1699, José Fernando de Baviera, nieto de su hermana Margarita.

Carlos II hizo testamento el 3 de octubre de 1700 en favor de Felipe de Anjou, nieto de Luis XIV de Francia y de su hermana, la infanta María Teresa de Austria (1638-1683), la hija mayor de Felipe IV.

Mariana de Neoburgo, en cambio, apoyaba a su sobrino, el archiduque Carlos de Austria, hijo del emperador Leopoldo I.

El archiduque austríaco fue respaldado por Inglaterra y Holanda, las tradicionales enemigas de España durante el siglo XVI, que además rivalizaban con la hegemonía de Luis XIV.

La elección de Felipe de Anjou se debió a que España tenía como prioridad principal la conservación de la unidad de los territorios del Imperio español y Luis XIV de Francia era en ese momento el monarca con mayor poder de Europa y, por ello, prácticamente el único capaz de poder llevar a cabo dicha tarea.

BORBONES DESDE 1700

FELIPE V (1683 – 1746)

(19 de diciembre de 1683, Palacio de Versalles, Francia – 9 de julio de 1746, Monasterio de San Lorenzo de El Escorial).

Felipe V fue rey de España desde el 16 de noviembre de 1700 hasta su muerte en 1746.

En 1724 abdicará en su hijo Luis I, pero la muerte prematura de éste le llevó a un segundo reinado, caracterizado por el acercamiento a Austria, Inglaterra y Francia.

La llegada del primer Borbón supone reformas importantes para el país.

Siguiendo el modelo absolutista francés, impone una centralización administrativa y política, suprimiendo la autonomía de Aragón y Cataluña y los fueros de aragoneses y valencianos.

Excepto en Navarra y Región Vasca, las leyes castellanas se imponen en todo el territorio.

Los últimos años de su reinado sufrió una fuerte depresión. Le sucedió en el trono su hijo Fernando VI.

Isabel de Farnesio y Felipe V están enterrados en el Palacio Real de La Granja de San Ildefonso.

EL TESORO DEL DELFÍN, MUSEO DEL PRADO

El Tesoro del Delfín es un conjunto de vasos preciosos que, procedentes de la riquísima colección de Luis, gran Delfín de Francia, vinieron a España como herencia de su hijo Felipe V, primer rey de la rama borbónica española.

El Gran Delfín, Luis de Francia (1661-1711), hijo de Luis XIV y María Teresa de Austria, comenzó su colección tempranamente influenciado por su padre.

La adquisición de obras se producía a través de regalos y compras en subastas y almonedas.

Al morir el Delfín, Felipe V (1683-1746) recibe en herencia un conjunto de vasos con sus respectivos estuches, que fueron enviados a España.

En 1716 estaban en el Alcázar de Madrid, guardados en sus cajas, desde donde se trasladaron, en fecha posterior, a La Granja de San Ildefonso, lugar donde se citan a la muerte de Felipe V, conservados en la llamada Casa de las Alhajas.

En 1778 se depositaron, por real orden de Carlos III, en el Real Gabinete de Historia Natural y continuaron en la institución hasta el saqueo de las tropas francesas en 1813.

La devolución de las piezas se produjo dos años más tarde y con algunas pérdidas.

En 1839 la colección llegó al Real Museo, donde sufrió un robo en 1918.

En la Guerra Civil española fueron enviadas a Suiza regresando en 1939, con la pérdida de un vaso, desde entonces se encuentran expuestas en el edificio Villanueva.

JARRA CON NARCISO Y ECO, MUSEO DEL PRADO

Hacia 1555. 41,5 x 16,6 cm. Tesoro del Delfín

Cristal de roca / cuarzo hialino, Esmalte, Oro, Plata, Rubí.

Es una obra de la “Escuela de Fountainebleau”.

En 1601, en el inventario de Enrique IV se confirma su presencia entre los bienes reales, en París.

El cuerpo y la boca son de cristal de roca y el pie y el asa de metal.

En el asa se aprecian dos figuras, un joven que se asoma sobra la boca del jarro (Narciso) y una ninfa (Eco).

