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Berenguela de Castilla (1180 – 1246)

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

BERENGUELA DE CASTILLA

(1180 – 1246)

La reina Berenguela de Castilla (Museo del Prado)

 

INVASIÓN MUSULMANA, 711

La invasión musulmana en la península Ibérica se inició en el año 711, cuando las tropas árabes y bereberes derrotaron al ejército visigodo del rey don Rodrigo, víctima de la traición de sus allegados, entre los que destacaba el arzobispo de Sevilla.

Don Rodrigo resultó derrotado en la batalla a orillas del río Guadalete, en Cádiz, a finales de julio del año 711, precedida de diversos escarceos durante varios días y muriendo en ella o inmediatamente después el propio rey Rodrigo y los nobles que permanecieron junto al rey.

Entre el 711 y el 722, se consuma lo que la historiografía española denomina la pérdida de España, pero también la reacción que se inició en Asturias contra los conquistadores, capitaneada por el noble visigodo D. Pelayo, que obtuvo una gran victoria en la batalla de Covadonga, en el año 722.

El historiador D. Claudio Sánchez Albornoz explica la pérdida de España por la discordia crónica entre los visigodos, que permitió con facilidad la invasión. Todo ello se explica y queda reflejado en su importante obra “El reino de Asturias, con el antetítulo Orígenes de la nación española”.

El apoyo de los judíos de Toledo y Granada fue decisivo para el éxito de las campañas islámicas en la península, vengándose así de la prolongada e injusta persecución a que les habían sometido los reyes y concilios de los visigodos, y generando el posterior antisemitismo.

El sistema de pactos concebido por los invasores musulmanes, en el que se garantizaban ciertos derechos a los vencidos, contribuyó a minar el espíritu de resistencia y a dulcificar la situación.

Según D. Claudio Sánchez Albornoz había pactos de dos clases:

1. El que se concertó con Teodomiro en Murcia con una autonomía política considerable y

2. El otorgado a Mérida, que imponía el respeto a las vidas y los bienes, aunque confiscaba las propiedades de la Iglesia y las de los huidos al norte.

 

LA BATALLA DE LAS NAVAS DE TOLOSA, 1212 (JAÉN)

En el siglo XIII, nos encontramos con una Península Ibérica dividida y enfrentada en cinco reinos cristianos:

1. Castilla, con Alfonso VIII a la cabeza;

2. León, con Alfonso IX;

3. Portugal, con Alfonso II;

4. Aragón, con Pedro II;

5. Navarra, con Sancho VII.

Estos reinos, en continúa disputa por los territorios, descuidaron la Reconquista, ya que no consiguieron unirse hasta el siglo XIII.

Frente a estos reinos cristianos, desunidos y enfrentados, se encontraba el Imperio Almohade, con su califa Yusuf Al-Mansur a la cabeza, sucedido por su hijo Mohamed Al-Nasir en 1199.

Los almohades se dirigieron al Algarve, y después a Sevilla, ciudad que se erigió como capital del Imperio en Al-Ándalus. Los almohades arrinconaron a los reinos cristianos, sometiendo a los andalusíes, apartando las costumbres relajadas de los almorávides e imponiendo el Islam.

El Imperio Almohade ocupaba al principio del siglo XIII la mitad meridional de la Península Ibérica y el norte de África hasta Trípoli (Libia).

La derrota en Alarcos (1195) de Alfonso VIII de Castilla frente al califa almohade Yusuf Al-Mansur fue decisiva. Alfonso VIII no quiso esperar refuerzos que otros reinos cristianos y los jinetes arqueros musulmanes masacraron a la caballería castellana, teniendo que retroceder hasta Toledo.

Los musulmanes tras la victoria de Alarcos decidieron pasar al ataque. Sin embargo, la repentina muerte del califa Yusuf Al-Mansur (1199) y la proclamación de su hijo retrasaron los planes ofensivos.

Alfonso VIII buscó el apoyo del Papa Inocencio III, quien puso en marcha una bula de cruzada que garantizó la protección de Castilla, la cual no podría ser atacada por ninguno de sus reinos vecinos bajo pena de excomunión.

La amenaza musulmana y la bula de cruzada lograron cierta unidad entre los reinos cristianos de Aragón, Castilla y Navarra.

España en 1212 batalla de las Navas de Tolosa

Mapa de la península en Las Navas de Tolosa (1212)

La batalla de las Navas de Tolosa fue el mayor enfrentamiento bélico de la época. El contingente armado cristiano abandonó Toledo en mayo de 1212 y avanzó hacia el sur. Almohades y cristianos se encontraron el 13 de julio de 1212, separados únicamente por la llanura de las Navas de Tolosa (Jaén).

Alfonso VIII decidió cambiar la estrategia empleada en Alarcos, en esta ocasión el ejército cruzado se dispuso en tres líneas, la primera ocupada por varias milicias castellanas y numerosos caballeros, todos ellos liderados por Diego López de Haro, señor de Vizcaya.

La segunda albergaba a más milicianos, a los aragoneses, a los navarros, a los portugueses y a las órdenes militares y la tercera, en retaguardia, fue el lugar escogido para los tres monarcas cristianos, Alfonso VIII de Castilla, Pedro II de Aragón y Sancho VII de Navarra.

Los cruzados estuvieron a punto de ser vencidos. Pero, Alfonso VIII, no volvería a Castilla otra vez derrotado y se lanzó a la carga, siendo seguido por los monarcas de Aragón y Navarra, produciéndose la famosa carga de los tres reyes.

Con los almohades derrotados, los cristianos tomaron el campamento musulmán y la tienda roja del califa. Quien había estado toda la batalla encerrado leyendo el Corán.

En la batalla de las Navas de Tolosa fue fundamental el cambio de estrategia. Se decidió que Sancho VII de Navarra no entraría con su caballería en la primera cabalgada, lo que fue decisivo ya que cuando los almohades empezaron a envolver a la caballería cristina, Sancho VII entró en juego con sus tropas, junto a Alfonso VIII y Pedro II, arrasando las defensas almohades y decantando la batalla del lado cristiano. Sin embargo, a pesar de la contundente victoria cristiana las bajas fueron numerosas para ambos bandos.

Consecuencia inmediata de la victoria fue la toma de Úbeda y Baeza. La victoria habría sido mucho más efectiva si no se hubiera desencadenado una hambruna que ralentizó la Reconquista y se prolongó hasta 1225. Por primera vez desde el año 711 la frontera castellana se restableció en la línea de Sierra Morena.

El poder musulmán comenzó su declive y la Reconquista tomó un impulso que produjo en los siguientes cuarenta años el avance de los reinos cristianos, que conquistaron casi todos los territorios del sur bajo poder musulmán.

Castilla, que aportó 2 tercios de las tropas y fue impulsora de la empresa bélica, fue la mayor beneficiada con la victoria. Sus fronteras se fortalecieron y se posicionó como el reino peninsular predominante, impulsando la conquista del sur peninsular.

Este proyecto alcanzó su máximo esplendor tras la unión de los reinos de Castilla y León bajo el reinado de Fernando III el Santo, quien logró tomar: Córdoba en 1236, Murcia en 1243, Jaén en 1245 y Sevilla en 1248.

A lo largo del siglo XIII la presencia musulmana en la Península fue difuminándose. Erigiéndose como único bastión musulmán el reino Nazarí de Granada, vasallo del rey de Castilla, cuya conquista no planteaba prisa, ya que pagaba importantes tributos de oro a la Corona. En 1492, durante el reinado de los Reyes Católicos, se conquistó Granada, poniendo fin a la Reconquista.

Herencia cultural, gastronómica y lingüística árabe

La conquista no solo tuvo consecuencias políticas y económicas, sino que existió un fuerte impacto cultural y lingüístico. Diversas tecnologías fueron traídas a la península por los musulmanes, además parte del pensamiento griego que había sido asimilado por los musulmanes en Mesopotamia (de pensadores y traductores árabes cristianos) y llegó a la península y de aquí paso a Europa.

Adoptaron el arco de herradura visigodo en la arquitectura musulmana, como queda de manifiesto en la Mezquita de Córdoba o en la Alhambra de Granada.

En el ámbito lingüístico se introdujeron muchos términos árabes. Se calcula que en el español, el componente léxico árabe es el componente más numeroso tras el léxico de origen latino, usadas todavía en español moderno: almohada, algarabía, acequia, aljibe, algodón, alcohol, algoritmo, álgebra, etc. que tiene su origen en esta etapa y que se han ido consolidando hasta nuestros días.

También es notable la influencia árabe en la toponimia y en los apellidos: Aznar, Alcázar, Alcolea, Alcántara, Alcocebre, Benicásim, Benalmádena, etc.

Un efecto inesperado de la invasión del reino visigodo fue la huida de gran número de eruditos, nobles, religiosos y obispos visigodos. Con ellos se llevaron buen número de libros clásicos, romanos y griegos, que estaban en la antigua Hispania y que habían sido conservados o copiados por los visigodos.

Con ellos se llevaron obras visigodas, como las Etimologías del San Isidoro, obispo de Sevilla, obra monumental que recopilaba buena parte del saber de entonces, y que fue para esa época y los primeros siglos de la Edad Media La Enciclopedia en la Ilustración. Por ello, algunos autores destacan el importante papel de los emigrados visigodos en el renacimiento carolingio del siglo VIII.

Los árabes influyeron en nuestra gastronomía de distintas maneras: introdujeron nuevas técnicas en la agricultura; nuevos productos y cosechas hasta entonces inexistentes en la península; introdujeron un nuevo ceremonial de mesa y novedosas recetas mezclando distintos ingredientes, recetas que continúan formando parte de nuestra gastronomía.

Con la llegada de los árabes, empieza la “revolución agrícola. Los productos e ingredientes introducidos más importantes fueron: el arroz, azafrán, azúcar, frutas cítricas (naranjas y limones), frutos secos.

Fue un gran impacto el que causaron en la gastronomía, cambiando desde los ingredientes hasta el ceremonial de la mesa con la introducción de un orden en el servicio: primero los entrantes, luego los platos fuertes y para finalizar los postres.

 

Frutas y verduras

Se produjeron nuevas introducciones: la alcachofa, el espárrago y la berenjena, las naranjas (de origen Chino), los dátiles y los cocos. En la España romana, estos alimentos eran consumidos como un plato principal, no formaban parte de los guisos o de un plato con varios ingredientes.

Los árabes inculcaron la mezcla de los diferentes ingredientes, como puede ser el caso de las ensaladas de lechuga a las que añadieron hierbas, aceite de oliva y aceitunas.

También introdujeron el método de secado de frutas como los higos, ciruelos, albaricoques y uvas. Integraron el uso de las frutas en varias recetas que todavía hoy perduran en nuestra cultura gastronómica, como son los sorbetes y los zumos.

 

La miel y el Islam

El Corán afirma sobre la miel que es una “curación para la humanidad”. Es el oro líquido.

La miel ofrece extraordinarias propiedades antisépticas, antioxidantes y estimulantes del sistema inmunológico para la salud. No solo combate la infección y ayuda a la cicatrización de tejidos, sino que también ayuda a reducir la inflamación y a menudo es utilizada para tratar problemas estomacales, como la indigestión, úlceras y gastroenteritis.

Investigadores de todo el mundo están investigando sobre los beneficios de la miel y otros elementos de curación producidos en la colmena, como el propóleo, la jalea real y el polen de abejas.

Los beneficios de la miel dependen de su calidad. La miel pura proviene directamente del panal. Esta miel sin procesar tiende a cristalizarse y al baño María regresa a su estado líquido.

Cuando la miel es procesada mantiene una vida útil más larga, pero las vitaminas y minerales que benefician al sistema inmunitario son destruidos en su mayor parte durante el proceso. Por lo tanto, no es tan nutritiva como la miel cruda.

La miel ámbar y oscura posee las mejores propiedades medicinales. Además de carbohidratos, la miel contiene proteínas (incluyendo enzimas) y aminoácidos, y es rica en vitaminas: B6, tiamina, niacina, riboflavina, ácido pantoténico y aminoácidos.

Los minerales incluyen calcio, cobre, hierro, magnesio, manganeso, fósforo, potasio, sodio y zinc. El contenido de 18 aminoácidos presentes en la miel es único y varía según la fuente floral.

También posee polifenoles que actúan como antioxidantes y limpian el cuerpo de radicales libres y de compuestos reactivos que ayudan en enfermedades como el cáncer y las enfermedades del corazón.

La miel contiene una gama similar de antioxidantes a la encontrada en vegetales verdes, como el brócoli y las espinacas, y en frutas como las manzanas, naranjas y fresas.

La miel pura se utiliza para ayudar a aliviar la tos nocturna y mejorar el sueño.

En relación al cuidado de heridas, la Revista Estadounidense de Dermatología, dice que la miel aplicada de forma tópica a una herida puede promover su curación tan bien o mejor que las pomadas convencionales. Sus propiedades antinflamatorias reducen la inflamación y el dolor, mientras que sus propiedades antibacterianas previenen la infección.

La glucosa contenida en la miel se absorbe rápidamente por el organismo, dando un impulso energético inmediato, mientras que su contenido de fructosa es absorbido más lentamente, proporcionando energía sostenida.

La miel mantiene los niveles de azúcar en la sangre y es una fuente de carbohidratos suave en comparación con otros carbohidratos.

Conclusión:

1. La miel ha sido utilizada durante miles de años para calmar la tos de los niños,

2. ayuda a aliviar problemas de colesterol y de digestión

3. ayuda en la curación de heridas.

Los árabes poseen una de las grandes reposterías del mundo y utilizaban la miel en muchos de los platos desde el medievo, especialmente en los postres, dotándoles de una suavidad que se fue imponiendo con el paso de los siglos hasta que se popularizó el azúcar.

La miel y los frutos secos son característicos de la repostería árabe. Introdujeron frutos secos partidos, enteros o machacados en panes dulces y postres. Avellanas, pistachos, piñones, nueces y almendras formaban parte de sus principales dulces.

 

Las especias

Con ellos llegaron especias como la canela, el azafrán, el sésamo, el jengibre, el anís y la nuez moscada, entre muchas más. No sólo fue una aportación a la gastronomía sino también a la economía, ya que con la llegada de los árabes se promovió la exportación al resto de Europa, enriqueciendo y dando color a los platos europeos.

 

Los cereales

Los árabes mejoraron el cultivo de los cereales e introdujeron otros nuevos como el arroz. Era la base de la elaboración pucheros y dulces. Uno de los postres de la alta cocina árabe más apreciados era el arroz cocido con leche, manteca y azúcar; más conocido como “arroz con leche”, un postre que forma parte del extenso recetario de nuestra cocina. Existen estudios que apuntan a que el origen de la famosa paella se remonta a esta época.

 

Repostería y dulces

Además del arroz con leche, la gran mayoría de recetas que incluyen como ingrediente la almendra y los dulces hechos con azúcar fino, tienen su origen en esta época.

Los dulces principalmente se consumían fritos y horneados. Entre los fritos encontramos los famosos buñuelos y las almojábanas (tortas de queso fritas). Con respecto a los horneados destacan los bollos o pasteles maimones.

No nos podemos olvidar de los dulces más típicos de la navidad que no faltan en ninguna mesa española: los turrones y los mazapanes, el origen de ambos se remonta a la época Islámica.

 

BERENGUELA DE CASTILLA (1180 – 1246)

Reina de León (1197-1204) y Reina de Castilla (1217-1246)

Esposa de Alfonso IX de León y madre de Fernando III. El Santo

Se desconocen el lugar y la fecha exacta de su nacimiento, aunque parece que debió de ser en los primeros meses del año 1180, probablemente en Burgos, siendo la primogénita de los reyes de Castilla, Alfonso VIII y Leonor de Inglaterra, y como tal reconocida como heredera del reino, hasta el día que nació su hermano varón Sancho, el 5 de abril de 1181, que adquirió como varón la condición de infante heredero.

El fallecimiento del infante, el mismo verano de 1181, hizo recobrar a la infanta Berenguela su rango de heredera, y como tal fue reconocida y jurada hasta el día en que volviera a nacer otro hermano varón.

La infanta Berenguela, cuando apenas contaba ocho años de edad, fue prometida en matrimonio al príncipe alemán Conrado, duque de Rotenburch, por el tratado suscrito el 23 de abril de 1188 en Seligenstadt por los padres de los esposos, Alfonso VIII de Castilla y Federico I de Alemania.

Según este tratado, Berenguela era la heredera del reino de Castilla, siempre subordinada a la posibilidad del nacimiento de un hermano varón, que la precedería en sus derechos al trono. Conrado y Berenguela fueron jurados en la curia de Carrión en junio de 1188 como herederos, si los reyes al morir careciesen de descendencia masculina.

Con este acuerdo matrimonial, el emperador Federico I había buscado un trono para su tercer hijo, Conrado; por eso, cuando el 29 de noviembre de 1189 nacía en Castilla el infante Fernando, el príncipe alemán, desestimó el compromiso contraído, ya que el derecho sucesorio de Berenguela se postergaba al del infante Fernando. Este compromiso, ante el incumplimiento por parte del príncipe Conrado, fue anulado por el legado pontificio, el cardenal Gregorio de Sant Angelo, que ejerció su legación entre los años 1192 y 1194.

Cuando doña Berenguela se liberó del compromiso, su padre, Alfonso VIII, acordó su matrimonio con el rey de León, Alfonso IX para finalizar la guerra entre ambos monarcas cristianos.

Alfonso VIII, preveía las dificultades que iban a encontrar por razón de parentesco ambos contrayentes. Alfonso VIII y Alfonso IX eran primos carnales, nietos los dos de Alfonso VII. Pero el enlace era la mejor alternativa para instaurar una sólida paz entre Castilla y León.

El matrimonio se celebró en la iglesia de Santa María de Valladolid en el otoño de 1197 con el apoyo de los prelados de los reinos de Castilla y de León, con la esperanza de la futura dispensa pontificia del impedimento de consanguinidad, dada la importancia de la unión para asentar la paz entre príncipes cristianos.

El papa Celestino III no autorizó el enlace, aunque no mostró ninguna oposición al mismo, pero falleció el 8 de enero de 1198, antes de haberse pronunciado sobre la viabilidad del matrimonio, sucediéndole Inocencio III, muy opuesto a los matrimonios entre consanguíneos.

Inocencio III mostró su oposición al matrimonio y una negativa resuelta a la concesión de cualquier dispensa, ordenando el 16 de abril de 1198 a su legado el cardenal Rainiero, que motivara a los reyes de Castilla y de León a deshacer esa unión ilícita y, si se negaren, que procediera a la excomunión de ambos monarcas y a decretar el interdicto (juicio sumarísimo) sobre ambos reinos, hasta que los mandatos pontificios fueran obedecidos.

La excomunión es la expulsión, permanente o temporal, de una persona de una confesión religiosa. Durante el período de la excomunión, el afectado sigue formando parte de la comunidad, pero debe cumplir sentencia. En los casos más severos, pierde la facultad de concurrir al culto normalmente y de tomar parte en las ceremonias religiosas. Las diversas iglesias cristianas cuentan con normas para la excomunión o el trato con los excomulgados

El 21 de abril de 1198, cinco días después, una carta del Papa concedía al legado facultades para proceder a levantar las penas anteriores si los interesados prestaban garantías suficientes de acatar la decisión pontificia.