Al llenar el jarro, Narciso contempla su imagen en el agua y el mito cobra vida. El mito de Narciso tiene lectura moralizante sobre el ego, la vanidad y el orgullo.

El mito de Narciso, descrito por Ovidio en su libro III de las Metamorfosis, alude a los peligros de la egolatría, lo que constituye una advertencia para príncipes y poderosos.

Narciso, prendado de su propia belleza, es desdeñoso con aquellos que le aman, como la Ninfa Eco, condenada a repetir el final de los sonidos, al ser rechazada.

El joven se enamora de sí mismo al verse reflejado en las aguas de un manantial y es convertido por Némesis, diosa de la venganza, en una flor bella pero sin aroma.

La figura femenina del asa representa a la ninfa Eco, con los brazos cruzados que denotan impotencia y la boca abierta, a modo de grito al descubrir que ha perdido la voz.

 

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JARRA CON NARCISO Y ECO, TESORO DEL DELFÍN, MUSEO DEL PRADO

CALISTO – LA OSA MAYOR

Calisto era una ninfa de los bosques que había consagrado su virginidad y se dedicaba a cazar en el monte son el grupo de compañeras que acompañaban a Ártemis.          

Zeus se enamoró de ella, pero como Calisto rehuía a los hombres se unió a la joven bajo la figura de Artemisa.  

Según otras versiones adoptó la figura de Apolo, hermano de Ártemis.

De esta unión nació Árcade y en ocasiones se le atribuye otro hijo, el dios Pan, hermano gemelo de Árcade.

Un día Ártemis y sus compañeras decidieron bañarse en una fuente, pero Calisto no quería desnudarse para que no se viera su embarazo.  

Ártemis insistió en que se quitara la ropa e indignada por su falta la convirtió en osa y después la mató de un flechazo. 

Zeus la convirtió en la constelación de la Osa Mayor.

DIANA Y CALISTO. PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS - Eduardo©2010

DIANA Y CALISTO.  PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS

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          NACIMIENTO DE ARCADE. PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS, CIUDAD REAL

DAFNE – LAUREL

Apolo era un dios muy hermoso que tuvo numerosos amores con Ninfas y con mortales.

Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.

Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas, pero Apolo la perseguía.

Cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria a su padre que fue escuchada transformándose en laurel (árbol sagrado de Apolo).

BERNINI, APOLO Y DAFNE

(1622-25) mármol de Carrara 243 cm. Galería Borghese.

Apolo fue el dios que personificó la juventud y la belleza masculina. El dios de la luz, identificándose con el Sol.

Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.

Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas. Pero Apolo la perseguía y cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria que fue escuchada transformándose en laurel (en griego árbol sagrado de Apolo).

El conjunto escultórico de Gian Lorenzo Bernini de la Galería Borghese, muestra este momento, como si fuese una instantánea fotográfica.

El árbol de Apolo era el laurel, cuyas hojas masticaba su sacerdotisa en sus trances proféticos.

Apolo se manifestaba a través de ella en el Oráculo de Delfos, lugar que tuvo gran trascendencia en el mundo helénico.

Gian Lorenzo Bernini creó para el cardenal Scipione Borghese una obra maestra sin precedentes que representa la metamorfosis en laurel de Dafne, perseguida por Apolo, dios de la luz.

La obra de mármol, iniciada por Bernini a los 24 años, entre 1622 y 1625, estaba situada en la misma habitación de la Villa que ahora, pero originalmente estaba sobre una base baja y estrecha, apoyada contra la pared hacia la escalera.

Apolo corre y la ninfa inicia su metamorfosis: la corteza envuelve gran parte del cuerpo, pero la mano de Apolo, según los versos de Ovidio, debajo de la madera oye el latido del corazón. Así que la escena se cierra, Dafne se ha convertido en un laurel para escapar del dios.

La presencia de esta fábula mitológica en la casa del cardenal tiene una justificación moral compuesta en latín por el cardenal Barberini (futuro Papa Urbano VIII) y grabada en la base, que dice quién ama las fugaces diversiones al final encontrará hojas y bayas en su mano.