Las órdenes de Inocencio III fueron ejecutadas por el legado pontificio, que decretó la excomunión e impuso el interdicto sobre el reino leonés, no en el reino castellano, ya que Alfonso VIII se declaró dispuesto a recibir a su hija, si le fuere devuelta.

Los reyes de Castilla y de León intentaron mejorar la situación con generosas dádivas en favor de la Iglesia. También enviaron a Roma una comisión para informar al Papa y tratar de alcanzar la dispensa del impedimento. Esa comisión estuvo compuesta por los obispos de Toledo, Zamora y Palencia, en señal de la concordia con que procedían ambos monarcas.

El Papa no cedió y el 25 de mayo de 1199 ordenaba al arzobispo de Compostela y a los obispos del reino de León observar la sentencia impuesta sobre dicho reino. Autorizaba la celebración de los sacramentos y oficios eclesiásticos, pero mantenía la prohibición de sepultura para todos los fieles, excepto los clérigos, la excomunión del rey, de la reina y de sus principales consejeros, así como el más riguroso interdicto en los lugares donde moraren.

A los reyes de Castilla les exigía que prestasen juramento de que contribuirían a la disolución del matrimonio; si no lo hicieren, también incurrirían en la pena de excomunión y en interdicto los lugares donde morasen. En cuanto a los lugares dados a Berenguela como dote, que según el pacto matrimonial debían seguir siendo suyos, aun en el caso de disolverse el matrimonio, el Papa declaró la nulidad de tal donación.

Las medidas fueron tremendas, pero la situación siguió inalterable en 1199, 1200, 1201 y 1202, hasta que el 5 de mayo de 1203 Inocencio III se dirigió directamente al rey de Castilla, Alfonso VIII. El Papa le dice que ha engañado y ha atrapado de tal forma al rey de León que éste, aunque quisiera, no podía romper el matrimonio con Berenguela, pues en ese caso perdería la mayor parte y las mejores fortalezas de su reino, que seguirían gobernadas y retenidas en manos de Alfonso VIII.

Inocencio III declaró a los hijos de esa unión incestuosa privados de cualquier derecho de sucesión en los bienes paternos, aunque el rey de Castilla había logrado que a esa descendencia se le jurara como propio casi todo el reino leonés. Inocencio III considera que Alfonso VIII tiene aprisionado al reino leonés, disponiendo de él como del suyo propio, y le ordena que ponga fin a esos lazos y llame de una vez a su hija, so pena de proceder contra él.

Con esta carta Inocencio III, tras cuatro años, había dado con la clave de la solución, la voluntad de Alfonso VIII. El rey de Castilla con los pactos firmados y los castillos dados como dote a Berenguela tenía atrapado a Alfonso IX.

Tras la carta papal, llegó la solución. Se reunieron en Valladolid los obispos de Castilla, durante los meses de abril y mayo de 1204, y se dirigieron por medio del obispo de Burgos al Papa solicitando levantase la pena de excomunión a Berenguela, previa promesa de abandonar la corte leonesa. El Papa, para terminar con este problema iniciado seis años y medio antes, comisionó el 22 de mayo de 1204 a los obispos de Toledo, Burgos y Zamora para que absolviesen a Berenguela, previo alejamiento del esposo, promesa de no volver a vivir con él y de cumplir los mandatos apostólicos.

Cinco fueron los hijos nacidos durante los seis años y medio que duró el matrimonio entre Alfonso IX y Berenguela:

1. Leonor, llamada como su abuela, murió de niña el 12 -11- 1201 y fue enterrada en San Isidoro de León;

2. Constanza, profesaría como religiosa cisterciense en el monasterio de las Huelgas Reales de Burgos, donde murió en 1242;

3. Fernando, el primer varón, nació en Peleas de Arriba (Zamora), el 24 de junio de 1201 probablemente;

4. Alfonso, sería el futuro Alfonso de Molina;

5. Berenguela, sería futura reina de Jerusalén, por su matrimonio celebrado en Toledo en 1224 con Juan de Brienne, rey de Jerusalén.

Berenguela regresó a Burgos junto a sus padres, consagrada a la educación de sus hijos. Cuando Berenguela llegó a Burgos, acababa de nacer, el 14 de abril de 1204, el último de los hijos de Alfonso VIII y Leonor, el infante Enrique. Con este nacimiento, Berenguela pasaba a ocupar el tercer lugar en el orden sucesorio, tras sus dos hermanos varones, Fernando y Enrique.

El 14 de octubre de 1211 fallecía en Madrid el infante Fernando, a punto cumplir veintidós años; su cadáver fue llevado a las Huelgas Reales de Burgos. Sólo separaba a doña Berenguela del trono de Castilla su hermano Enrique, de siete años de edad.

La noche del 5 al 6 de octubre de 1214 moría en el camino de Burgos a Plasencia, en aldea de Arévalo, el vencedor de la batalla de las Navas, el rey Alfonso VIII de Castilla. Le acompañaban su esposa, la reina Leonor, su hija Berenguela, sus hijos Enrique y Leonor, y los hijos de Berenguela, Fernando y Alfonso. Sus restos mortales fueron trasladados a Burgos, donde recibieron sepultura en el panteón de las Huelgas Reales de Burgos. Unos días después, el 31 de ese mismo mes de octubre, falleció su esposa Leonor.

Acabadas las exequias de Alfonso VIII, fue proclamado rey de Castilla su hijo Enrique, de once años de edad. Al morir sus padres, casi al mismo tiempo, Berenguela se convirtió en tutora del pequeño rey y en la regente y gobernadora del reino.

Berenguela obró con gran prudencia, pero las intrigas de algunos nobles, especialmente, los condes Fernando, Álvaro y Gonzalo, hijos del conde Nuño Pérez de Lara, el último tutor de Alfonso VIII, consiguieron que el ayo designado por Berenguela para guardar al nuevo rey entregara al joven monarca a Álvaro Núñez de Lara.

Con el rey en su poder, Álvaro consiguió que Berenguela le entregase la regencia del reino pero con algunas limitaciones, pues le hizo jurar que sin su consejo no consentiría lo siguiente:

· No daría ni arrebataría ninguna tierra o gobierno a nadie,

· No haría la guerra a los reinos vecinos,

· No impondría ningún tributo en ninguna parte del reino.

· Este traspaso de poderes tuvo lugar en la primavera de 1215.

Pronto Álvaro comenzó a atropellar a los nobles que no eran sus partidarios. Éstos se quejaron a Berenguela, lo que provocó represalias de Álvaro contra la reina, que buscó refugió en el castillo de Autillo, que era del mayordomo real Gonzalo Rodríguez, mientras enviaba a su hijo Fernando junto a su padre a León.

En abril de 1217 Álvaro inició el ataque armado contra los partidarios de Berenguela en Tierra de Campos, llegando incluso a sitiarla en su residencia de Autillo de Campos, mientras dejaba al rey Enrique en Palencia en el palacio episcopal. Aquí, durante un juego infantil, una teja alcanzó al niño rey en la cabeza, que gravemente herido falleció a los pocos días.

Berenguela, al conocer la noticia, hizo venir a su hijo desde Toro. Con sus partidarios se dirigieron a Palencia, abandonada por Álvaro; luego por Dueñas fue a instalarse en Valladolid, desde donde dirigió todas las negociaciones que conducirían a que los concejos la reconocieran como legítima heredera y reina de Castilla, con el ruego de que entregase el reino a su hijo. Esta proclamación de Berenguela y de su hijo Fernando como reina y rey de Castilla tuvo lugar en la plaza del mercado de Valladolid entre el 2 y el 3 de julio de 1217.

Casi treinta años duró esta alianza entre madre e hijo. Fernando será el rey de Castilla y gobernará con plenos poderes, pero el consejo prudente de su madre estará presente en todas las decisiones de Fernando III. Los diplomas se expiden siempre a nombre de Fernando, pero éste consignará en todos ellos que lo hace “con el beneplácito de la reina doña Berenguela”. Entre madre e hijo siempre hubo diálogo y prudencia.

En 1224, Fernando inicia sus conquistas por Andalucía y su madre se queda en Castilla, casi siempre en Burgos, gobernando el reino con prudencia y apoyando las campañas de su hijo. Aconsejó a Fernando en la elección de sus dos esposas y en dialogar con los nobles, consiguiendo el perdón y reconciliación de los hombres alzados. Berenguela contribuyó con su prudencia a que Fernando III sucediera de forma pacífica a su padre en el reino de León.

Berenguela murió el 8 de noviembre de 1246, con merecida fama de mujer y de gobernante prudente y discreta. Sus restos mortales fueron depositados en las Huelgas de Burgos junto a sus padres.

Castillo de Doña Berenguela, Bolaños de Calatrava (Ciudad Real)

Su actual Torre del Homenaje es lo que conservamos de la originaria construcción árabe. Fue conquistado por los cristianos. Perdido tras la batalla de Alarcos y vuelto a recuperar en 1212 definitivamente.

La reina Berenguela lo donó a la Orden de Calatrava, para que defendiera su campo de los continuos ataques musulmanes. La Orden se mantuvo allí hasta 1544, momento en que lo abandonó.

De planta rectangular, estuvo rodeado de un foso que actualmente está recuperado en dos de las cuatro murallas. Tiene dos torres, la del Homenaje y la Torre Prieta, con muros rematados por almenas.