En 1785 Marcantonio IV Borghese colocó la obra en el centro de la sala, Vincenzo Pacetti diseñó la base actual con las piezas originales y añadiendo el águila Borghese, esculpido por Lorenzo Cardelli.

El conjunto escultórico de Bernini, que se encuentra en la Galería Borghese de Roma, muestra este momento.

Villa Borghese - Museo - Apolo y Dafne - Bernini - Sala III - Eduardo©2017

BERNINI. APOLO Y DAFNE. GALERÍA BORGHESE, ROMA.

LAS NÁYADES-NINFAS DE MANANTIALES Y FUENTES

Las Náyades son las ninfas del elemento líquido. Son hermosas y longevas, pero mortales.

Las Náyades encarnan el curso del manantial o del agua que habitan.

Homero las llama hijas de Zeus, pero en otras partes se las relaciona con Océano.

Todas las fuentes célebres tienen su náyade, que cuenta con un nombre y una leyenda propia.

Con frecuencia las náyades pasaban por tener virtudes curativas. Por este motivo los enfermos bebían agua de las fuentes que les estaban consagradas.

En cambio el baño se consideraba sacrílego y el que afrontara este riesgo se exponía a su cólera, que se manifestaba con alguna enfermedad misteriosa.

En Roma, Nerón, al bañarse en la fuente de Marcia fue atacado por unas fiebres y una especie de parálisis que le duró varios días.

Otro riesgo que corría el que ofendía a las Náyades era la locura. Quien las veía, podía quedar poseído por ellas y atacado de enajenación mental.

Las Náyades abundan en las tradiciones del Peloponeso.

FUENTE DE LAS NÁYADES, S. XIX, ROMA

La plaza de la República tiene un diseño semicircular y está ubicada junto a la Estación Termini de Roma.

De esta Piazza parte la Via Nazionale, que comunica el área de la estación central con la de Piazza Venezia.       En las inmediaciones se encuentra el Teatro de la Ópera.

La Fuente de las Náyades, S. XIX, es la fuente moderna más bella de Roma, realizada con el objetivo de ofrecer una perspectiva monumental de la vía Nazionale.

La fuente de esta plaza era parte del acueducto de Aqua Marcia. Su construcción se inició por orden de Pío IX en 1870 y fue finalizada en 1888.

Originalmente estaba decorada con cuatro leones de yeso, que fueron sustituidos en 1901 por las esculturas de las náyades realizadas por Mario Rutelli.

FUENTES DE LAS NÁYADES, ROMA - Eduardo©2017

FUENTES DE LAS NÁYADES, ROMA


Las náyades representadas son:

  • La Ninfa de los Lagos, sosteniendo un cisne
  • La Ninfa de Los Ríos, sobre un monstruo de río
  • la Ninfa de las Fuentes, sobre un caballo
  • la Ninfa de las Aguas Subterráneas, sobre un dragón.
  • En el centro se encuentra el grupo Glauco, símbolo del triunfo de la Humanidad sobre la Naturaleza.

GLAUCO

Unas versiones le consideran hijo de Poseidón y una náyade.

Otras dicen que Glauco es un dios del Mar, que en su origen fue pescador de Beocia, pero casualmente comió una hierba que le convirtió en inmortal.

Como divinidad marina, la parte inferior de su cuerpo se transformó en una poderosa cola de pez y sus mejillas se poblaron de una barba de reflejos verdes como la pátina de bronce.

Recibió el don de profetizar y Virgilio le presenta como el padre de la Sibila de Cumas.

Glauco se apareció a Menelao cuando regresaba de Troya y se le considera constructor del Argo, apoyando a los Argonautas.

Su amor más célebre fue Escila, aunque en vano, lo que motivó la transformación de la joven en monstruo por medio de los encantamientos de Circe, pero predominó el amor que sentía hacia la joven y la transformó en diosa.

Según Ovidio Glauco amaba a Escila y por ella rehusó  el amor de Circe. La maga quiso vengarse de su rival y mezclo hierbas mágicas en el agua de la fuente donde Escila se bañaba.

Inmediatamente Escila quedó transformada. La parte superior de su cuerpo no cambió, pero de la ingle le nacieron 6 espantosos perros.

Otra leyenda dice que Posidón estaba enamorado de la joven y que Anfitrite, celosa, había pedido a Circe su metamorfosis.

Una tercera versión dice que Escila se enamoró de Glauco y rechazó a Posidón, quien la castigó de este modo.

A Heracles se le atribuye la muerte de Escila en un enfrentamiento.

BASÍLICA DE SANTA MARÍA DE LOS ÁNGELES Y LOS MÁRTIRES

Alrededor se encuentra la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, ocupando el espacio del Tepidarium de las Termas de Diocleciano.

La dedicación a los mártires hace referencia a que las termas de Diocleciano fueron construidas con el trabajo de los cristianos esclavizados.

El edificio fue diseñado en 1562 por Miguel Ángel que restauró el Tepidarium, creando una nave longitudinal.

El ingreso a la iglesia se hace a través de un vestíbulo circular, también de origen romano.

Durante el siglo XVIII, Luigi Vanvitelli (1750) decoró el sobrio interior de Miguel Ángel según el estilo de la época.

Vanvitelli se encargó de transportar a Santa María de los Ángeles los grandes retablos de altar de la basílica de San Pedro en el Vaticano, donde habían sido reemplazados por copias hechas en mosaico con el fin de conservarlos mejor por la amenaza de humedad.

En esta iglesia se encuentra enterrado Pío IV. Actualmente se utiliza para funerales de estado o del ejército italiano.

BIBLIOGRAFÍA:

Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

museodelprado.es

villafarnesina.it

audioguiaromacom

maitearte.wordpress.com

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Divinidades Mitológicas Celestes

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLOGICAS CELESTES

 

Las principales divinidades celestes en la Mitología clásica son:

1.   Helios, el Sol,

2.   Selene, la Luna,

3.   Eos, la Aurora,

4.   Eolo, el Viento.

HELIOS, EL SOL – APOLO

Pertenece a la generación de los Titanes y, por tanto, es anterior a los Dioses Olímpicos.

Es hermano de la Luna (Selene) y de la Aurora (Eos).

Helio o Helios es la personificación del Sol, aunque se terminó asociando con Apolo, dios de la Luz.

 

HELIOS, DIOS DEL SOL

HELIOS, DIOS DEL SOL

Su esposa fue Perseis, una de las hijas de Océano y Tetis, y sus hijos más destacado fueron:

1.   Circe, la maga,

2.   Pasifae, esposa del rey Minos,

3.   Eetes, rey de la Cólquide,

4.   Perses que destronó a su hermano Eetes y fue asesinado por su sobrina Medea.

5.   Faetón.

Helio es el ojo del mundo, el que todo lo ve, como Dios en el Cristianismo y el ojo de Horus en Egipto.

Helios revela a Hefesto el adulterio de Afrodita con Ares.

Se le representa como un joven de gran belleza con cabellos dorados, que recorre el cielo en su carro tirado por una cuadriga de velocísimos corceles.

Todas las mañanas, precedido del carro de Eos, la Aurora, atraviesa el cielo. Continua el viaje durante todo el día y al anochecer llega al Océano, donde se bañan sus fatigados caballos, mientras él se retira a descansar en su palacio de oro para volver a salir de madrugada.

El episodio más desafortunado vinculado a Helio es el de su hijo Faetón.

Faetonte o Faetón, hijo del Sol y Clímene, creció sin saber quién era su padre. Cuando se enteró que era hijo del Sol rogó a su padre que le dejase conducir su carro solar. Tras grandes dudas, Helios consintió haciéndole muchas recomendaciones.

Faetón partió por el camino trazado en la bóveda celeste, pero pronto se apoderó de él un gran terror por la altura en que se hallaba. Descendió tanto que casi incendia la Tierra y después subió tanto que los astros se quejaron.

Zeus, para evitar una conflagración universal, le fulminó con sus rayos. Sus hermanas, las Helíades, le lloraron tanto que fueron transformadas en álamos.

Circe también es hija del Sol. Es una maga que desempeña un papel fundamental en la Odisea y en la leyenda de los Argonautas.