La Torre Prieta es una mole de piedra de forma rectangular, sin almenas, y en la que apenas pueden apreciarse vanos o elementos decorativos. Está compuesta por tres pisos y sus dimensiones son mayores que las de la Torre del Homenaje.

Uno de los aspectos significativos del edificio es su escudo, en el que pueden apreciarse dos partes bien diferenciadas: un castillo de oro, en el que aparece representada la vecindad y una espada que atraviesa el pan, que representa el impuesto que se pagaba a la orden de la que dependía su defensa.

Castillo de Doña Berenguela. Bolaños

Castillo de Doña Berenguela. Bolaños de Calatrava

 


 

Foto de Portada: Dª Berenguela, Reina de Castilla

1850. Óleo sobre lienzo, 224 x 140 cm.

Museo del Prado. No expuesto

En 1847, José de Madrazo, como director del Real Museo, recibió el encargo de Isabel II de realizar una genealogía iconográfica de todos sus antepasados reales.

El proyecto tenía un evidente sentido político de legitimación de los derechos de la Soberana, en un período caracterizado por una incesante lucha contra el poder femenino. Se implicó en la ejecución del encargo a un considerable número de artistas contemporáneos, tanto reconocidos como noveles, pero casi todos asociados al círculo protector de José de Madrazo.

En mayo de 1850 se encarga la pintura a Francisco Prats y Velasco, “haga el retrato de la Reyna de Castilla Doña Berenguela… Pagado”.

 


 

BIBLIOGRAFÍA

R. Jiménez de Rada, “De rebus Hispaniae”, y L. de Tuy, “Chronicon mundi”, en A. Schott (ed.), Hispania Illustrata, Frankfurt, 1608, t. II, págs. 25-194 y t. III, págs. 1-116, respect.;

A. Lupián Zapata, Epítome de la vida y muerte de la reina doña Berenguela […], Madrid, Nogués, 1665; M. de Manuel Rodríguez, Memorias para la vida del Santo Rey don Fernando III, Madrid, 1800;

G. Martínez Díez, Fernando III (1217-1252), Burgos, La Olmeda, 1993 (col. Reyes de España).

Real Academia de la Historia

museodelprado.es

http://www.verema.com (Gastronomía)

http://www.turismocastillalamancha.es (Castillo de doña Berenguela)

Imágenes tomadas de Wikipedia

 

 

 

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Heracles o Hércules latino

HERACLES DE TEBAS, HÉRCULES LATINO

Dra. María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

Nota: Dada la extensión del documento, se recomienda leerlo on line o descargarlo a través del enlace que aparece al final

 

 

Viaje a Nápoles, Costa Amalfitana y Capri. 2015 - Museo Arqueológico de Nápoles - Hércules Farnesio - Hércules en reposo

Hebe - s.-XIX - Museo del Prado, Madrid -

Hércules Farnesio – Hércules en reposo

Viaje a Nápoles, Costa Amalfitana y Capri. 2015

Museo Arqueológico de Nápoles

Hebe – s.-XIX

Museo del Prado – Madrid

Tadolini, Adamo (Bolonia, 1788 – Roma, 1868)

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En la Mitología el tiempo de los héroes se denomina Época heroica y abarca desde el nacimiento de Heracles hasta el final de la Guerra de Troya.

Los héroes acometen grandes hazañas, lidian con seres fantásticos, fundan ciudades y son objetos de culto.

Heracles, a quien los romanos llamaban Hércules, es el héroe divino, el más célebre y popular de toda la Mitología clásica.

En sus orígenes, el hijo de Anfitrión y Alcmena se llamaba Alcides o Alceo, nombre de su abuelo, que evoca la idea de fuerza física.

Heracles es el nombre que le impuso el dios Apolo y la Pitia cuando pasó a ser servidor de Hera y se vio sometido a los trabajos que la diosa ordenó que se le impusieran.

Tras matar a sus propios hijos, nacidos de su esposa Mégara, la Pitia le ordenó que tomase el nombre de Heracles, que significa “la gloria de Hera”, porque los trabajos que iba a emprender glorificarían a la diosa.

Nació en Tebas, pero siempre considerará al Peloponeso y a la Argólide, como su verdadera patria.

Heracles es hijo de Zeus y de Alcmena, una mujer moral descendiente de Perseo.

Zeus, aprovechando la ausencia de su esposo Anfitrión, tomó su forma y aspecto para engañar a Alcmena y así engendró al héroe en una larga noche prolongada por orden suya.

Al día siguiente Anfitrión volvió de la expedición y engendró un segundo hijo, Ificles, hermano gemelo del héroe. Anfitrión se resignó a ser el padre putativo del niño divino.

Zeus afirmó que el niño que nacería del linaje de Perseo reinaría en Argos. Pero Hera, celosa de Alcmena, obtuvo de su hija Ilitía, diosa de los alumbramientos, que se retrasase el nacimiento de Heracles y se adelantase el de su primo Euristeo.

Para que el héroe pudiera ser inmortal, Hermes acercó al niño al seno de la diosa Hera mientras dormía.

Cuando ésta se despertó le apartó, pero ya era demasiado tarde. La leche que fluyó de su pecho dejó en el cielo la estela de la Vía Láctea.

 

RUBENS. EL NACIMIENTO DE LA VÍA LÁCTEA

Museo del Prado. 1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 244 cm.

La historia del nacimiento de la Vía Láctea se narra en diversas obras entre las cuales está Ovidio en el primer libro de sus Metamorfosis (168-171).

Sin embargo éste relato es bastante somero de tal forma que, en el caso del lienzo pintado por Rubens, la fuente es el Poeticon Astronomicon de Higinio.

La leche de Juno convertía a quienes la tomaban en inmortal, por lo que Júpiter colocó allí a Hércules, hijo del dios y de la mortal Alcmena.

Rubens. El nacimiento de la Vía Láctea

RUBENS. LA VÍA LÁCTEA. 1636-1638. MUSEO DEL PRADO, MADRID

Higinio narra como la fuerza del niño hizo despertarse a la diosa, quien, al lanzarle lejos, hizo que su leche se derramara hasta crear la Vía Láctea.

En el lienzo el bebé no es arrojado, sino que la leche sale disparada, lo que hace pensar en una reinterpretación de la narración por parte del artista.

Se introduce a la figura de Zeus (Júpiter) como testigo del suceso, a cuyos pies aparece el águila con los rayos en las garras.

Detrás de Hera aparece su carro de oro tirado por pavos reales, el elemento iconográfico de la esposa de Zeus (Júpiter).

La celosa Hera envió dos enormes serpientes a la cuna de los niños. Ificles empezó a llorar, pero Heracles con sólo 8 ó 10 meses las estranguló con sus poderosas manos. Así Anfitrión se dio cuenta de que Heracles era hijo de un dios.

 

HÉRCULES NIÑO. Primer tercio del siglo XVII. Pórfido, 79 x 72 cm.

 

Hércules niño

HÉRCULES NIÑO. Primer tercio del siglo XVII. Pórfido, 79 x 72 cm. Museo del Prado

En el altorrelieve aparece la figura de Hércules niño, de tamaño natural, encima de su cuna, luchando con una serpiente.

Se muestra gran habilidad técnica por la dificultad de trabajar el pórfido. El hecho de mezclar materiales de distintos colores, aumentando el valor decorativo y es típico del arte Barroco.

 

BIOGRAFÍA DE HERACLES

 

Heracles significa la gloria de Hera. Con el tiempo la diosa se reconcilió con él y se convirtió en su madre inmortal.

En la formación de Heracles intervinieron:

  • Anfitrión, que le enseñó a conducir el carro de guerra.
  • Radamantis quien, como cretense, era un hábil arquero.
  • El Dioscuro Cástor, que le enseñó el manejo de las armas.
  • Lino, que le introdujo en el arte de la música.

 

Su fuerza y su carácter colérico se manifestaron pronto.

A los 18 años realizó su primera hazaña al matar al león de Citerón, fiera devastadora para los rebaños de su padre Anfitrión y del rey Tespio, de un país cercano a Tebas.

Se instaló en el palacio real de Tespio y el monarca, que deseaba tener nietos del héroe, cada noche le envió a cada una de sus 50 hijas, así llegó a ser padre de 50 hijos, los Tespiadas.

Al cabo de esos 50 días consiguió matar al león.

El rey de Tebas, Creonte, le concedió la mano de su hija Mégara. Con ella tuvo varios hijos a los que mató con sus propias manos como consecuencia de un acceso de locura que le envió Hera, que quería que se trasladase a Argos y se pusiera al servicio de Euristeo.

Tras el parricidio intentó suicidarse, pero intervino el prudente héroe Teseo y se le llevó a Atenas. Teseo es el símbolo de la prudencia y la mesura áticas frente a la violencia doria.

El contenido del documento completo es le siguiente:

  • HERACLES DE TEBAS, HÉRCULES LATINO
  • RUBENS. EL NACIMIENTO DE LA VÍA LÁCTEA
  • HÉRCULES NIÑO. Primer tercio del siglo XVII
  • BIOGRAFÍA DE HERACLES
  • LOS DOCE TRABAJOS DE HERACLES
  • 1 – EL LEÓN DE NEMEA, NIETO DE TIFÓN
  • FRANCISCO DE ZURBARÁN (Badajoz, 1598 – Madrid, 1664)
  • HÉRCULES LUCHA CON EL LEÓN DE NEMEA
  • 2 – LA HIDRA DE LERNA, HIJA DE TIFÓN
  • 3 – EL JABALÍ DE ERIMANTO
  • 4 – LA CIERVA DE CERINIA
  • BARCELÓN Y ABELLÁN, JUAN (Lorca, 1739 – Madrid, 1801)
  • HÉRCULES ALCANZA AL CIERVO DE LOS PIES DE BRONCE
  • TALLA DULCE O GRABADO A BURIL
  • 5 – LAS AVES DEL LAGO ESTINFALO, ARCADIA
  • BARCELÓN Y ABELLÁN, JUAN (Lorca, 1739 – Madrid, 1801)
  • 6 – LOS ESTABLOS DE AUGIAS, EN EL PELOPONESO
  • ZURBARÁN. HÉRCULES DESVÍA EL CURSO DEL RÍO ALFEO
  • 7 – EL TORO DE CRETA
  • ZURBARÁN. HÉRCULES Y EL TORO DE CRETA
  • 8 – LAS 4 YEGUAS DEL REY DIOMEDES EN TRACIA
  • 9 – EL CINTURÓN DE LA REINA DE LAS AMAZONAS
  • 10 – LOS BUEYES DEL GERIONES O GERIÓN
  • 11 – EL CAN CERBERO DE TRES CABEZAS
  • HÉRCULES SE LLEVA A CERBERO
  • 12 – LAS MANZANAS DE ORO DEL JARDÍN DE LAS HESPÉRIDES, EL REGALO DE BODA DE GEA A HERA
  • ARANJUEZ, JARDÍN DEL PARTERRE
  • ATLANTE. PALACIO DUCAL DE VENECIA
  • HÉRCULES FARNESIO. MUSEO ARQUEOLÓGICO, NÁPOLES
  • HÉRCULES Y LA REINA ÓNFALE
  • HERACLES Y ÓNFALE, MUSEO DEL PRADO
  • MATRIMONIO, MUERTE Y APOTEOSIS DE HERACLES
  • HEBE
  • Tadolini, Adamo (Bolonia, 1788 – Roma, 1868)
  • ICONOGRAFÍA DE HÉRCULES
  • ANNIBALE CARRACCI. HÉRCULES EN LA ENCRUCIJADA
  • PACHECO. LA APOTEOSIS DE HÉRCULES. 1603-1604. SEVILLA
  • BIBLIOGRAFÍA

 

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El Greco, Doménico Theotocópuli

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

El Greco, Doménico Theotocópuli

(Candía, Creta, 1541 – Toledo, 1614)

N.B. Debido a la extensión del documento, en esta entrada sólo aparece la biografía de El Greco. El documento completo se puede leer y descargar al final del mismo

El Greco. El caballero de la mano en el pecho

El Greco nació en la capital de la isla de Creta, Heraklion, territorio de la República de Venecia, en el seno de una familia griega, probablemente católica.

Se formó como pintor de iconos en la tradición tardobizantina y utilizaba grabados del renacimiento italiano.

Su familia posiblemente era ortodoxa y puede que se mantuviera en su fe toda la vida, pero se convirtió en católico al ir a Venecia, ya que un pintor ortodoxo no hubiese prosperado en Italia.

Tuvo un hermano diez años mayor que él, que era cobrador de impuestos y no lo desempeñó correctamente y terminó en la cárcel.

En 1556 murió su padre, cuando Doménico tenía sólo 15 años y su hermano mayor fue su protector. Pero los problemas económicos de su hermano hicieron que años después buscara la protección del pintor, cuando tenía fama en Toledo, y en su casa murió en 1604.

Abandonó Creta para no volver jamás y no sabemos si dejó allí familia.

En 1563 era ya maestro de pintura y en 1566 solicitaba permiso para que se le tasara un icono de la Pasión, para poder venderlo.

La pintura de iconos era encorsetada y él necesitaba mayor libertad.

Se vendió una pintura suya por un precio muy alto en una lotería “La pasión de Nuestro Señor” y con el dinero que obtuvo pudo ir a la metrópolis, Venecia, que era la escuela más atractiva del momento.

En 1567 llega a Venecia, donde residió hasta 1570 y donde pudo aprender el estilo de Tiziano desde fuera de su taller.

Fue muy feliz en Venecia. Veía como trabajaban los maestros y aprendió de Tiziano y Tintoretto. Esto le hizo dar un paso extraordinario en la visión del color y la luz.

En Venecia había grandes figuras y no consiguió el éxito, pero los rojos de Tiziano embargaron su alma.

En Venecia se afianzó en el dominio del empleo del color, la perspectiva, la anatomía y la técnica del óleo, aunque no abandonará por completo sus usos tradicionales.

Tras un viaje de estudios por Italia: Padua, Vicenza, Verona, Parma y Florencia, se instaló en Roma.

Florencia fue su siguiente etapa: Miguel Ángel, Botticelli, etc. El aprende de todos y lo fusiona en su mente, creando su propio estilo.

1570, Roma será su siguiente etapa italiana. En ella conoció al cardenal Alejandro Farnesio.

En Roma conoció a Chacón, un canónigo toledano, y a D. Luis de Castilla y oyó hablar del gran proyecto del rey Felipe II, El Escorial.

El Greco despreció la obra de Miguel Ángel, el gran genio del Renacimiento, y esto fue el gran escollo que le generó grandes enemistades, aunque Miguel Ángel le influirá siempre.

Cuando el Papa Gregorio XIII dijo que había que eliminar el Juicio Final de Miguel Ángel por considerarlo indecente, El Greco dijo que sería bueno que lo hiciesen porque ahora lo podría hacer él mejor, dejando a todos estupefactos.

Doménico decía que Miguel Ángel pintó esculturas en la Sixtina y le expulsaron inmediatamente de Roma.

En Roma permaneció hasta 1576, en contacto con el círculo intelectual del cardenal Alejandro Farnesio, que frecuentaban diversos religiosos y hombres de letras españoles, e inicialmente estuvo alojado en el ático de su palacio.

En 1572 fue expulsado de la servidumbre del cardenal e ingresó, con derecho a abrir su propio taller, en la asociación gremial romana, la Academia de San Lucas.

Trabajó preferentemente desde entonces como retratista y en pequeñas obras religiosas para clientes particulares, sin éxitos de envergadura, por lo que decidiría emigrar.

Decidió venir a España, a la Corte de Felipe II, el país más poderoso del mundo, para decorar el Monasterio de El Escorial.

En España se encontraba en la primavera de 1577, primero en Madrid y luego en Toledo.

El Greco llegó a Toledo, que era un hervidero de espiritualidad, y mantenía el crisol de las tres culturas que le hicieron famoso.

En Toledo, ciudad imperial con Carlos V, El Greco se convirtió en el genio precursor de las vanguardias.

D. Luis de Castilla, hijo natural del Deán de la catedral de Toledo, D. Diego de Castilla, será el patrocinador principal de El Greco.

El artista tasaba muy alto sus pinturas y fue muy polémico. Sus precios fueron muy elevados para la época, pero le hicieron muchos encargos.

En Toledo tuvo contratos con la catedral y el monasterio de Santo Domingo el Antiguo. Sus primeros lienzos fueron “el Expolio” para la catedral, que tuvo un pleito largo y costoso, que tardó años en cobrar y tres retablos para el monasterio, de los que dos lienzos se conservan en el Museo del Prado.

El Retablo Mayor de Santo Domingo el Antiguo presenta unas figuras que claramente son herencia del genio florentino, Miguel Ángel, a pesar de las críticas que hizo de él.

En 1578 nació su hijo Jorge Manuel Theotocópuli, fruto de una relación efímera con Jerónima de las Cuevas, mujer que procedía del medio artesanal toledano.

Se cree que ella murió tras el parto, ya que no se vuelven a tener noticias suyas y Doménico dio su apellido a su hijo Jorge Manuel.

No existen noticias sobre el matrimonio entre ambos, creyéndose que Doménico ya estaba casado en Italia y que Jorge Manuel era hijo natural, refiriéndose a él en una ocasión como “sobrino” apelativo que se utilizaba en la época para referirse a los bastardos.

Desde esta fecha, Doménico “El Griego” reside en Toledo, de donde saldrá en escasas ocasiones, siempre por motivos laborales.

Tuvo nueve pleitos documentados, incoados por él mismo o por algunos de sus clientes, ya fuera a causa del valor y precio por el que se tasaban sus lienzos o por las quejas, de orden técnico o por razones iconográficas, que levantaron algunos de ellos, como el propio “Expolio” o “la Virgen de la Caridad de Illescas” (Toledo), al inicio y final de su carrera.

Tras ser rechazado en 1584, por Felipe II y la congregación jerónima escurialense, su encargo de “El Martirio de San Mauricio” para uno de los altares de la basílica, El Greco amplió su taller.

Inició la producción de retablos y lienzos, para conventos y parroquias de la ciudad y del arzobispado toledano.

También realizaba cuadros de pequeño formato para una clientela de carácter privado.

Sus principales trabajos consistieron en la ejecución de retablos para monasterios, parroquias y capillas:

· la parroquia de Talavera la Vieja (Cáceres),

· la capilla de San José y la capilla del Colegio de San Bernardino de Toledo,

· el Colegio de la Encarnación o de doña María de Aragón de Madrid,

· la iglesia del Hospital de Nuestra Señora de la Caridad de Illescas,

· la capilla Oballe de la parroquia de San Vicente Mártir o los del Hospital de San Juan Bautista o Tavera de Toledo, que dejó sin acabar a la hora de su muerte. Contrató, a veces con su hijo, otros muchos que nunca llegó a ejecutar, como el del monasterio de Nuestra Señora de Guadalupe (Cáceres).