JAN CAREL VAN EYCK, LA CAÍDA DE FAETÓN. MUSEO DEL PRADO

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 197 x 180 cm.

Amberes, ca. 1610, post. 1685

Jan Carel Van Eyck era un maestro flamenco nacido aproximadamente en 1610 y maestro de la cofradía de San Lucas en 1632-1633. A menudo es confundido con Johannes van Eyck también presente en Amberes.

Pintor de temas de historia y mitología. Participó, bajo la dirección de Rubens, en 1635, en la decoración de la ciudad de Amberes con motivo de la entrada triunfante del Cardenal Infante don Fernando de Austria y en el Arco de triunfo. Este tipo de arquitecturas efímeras eran muy frecuentes en el Barroco.

Fue uno de los colaboradores de Rubens en la decoración pictórica de la Torre de la Parada para Felipe IV entre 1636-1638 para el que pintó La Caída de Faetón, siguiendo el boceto de Rubens.  

El joven Faetón era hijo de Helios y le pidió al dios Solar poder conducir durante un día su carro.

A pesar de las advertencias y de la peligrosidad de guiar a los caballos, Faetón insistió y finalmente acabó en desastre.

Este tema plasma la enseñanza moral de la osadía y la irresponsabilidad de la juventud, que no es consciente del peligro.

Ovidio en el Libro II de sus Metamorfosis dice que Faetón se asustó.   No sabía por dónde dirigir el carro, ni qué camino tomar, por lo que enloquecido soltó las riendas.

Tras sumir a la tierra en un profundo caos, Júpiter intervino lanzando sus rayos y, tal y como cuenta Ovidio, arrojó al auriga de la vida y del carro.

El lienzo realizado por Jan Carel Van Eyck, sigue fielmente el boceto de Rubens, salvo en la parte derecha de la composición, cortada en el lienzo con respecto al boceto inicial.

S. Alpers es la autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada hasta la fecha.

 

JAN CAREL VAN EYCK. LA CAÍDA DE FAETÓN. 1636 - 1638.

JAN CAREL VAN EYCK. LA CAÍDA DE FAETÓN. 1636 – 1638.

MUSEO DEL PRADO

 

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636 y 1638, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando y su hermano el rey Felipe IV.

La decoración de la Torre de la Parada fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV.

Dese 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 60 obras para esta casa de recreo de los Montes del Pardo.

Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta la esencia moral de las historias y las actitudes de los personajes. Estos bocetos sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.

El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana, y uno adquirido en el año 2000.

El Prado también conserva la mayoría de los lienzos realizados a partir de los diseños de Rubens para la decoración de este lugar, muchos de los cuadros pintados por otros artistas.

SELENE, LA LUNA – ÁRTEMIS

Selene es la personificación de la Luna y se la asocia con Artemisa, que con el paso del tiempo acabará reemplazando a la diosa de la Luna.

Se la representa como una bella joven que recorre el cielo en su carro de plata tirado por dos caballos (Biga).

Bigas, trigas y cuadrigas son carros tirados por dos, tres o cuatro caballos que se empleaban en los carros de guerra, carreras, etc.

Selene suele portar una antorcha en la mano y una media luna.

Selene tuvo amores con Zeus y con el dios Pan. Pero su amor más célebre es el del bello pastor Endimión, de quien tuvo 50 hijas.

Selene pidió a Zeus que sumiera en un sueño eterno a Endimión, que le hiciera permanecer joven y hermoso, para poder amarle todas las noches y su deseo fue concedido.

Endimión, inmortal y eternamente joven, se equipara en el arte paleocristiano con el profeta Jonás en una iconografía alusiva a la inmortalidad del alma. Jonás estuvo tres días en el vientre de la ballena, pero su fe y sus oraciones consiguieron que saliera totalmente sano del monstruo marino y se salvara.

 

SELENE, DIOSA DE LA LUNA

SELENE, DIOSA DE LA LUNA

 

 

 

ANTONIO CANOVA. ENDIMIÓN DORMIDO. 1822ANTONIO CANOVA. ENDIMIÓN DORMIDO. 1822

85 x 183 x 35 cm. Museo e Gipsoteca Antonio Canova, Possagno, Treviso

 

 

 

HÉCATE, LUNA EN SU FASE INVISIBLE

Hécate desciende de la generación de los Titanes, es pues anterior a los dioses Olímpicos.

Zeus le mantuvo y acrecentó sus antiguos privilegios.

Extiende su benevolencia a todos los hombres, concediendo los favores que se le piden:

·        Prosperidad material,

·        Pescado en abundancia a los pescadores,

·        Elocuencia a los políticos,

·        Victoria en las batallas y en los juegos.

Poco a poco la diosa sufrió una especialización en un sentido diferente. Se la considera la divinidad que preside la magia y los hechizos y está vinculada al mundo de las sombras.

Se aparece a los magos y a las brujas con una antorcha en la mano o en forma de distintos animales: yegua, perra, loba, etc.

Se le atribuye la invención de la hechicería.

Tradiciones tardías le dan como hijas a Circe y a Medea.

Hécate preside las encrucijadas y los lugares de magia por excelencia. En ellas se colocaban estatuas de una mujer de triple cuerpo y a sus pies se depositaban ofrendas.

La iconografía muestra a Hécate triformis, al representarse desde el siglo V a.C. una escultura de tres mujeres que juntan las espaldas y sujetan unas antorchas.

Representa a la Luna en su fase invisible, suponiéndose que estaba en los Infiernos. Su llegada se anunciaba a través de los ladridos de sus infernales perros.

HÉCATE

 

HÉCATE

 

EOS, LA AURORA

Eos es hermana de Helios y Selene y es la personificación de la Aurora.

Pertenecen a la Primera Generación Divina, la de los Titanes.

Es representada como una diosa cuyos dedos, color de rosa, abren las puertas del cielo al carro del sol.

Es representada como una mujer joven y  alada, envuelta en un fino manto, y conduciendo un carro que precede al carro de Helios para ahuyentar la oscuridad de la noche.

Tuvo amores con Ares y por ello Afrodita la castigó a estar eternamente enamorada.

Engendró los Vientos: Céfiro, Bóreas y Noto, así como la Estrella de la Mañana.

Su hijo predilecto fue Memnón, que murió ante las murallas de Troya luchando contra Aquiles.

Poéticamente se narra que las gotas de rocío de la mañana son las lágrimas que derrama la diosa por su hijo.

 

MIGUEL ÁNGEL. LA AURORA. TUMBAS MEDICEAS, FLORENCIAMIGUEL ÁNGEL. LA AURORA. TUMBAS MEDICEAS, FLORENCIA

 

Su iconografía, portando el cuerpo de su querido hijo muerto,  evoca el tema de la piedad en el arte cristiano.

En las tumbas florentinas de Juliano y Lorenzo de Médicis, Miguel Ángel representó el Día y la Noche y el Crepúsculo y la Aurora.

En el Barroco se representó el Triunfo de Aurora, como decoración apoteósica de los techos palaciegos.

En el arte contemporáneo Rodin y Matisse esculpirán la imagen de la diosa.

 

EOS, LA AURORA, Y SU HIJO MEMNÓN.EOS, LA AURORA, Y SU HIJO MEMNÓN.

 

LA AURORA, MUSEO RODIN, PARÍS

LA AURORA, MUSEO RODIN, PARÍS

 

PASEO DE RECOLETOS, MADRID

El Paseo de Recoletos fue uno de los ejes limítrofes del recinto urbano de Madrid, integrado en la gran reforma del Salón del Prado promovida por el Conde de Aranda y ejecutada por el ingeniero militar José de Hermosilla, en el reinado de Carlos III.

Su denominación se debe al convento de agustinos recoletos que ocupó la zona desde 1592 a 1836, cuando fue desamortizado y demolido.

El paseo se convirtió en el lugar de asentamiento de las personalidades económicamente más influyentes del momento.