En sus últimas obras, El Greco proyectó de forma innovadora conjuntos artísticos plurales, en los que se combinaban la arquitectura y las esculturas de los retablos con sus lienzos y otras telas empotradas en muros o bóvedas, concibiéndolos como complejos sistemas formales y visuales que debieron producir, hoy es difícil encontrar alguno en su estado original, efectos fascinantes.

La arquitectura le interesó a lo largo de su carrera española y, a pesar de no diseñar ningún edificio, adoptó una postura de oposición al arquitecto real Juan de Herrera y sus fieles seguidores.

El Greco vivió un ambiente refinado, gastando más de lo que ingresaba por su trabajo, y rodeado por la intelectualidad académica toledana y un breve grupo de amigos italianizados y helenistas.

Doménico era un sibarita y llevaba un fastuoso tren de vida, como indica Jusepe Martínez: “ganó muchos ducados, pero los despilfarró en una vida ostentosa; incluso mantenía a músicos asalariados en su casa de modo que pudiera gozar de estos placeres mientras comía”. Pacheco observó que “era extraordinario en todo y tan extravagante en sus pinturas como en sus costumbres”.

El Greco murió sin dictar testamento el 7 de abril de 1614, dejando una obra elogiada por los poetas Luis de Góngora y fray Hortensio Félix Paravicino.

Se rechazaban sus obras por el carácter inapropiado de sus realizaciones religiosas y por sus colores fuertes.

Su arte, repudiado por la Ilustración del XVIII, fue redescubierto por los pintores franceses del siglo XIX, por una interpretación acorde con sus propios intereses, iniciándose la apropiación españolista del hasta entonces tenido por un griego discípulo de Tiziano.

La Generación del 98 lo entendió como representación del espíritu religioso español del Siglo de Oro, en su vertiente literaria de la época: la mística de Santa Teresa de Jesús y San Juan de la Cruz.

Las corrientes pictóricas de comienzos del siglo XX le vieron como un precedente libre, opuesto a la imitación mecánica de la realidad.

En la actualidad, se interpreta la pintura de El Greco como la de un pintor intelectual y filósofo, que se tuvo por “genio“, ajeno a las preocupaciones de los devotos y eruditos contemporáneos.

Estuvo al servicio de la Contrarreforma en la España de Felipe II y Felipe III y a contracorriente con una pintura personalísima, que plasmó en anotaciones personales en libros de su rica biblioteca, como en los márgenes de las “Vidas”, de Giorgio Vasari y de “Architettura”, de Vitrubio.

El Museo del Prado conserva también lienzos del “Retablo del colegio de los agustinos de Doña María de Aragón” (1596-1600), como “La Anunciación”, “El Bautismo de Cristo” y “La Crucifixión”, así como dos “La Resurrección de Cristo” y “Pentecostés” cuya adscripción a este retablo es muy discutible.

Más tardío es “Adoración de los pastores” (1612), procedente de su “Retablo funerario de Santo Domingo el Antiguo“.

Otras obras se han supuesto iniciadas por Doménico y concluidas, tras su muerte, por su hijo Jorge Manuel y el taller de Toledo, obras, por lo tanto, muy tardías y restauradas.

Sus figuras se hacen cada vez más estilizadas, en un estilo manierista muy personal con figuras desproporcionadas, colores violentos y vibrantes y fuertes escorzos, que consiguen calar profundamente en la mística sociedad toledana.

Fue enterrado en la iglesia del convento de Santo Domingo el Antiguo en un altar cedido en 1612 por las monjas “para siempre jamás” a cambio de 32.000 reales condonados por un monumento para la Semana Santa y por el compromiso de decorar el altar. Para ello realizó la Adoración de los pastores que hoy guarda el Museo del Prado.

A partir de estas noticias existen dos hipótesis: sigue en Santo Domingo enterrado junto a su nuera, Alfonsa de los Morales, cubiertas las tumbas por construcciones posteriores, o en 1618 fueron trasladados su cuerpo y el de su nuera a la iglesia de San Torcuato, cuyas obras estaba dirigiendo Jorge Manuel.

Esta iglesia toledana ha desaparecido por lo que no sabemos en la actualidad dónde se encuentra el cuerpo del pintor.

Su vida se resume en unos versos de su buen amigo el poeta Fray Hortensio Félix Paravicino: “Creta le dio la vida y los pinceles, Toledo mejor patria, donde empieza a lograr con la muerte eternidades”.

El entierro del señor de Orgaz - El Greco

El guion del documento completo es el siguiente:

  • Martirio de San Mauricio, El Escorial
  • San Mauricio, Patrón de la Orden del Toisón de Oro
  • El Expolio de Cristo, Catedral de Toledo
  • El Entierro del Señor de Orgaz
  • Don Gonzalo Ruiz de Toledo
  • El Cielo y la Tierra
  • El Cielo
  • La Anunciación, Museo del Prado
  • La Trinidad, Museo del Prado
  • El Caballero de la Mano en el Pecho
  • El Greco (y Taller) la Santa Faz
  • Greco y Taller. La Coronación de la Virgen
  • Bautismo de Cristo. Museo del Prado
  • La Crucifixión. Museo del Prado
  • La Resurrección de Cristo. Museo del Prado
  • La Anunciación. Museo del Prado
  • La Sagrada Familia, Santa Ana y San Juanito. Museo del Prado
  • Pentecostés. Museo del Prado
  • El Greco en Illescas (1603-1605)
  • Hospital de la Caridad
  • Santuario de la Caridad, Illescas, Toledo
  • San Ildefonso (606- 669). Obispo de Toledo
  • Milagro del Encuentro con la Virgen
  • San Ildefonso
  • La Coronación de la Virgen, la Anunciación y la Natividad
  • Epimeteo, Museo del Prado
  • Pandora, Museo del Prado
  • Adoración de Los Pastores. Museo del Prado
  • San Sebastián. Museo del Prado
  • El Greco. Expulsión de los mercaderes
  • Iglesia de San Ginés, Madrid

 

La Coronación

 


 

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Divinidades Mitológicas del Agua

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DEL AGUA

El triunfo de Galatea

EL TRIUNFO DE GALATEA

DIVINIDADES MITOLÓGICAS DEL MAR

NEREO, EL VIEJO DIOS DEL MAR

Nereo es hijo de Gea (la Tierra) y Ponto (la Ola marina).

Es una divinidad de las fuerzas elementales del Mundo y existía antes de los dioses Olímpicos.

NEREO. MUSEO DE CARMONA. SEVILLA            NEREO. MUSEO DE CARMONA. SEVILLA

Su esposa fue Dóride, hija de Océano, con la que engendró a las Nereidas.

Nereo, el Viejo del Mar, como casi todos los dioses marinos tiene el don de metamorfosearse en toda clase de animales y seres.

Es un dios bienhechor y benévolo para los marineros.

Se le representa con barba cana, cabalgando un tritón y armado con un tridente.

 

LAS NEREIDAS, LAS OLAS DEL MAR

Las Nereidas son divinidades marinas,hijas de Nereo y Dóride, y nietas de Océano, y por lo tanto son inmortales.

Como todas las divinidades marinas tienen el don de transformarse.

Las Nereidas personifican las olas del mar. Generalmente son 50, pero a veces su número se eleva a 100.

Las Nereidas vivían en el fondo del mar, en el palacio de su padre, sentadas en tronos de oro.

Eran bellísimas y pasaban el tiempo cantando y tejiendo.

Los poetas se las imaginaban meciéndose en las olas, con los cabellos al viento, nadando entre tritones y delfines.

Las Nereidas más destacadas son:

Tetis, madre de Aquiles,                                              

Anfitrite, esposa de Posidón, y

Galatea, el gran amor de Polifemo.

GALATEA

Galatea juega un papel primordial en las leyendas populares de Sicilia. Es la doncella blanca que habita en el mar en calma.

Galatea es amada por el Cíclope siciliano Polifemo, pero ella no le corresponde porque está enamorada del bello Acis, hijo del dios Pan y de una ninfa.

Un día, mientras Galatea descansaba sobre el pecho de Acis, en la orilla del mar, Polifemo los vio, sintió celos y arrojó una enorme roca con la que aplastó a Acis mientras intentaba huir.

Galatea convirtió a su amado en un río de limpias aguas.

RAFAEL. TRIUNFO DE GALATEA. VILLAFARNESINA. ROMA  

Agostino Chigi, un comerciante rico de Siena, le encargó a Raffaello pintar una logia de su palacio Chigi, en el Trastevere.

Raffaello (Urbino, 1483 – Roma, 1520) se deleitaba con las mujeres y los placeres carnales y falleció a los 37 años.

Cuando su amigo Agostino Chigi le encargó que pintara la primera logia en su palacio, Raffaello no prestaba atención a su trabajo, debido a la pasión por su amante.

Agostino cayó en tal desesperación, que consintió que esta dama viniera a vivir con Raffaello en la parte de la casa donde trabajaba y de esta manera se completó el trabajo.

Margarita Luti (1493-1522), hija un panadero de Siena, conocida como la Fornarina, aparece en muchas composiciones de Rafael, especialmente entre 1510 y 1520.

Pintó muchas figuras al fresco con su propia mano:

  • La nereida Galatea triunfal en un carro tirado por dos delfines y rodeado por Tritones y muchos dioses del mar.
  • En el techo hizo el Concilio de los Dioses de la antigüedad, ejecutados con gracia y destreza.
  • De la misma manera hizo el matrimonio de Psique acompañado de las Gracias distribuyendo flores sobre la mesa.

(Vasari “Le Vite de più eccellenti pittori, scultori e architetti”).

LOGIA DE GALATEA

La Loggia toma su nombre del fresco de la nereida Galatea de Raffaello Sanzio, quien lo pintó con delicados rasgos faciales y un bellísimo cuerpo, transportado sobre el agua en un carro formado por una concha tirada por delfines y alrededor de un Fiesta de tritones, cupidos y nereidas.

La logia fue pintada al fresco por diferentes artistas:

El primero fue Baldassar y Peruzzi, quienes en 1511 pintaron el horóscopo de Agostino Chigi en la bóveda.

En el invierno de 1511-1512, Sebastiano del Piombo, uno de los mejores talentos pictóricos venecianos, pintó las escenas mitológicas de los nueve lunetos con varias escenas tomadas de las Metamorfosis de Ovidio.

Peruzzi decoró el décimo con una cabeza gigantesca de un joven, que la leyenda quería que fuera la obra del gran Miguel Ángel Buonarroti.

La leyenda dice que Miguel Ángel, curioso de examinar cómo procedían los frescos de Rafael, ya que este último no permitía que nadie viera su trabajo, se disfrazó de vendedor distrayendo a los guardianes con mercadería.

Una vez que entró en el palacio, pudo admirar el trabajo de su rival. Incapaz de resistir la tentación, tomó un trozo de carbón y pintó una cabeza hermosa y gigantesca, sin ningún color, antes de marcharse.

POLIFEMO Y EL TRIUNFO DE GALATEA

POLIFEMO Y EL TRIUNFO DE GALATEA VILLAFARNESINA. TRASTÉVERE, ROMA


Sebastiano del Piombo pintó una gran figura de Polifemo en una pared, el eterno enamorado de Galatea, originalmente desnudo y después se le vistió de azul.

ANFITRITE Y NEPTUNO

Escultura de Anfitrite (1866) realizada por François Théodore Devaulx (1808–1870).

Ubicada en la fachada norte del patio cuadrado del Palacio del Louvre, en París.

ANFITRITE (1866). PATIO CUADRADO DEL PALACIO DEL LOUVRE, PARÍS.

ANFITRITE (1866). PATIO CUADRADO DEL PALACIO DEL LOUVRE, PARÍS.


Se la representa rodeada de divinidades marinas.

Anfitrite es la reina del Mar, “La que rodea el mundo”.

Esta nereida es hija de Nereo y Dóride y dirige el coro de sus hermanas.

Cuando danzaba un día con ellas, cerca de la isla de Naxos, Poseidón la vio y la raptó porque la amaba desde hacía mucho tiempo.

Los delfines la condujeron en medio de un solemne cortejo hasta Poseidón, quien la hizo su esposa, desempeñando junto al dios el mismo papel que Hera junto a Zeus.

Los matrimonios de los Dioses Olímpicos fueron:

  • Zeus – Hera
  • Poseidón – Anfitrite
  • Hades – Perséfone

 

LA NEREIDA TETIS Y SU HIJO AQUILES

La nereida Tetis, hija de Nereo y su esposa Dóride, es la más célebre de todas las nereidas y como todas las divinidades marinas es inmortal.

Tetis fue criada por Hera, de igual forma que la esposa de Zeus había sido criada por la titánide Tetis, hija de Gea y Urano.

Tetis recogió y cuidó a Hefesto, que cayó en el Océano, al ser arrojado desde el Olimpo por su padre Zeus por intervenir en favor de su madre Hera.

Zeus y Posidón quisieron conquistar a la bella nereida Tetis, pero el oráculo de Temis reveló que el hijo que naciera de ella sería más poderoso que su padre.

Los dos grandes dioses no insistieron y se la cedieron a un mortal, para quien el cumplimiento de esta profecía no significaba ningún inconveniente.

El centauro Quirón se apresuró a aconsejar a su protegido Peleo, rey de Ptía (Tesalia), que aprovechase esta ocasión para casarse con una divinidad.

La boda de Tetis y Peleo se celebró en el monte Pelión y a ella asistieron los dioses. Las Musas cantaron y todos ofrecieron un regalo a los recién casados.

Poseidón les regaló 2 caballos inmortales, que más tarde aparecerán unidos al carro de su hijo Aquiles.

La diosa Éride, personificación de la Discordia, lanzó sobre la mesa una manzana de oro que debía ser otorgada a la diosa más hermosa.

Hera, Atenea y Afrodita se disputaron esa manzana de oro y nadie quiso pronunciarse por una de las tres divinidades.

Zeus encargó a Hermes que guiase a las tres diosas al monte Ida, para que Paris resolviese el tema.

Hermes persuadió a Paris para que actuase de árbitro, por ser esa la voluntad de Zeus.

Las tres diosas defendieron ante él su propia causa y cada una le prometió su protección y determinados dones si fallaba en su favor:

  • Hera se comprometió a darle poder y el imperio de Asia.
  • Atenea le ofreció sabiduría y la victoria en todos los combates.
  • Afrodita le brindó el amor de la más hermosa entre todas las mujeres, la bellísima Helena, reina de Esparta.

Paris se decantó por Afrodita y ella le concedió el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, esposa de Menelao, rey de Esparta.

Paris raptó a Helena y se la llevó a Troya, dando origen a la famosa Guerra de Troya.

Los pintores han representado a Paris como un pastor en un escenario bucólico y silvestre.

JORDAENS, JACOB. LAS BODAS DE TETIS Y PELEO

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 288 cm.

Jordaens colaboró con Rubens y fue muy influido por éste, aunque mantuvo su propia personalidad.

Van Dyck acentuó el lado aristocrático de Rubens. En cambio Jordaens se inclinó por el popular y cotidiano, aunque también trabajó el tema mitológico.

Las bodas de Tetis y Peleo se narran en las Fábulas de Higinio. Cuando se casaron Tetis y Peleo, Júpiter había invitado a todos los dioses al banquete excepto a la Discordia.

Ésta se presentó más tarde, pero no fue admitida en el banquete. Así que lanzó una manzana y dijo que la cogiera la más hermosa.

Juno, Venus y Minerva comenzaron a reivindicar para sí el título de belleza y surgió entre ellas una gran discordia.

Júpiter ordenó a Mercurio que las llevara al Monte Ida (Turquía),  junto a Paris, y que él actuara como juez.

Esta historia es importante porque es el inicio del famoso episodio El Juicio de Paris, del cual el Museo del Prado conserva dos obras de Rubens, una encargada por Felipe IV y realizada coetáneamente a la serie de la Torre de la Parada.

Al elegir Paris a Venus, quien le había prometido entregarle a Helena, desencadenó la Guerra de Troya.

S. Alpers, autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada hasta la fecha, dice que el episodio de la boda entre Tetis y Peleo no tiene tradición en las ediciones ilustradas de las Metamorfosis de Ovidio por lo que se insertaría más bien en la tradición de representar el “Festín de los dioses” que tanto gusta a los artistas.

Jordaens realizó obras de complicada ejecución y con bastantes personajes como: La caída de los gigantes, Apolo vencedor de Pan y ésta.

Es uno de los episodios con mayor número de personajes que forman parte de la Torre de la Parada, donde el movimiento, el dramatismo y la gran variedad de posturas son primordiales.

Éride es un personaje alado con rostro expresionista.

Tetis y Peleo aparecen a la derecha, apartados a la disputa.

Minerva, con sus atributos bélicos, se abalanza sobre la mesa.

Detrás de ella está Diana con la media Luna sobre la cabeza.

Venus está acompañada de su hijo Cupido.

Juno está sentada junto a su marido, Júpiter, que tiene la manzana en la mano para dársela a Mercurio, pero ella extiende la mano esperando recibirla.

El cuadro aparece firmado en la silla de Peleo con la siguiente inscripción: “I. IR. fecit Ao 16”.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados entre 1636-1638, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano el rey Felipe IV.

JORDAENS, JACOB. LASBODAS DE TETIS Y PELEO. MUSEO DEL PRADO

JORDAENS, JACOB. LAS BODAS DE TETIS Y PELEO. MUSEO DEL PRADO

Del matrimonio de Tetis y Peleo nacieron varios hijos, pero Tetis los mataba al acercarles al fuego para intentar convertirlos en inmortales.

Sólo su hijo pequeño, el famoso Aquiles se salvó, cuando su padre se le arrancó de las manos cuando ella le ponía al fuego para convertirle en inmortal. Estos hechos provocaron la ruptura del matrimonio entre Tetis y Peleo.

Tetis baño a Aquiles en las aguas del río Éstige, el río infernal, para hacerle invulnerable.

Sin embargo, el talón por el que sostenía al niño no fue tocado por el agua milagrosa y era su única zona vulnerable.

Cuando Aquiles tenía 9 años, el adivino Calcante anunció que Troya no podría ser tomada sin él.

Tetis, que sabía que Aquiles estaba destinado a morir ante la ciudad, le llevó junto a Licomedes, rey de Esciros, y le ocultó entre sus hijas durante 9 años llamándose Pirra “la rubia”.

Pero Aquiles no pudo escapar a su destino y fue descubierto por Ulises, que se presentó en la corte disfrazado de mercader.

Las princesas eligieron telas y joyas, pero Aquiles escogió las armas que estaban disimuladas entre ellas, no pudiendo así escapar a su destino. Su madre procuró protegerle por todos los medios, pero todo fue en vano.

Tetis le entregó a Aquiles la armadura divina que Hefesto le ofreció a Peleo como regalo de bodas. Añadió a ella los 2 caballos inmortales, que Posidón les obsequió en la boda y que después reaparecerán en el carro de Aquiles. 

La Ilíada manifiesta la cólera de Aquiles en el décimo y último año de la Guerra de Troya.

Su gran amigo Patroclo sucumbe a manos de Héctor y Aquiles le venga matando a Héctor, pero se niega a entregar el cadáver a su padre, el rey de Troya, y arrastra el cuerpo de Héctor alrededor de Troya.