El edificio de Seguros La Aurora en su origen fue un palacio proyectado en 1880 como residencia de Ramón Pla Monje, un empresario y filántropo ferrolano que, tras emigrar a Cuba, se instaló en la década de 1860 en Madrid, lugar en el que permaneció hasta su muerte, el 6 de septiembre de 1892.

El edificio fue diseñado por Agustín Ortiz de Villajos, importante arquitecto que se convirtió en uno de los representantes más característicos del eclecticismo madrileño.

César Cañedo y Sierra, duque de Agüera, transformó significativamente el inmueble en 1918 para convertirlo en viviendas de alquiler.

El arquitecto elegido en esta ocasión fue José Monasterio Arrillaga, quien añadió al edificio dos plantas más y sustituyó gran parte de la ornamentación por el programa decorativo que posee en la actualidad, de corte ecléctico con reminiscencias del barroco francés.

El edificio fue entonces estructurado en viviendas independientes, una por planta, en torno a una escalera central y patio interior; se añadieron entonces nuevos servicios higiénicos, ascensor, calefacción y una escalera de servicio.

En 1919 el inmueble fue alquilado a la compañía de Seguros La Aurora, la cual lo adquirió definitivamente en 1922, cerrando el patio interior para aprovechar el espacio y abriendo en el chaflán la actual puerta de acceso.

En 1920 se colocó una cuadriga de bronce sobre la cúpula decorada con guirnaldas, obra del escultor Juan Adsuara.

La cuádriga trataba de simbolizar la potencia económica de la compañía de seguros bilbaína, reiterado en ciertos edificios del momento, tales como la antigua sede del Banco de Bilbao en la calle de Alcalá, 16, obra del escultor bilbaíno Higinio Basterra.

Aurora y la cuadriga - Palacio de Ramon Pla Monje 1

 

CUÁDRIGA DE LA AURORA, PASEO DE RECOLETOS, 4. MADRID

LOS VIENTOS

Hay muchas leyendas sobre Eolo, pero la más difundida le denomina hijo de Poseidón y Señor de los Vientos.

Eolo es considerado el dios o rey de los vientos, apareciendo por primera vez en la Odisea.

Cuando Ulises llegó a la isla Eolia, Eolo le recibió cordialmente y le retuvo un mes a su lado.

Al partir de la isla le entregó un odre en el que estaban encerrados todos los vientos excepto uno, el que debía llevarle directamente a Ítaca.

Mientras Ulises dormía, sus compañeros abrieron el odre creyendo que estaba lleno de vino, pero los vientos se escaparon desencadenando una tempestad.

Eolo tenía el poder de excitar o calmar los vientos.

Los cuatro vientos que cita Homero son:

·        Bóreas,

·        Noto,

·        Euro y

·        Céfiro.

 En Atenas se les dedicó la Torre de los Vientos, un edificio en el que cada cara simbolizaba un viento.

 

BÓREAS, EL VIENTO DEL NORTE

Bóreas es el dios del frío viento invernal, que habitaba en Tracia, el país frío por excelencia.

Es hijo de Eos (La Aurora) y hermano de Céfiro y Noto.

Pertenece a la estirpe de los Titanes, seres que personifican las fuerzas de la Naturaleza.

Se representaba como un hombre barbado con túnica y alas.

Su iconografía más difundida es el Rapto de Oritía, Hija de Erecteo, rey de Atenas, a quien se llevó consigo a Tracia tras el rechazo de la joven.

 

NOTO

Noto es el dios del viento del Sur, cálido y cargado de humedad.

Es hijo de Eos y a diferencia de sus hermanos, Bóreas y Céfiro, no interviene en ningún mito.

 

EURO

Euro es el viento del Sudoeste. También es hijo de Eos.

 

CÉFIRO

Céfiro es el viento suave y apacible de Poniente. Es el más utilizado en la literatura y el arte.

 

 

RUBENS. 1620. EL RAPTO DE ORITIA. ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE VIENA.

RUBENS. 1620. EL RAPTO DE ORITIA. ACADEMIA DE BELLAS ARTES DE VIENA.            

 (BÓREAS RAPTA A LA JOVEN Y BELLA ORITIA)

 

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es   

http://www.miradormadrid.com

 

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