Los dioses, indignados por la falta de respeto de Aquiles hacia los muertos, hacen que Zeus le pida a Tetis que su hijo entregue el cadáver de Héctor a su padre, el rey Príamo de Troya.

Finalmente, hay varias versiones sobre la muerte de Aquiles. Una se le atribuye a Paris, que mata al héroe en el templo de Apolo. Otra cuenta que Aquiles seguía luchando a las puertas de Troya y el dios Apolo le ordenó retirarse, pero como no obedeció el propio Apolo le dirigió una flecha al único punto vulnerable del cuerpo del héroe, el talón.

LAS SIRENAS

Las sirenas son genios marinos, mitad ave y mitad mujer, que se mencionan por primera vez en la Odisea.

Según Apolodoro, una tocaba la lira, otra cantaba y la tercera tocaba la flauta.

La leyenda más antigua dice que las sirenas habitaban en una isla del Mediterráneo y con su música atraían a los navegantes que pasaban por sus parajes.

Los barcos se acercaban hasta la costa rocosa de la isla y zozobraban y las sirenas devoraban a los imprudentes marinos.

Los Argonautas pasaron cerca de las sirenas, pero Orfeo cantó tan melodiosamente, mientras el Argo estuvo al alcance de su música, que los héroes no sintieron la necesidad de acercarse.

Ulises (Odiseo) al regresar de Troya, prudente y curioso a la vez, quería oír a las sirenas. Para ello ordenó a sus compañeros que le atasen fuertemente al mástil y dio orden de que nadie le desatase por insistentes que fuesen sus ruegos.

También mandó a sus marineros que se  tapasen los oídos con cera pero él no se los tapó para disfrutar de esa dulce música. Estaba siguiendo los consejos de la maga Circe, que le había advertido del gran peligro que suponían las sirenas.

Cuando empezó a oír a las sirenas, Ulises sintió un invencible deseo de ir hacia ellas, pero sus compañeros se lo impidieron.

Se dice que las sirenas, despechadas por su fracaso, se precipitaron al mar y perecieron ahogadas.

Tradicionalmente, la isla de las Sirenas se sitúa frente a Sorrento, en la bellísima Costa Amalfitana.

Posteriormente fueron consideradas divinidades del Más Allá, que cantaban para los bienaventurados en las Islas Afortunadas.

Pasaron a representar la armonía celestial y como tal aparecen a menudo en los sarcófagos.

Su mítica belleza y cola de pez son derivaciones posteriores.


SIRENA. MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL DE ATENAS

SIRENA. MUSEO ARQUEOLÓGICO NACIONAL DE ATENAS

MOSAICO. MUSEO DEL BARDO, TÚNEZ

MOSAICO. MUSEO DEL BARDO, TÚNEZ

DIVINIDADES DE AGUA DULCE

LOS RÍOS

Según Hesíodo, los Ríos son hijos de Océano y Tetis.

Eran poderes benéficos, creadores y purificadores.

Los ríos son imprescindibles, ya que si no hay agua no puede haber vida. Por eso todas las ciudades se asientan en las proximidades de un río.

Herodoto decía que el Nilo es el gran don de Egipto.

Sin este impresionante río la vida en Egipto sería imposible, ya que ambas orillas son un vergel en medio del desierto.

El Nilo era considerado un rey que había fertilizado Egipto. Se le representa como un hombre recostado y rodeado de símbolos de fertilidad como niños y la cornucopia. 

La cornucopia o el cuerno de la abundancia es el símbolo de la prosperidad y fertilidad. Amaltea fue la nodriza que crió a Zeus con la leche de una cabra. Un día Zeus jugando quebró un cuerno del animal y se le regaló a Amaltea, prometiéndole que el cuerno se llenaría milagrosamente de todos los frutos que ella deseara.

 

Capitolio - Fuente de los rios Tiber y Nilo. En el centro la diosa Minerva - Eduardo©2014
EDIFICIO DEL AYUNTAMIENTO DE ROMA EN EL CAPITOLIO

 

El Capitolio - Rio Nilo - Eduardo©2012

ESCULTURA DEL RÍO NILO. CAPITOLIO. ROMA

 

Identificamos esta escultura con el río Nilo por la esfinge sobre la que apoya su brazo izquierdo y por la cornucopia.  

           

El Capitolio - Rio Tiber - Eduardo©2012

          ESCULTURA DEL RÍO TÍBER. CAPITOLIO. ROMA

En esta escultura identificamos el río Tíber por los gemelos Rómulo y Remo y por la cornucopia.

LAS NINFAS

Eran las doncellas que poblaban los campos, los bosques y los lagos. Son muy longevas pero mortales.

Con su gracia personifican los espíritus de la Naturaleza.

Se consideran hijas de Zeus y personifican la fecundidad y la belleza.

Habitaban en grutas donde pasan la vida hilando y cantando y formaban parte del séquito de Ártemis.

Las ninfas desempeñan un importante papel en las leyendas. Son las “hadas” que aparecen en las narraciones.

La vida amorosa de las ninfas es muy variada:

·      Son esposas del héroe de una ciudad o de un país.

·      Aman a los dioses: Zeus, Apolo, Hermes, Dionisos.

·      Son amantes de los espíritus masculinos de la Naturaleza: Pan, los Sátiros, Príapo, etc.

·      Dafne, Eco, Calisto, tienen amores especiales.

ECO Y NARCISO

Eco es el nombre de una ninfa de los bosques que se consumió por su amor hacia Narciso.

En las Metamorfosis de Ovidio se narra que al nacer el niño el adivino Tiresias dijo que viviría muchos años si no se contemplaba a sí mismo.

Narciso era un hermoso joven que despreciaba el amor. Era objeto de la pasión de numerosas doncellas y ninfas, pero siempre permanecía insensible.

La ninfa Eco se enamoró de él y desesperada ante su negativa se retiró a un lugar solitario, donde adelgazó tanto, que de su persona sólo quedó una voz lastimera.

Esta es la leyenda del eco que repite las últimas sílabas de las palabras que se pronuncian.

Las jóvenes despechadas pidieron venganza a los dioses.

Némesis, que personifica la venganza divina, lo escuchó y un día muy caluroso, después de una cacería, Narciso se inclinó sobre una fuente para calmar su sed.

Allí ve la imagen de su bello rostro y se enamora de él en el acto. Insensible al resto del mundo, se deja morir inclinado sobre su propia imagen.

En el lugar de su muerte brotó una flor, a la que se dio su nombre: el narciso.

FELIPE IV (1605-1665), EL REY PLANETA

(8 de abril de 1605, Valladolid – 17 de septiembre de 1665, Madrid).

Hijo de Felipe III y Margarita de Austria, se casó en dos ocasiones:

1.  Con Isabel de Borbón en 1615

2.  Con Mariana de Austria en 1648

Sólo tres de sus hijos sobrevivieron: María Teresa, Margarita y Carlos II.

Tuvo además un hijo fuera de sus matrimonios, don Juan José de Austria, en 1629, con la actriz María Calderón, conocida como “La Calderona”.

1-ISABEL DE BORBÓN

(22 de noviembre de 1602, Palacio de Fontainebleau, Francia – 6 de octubre de 1644, Madrid).

Hija del rey Enrique IV de Francia y de su segunda esposa, María de Médicis, y hermana de Luis XIII de Francia.

Hijos: Príncipe Baltasar Carlos e Infanta María Teresa.

Baltasar Carlos de Austria

(17 de octubre de 1629, Madrid – 9 de marzo de 1646, Zaragoza). Murió con 16 años.

María Teresa de Austria – Luis XIV

(10 de septiembre de 1638, San Lorenzo de El Escorial – 30 de julio de 1683, Palacio de Versalles, Francia).

Se casó con Luis XIV de Francia, llamado “el Rey Sol”.

(Saint-Germain en Laye, Francia, 5 de septiembre de 1638-Versalles, Francia, 1 de septiembre de 1715).

Hijo: Luis de Francia, el Gran Delfín (Fontainebleau, 1 de noviembre de 1661 – Castillo de Meudon, 14 de abril de 1711).

En su nacimiento fue predicho que sería hijo de un rey, padre de un rey, pero nunca rey y así fue porque murió en 1711 y su padre, Luis XIV, siguió reinando hasta 1715.

Renunció a su derecho al trono español en la Guerra de Sucesión Española en favor de su segundo hijo, Felipe, duque de Anjou.

El hijo mayor de Luis, el Gran Delfín, y María Ana Cristina de Baviera, fue Luis de Francia (Versalles, 16 de agosto de 1682-Marly-le-Roi, 18 de febrero de 1712), Duque de Borgoña.

Ocupaba el segundo puesto en la línea sucesoria de su abuelo paterno, Luis XIV. Luis ascendió al primer puesto en dicha línea tras la muerte de su padre en 1711.

El y su esposa, enfermaron de sarampión y murieron en seis días. Su hijo mayor también murió por la misma enfermedad.

Su hijo menor sobrevivió para llegar a ser Luis XV de Francia en 1715.

2- MARIANA DE AUSTRIA

(24 de diciembre de 1634, Wiener Neustadt, Austria – 16 de mayo de 1696, Madrid).

Hija del emperador Fernando III de Habsburgo y de la infanta María  Ana de España (hija del rey Felipe III y Margarita de Austria).

Hermanos: Leopoldo I de Habsburgo y Fernando IV de Hungría.

Desde la infancia estuvo comprometida con su primo Baltasar Carlos. Al morir el príncipe Baltasar Carlos, Mariana de Austria se convirtió en 1649 en la segunda esposa de su tío, Felipe IV, 29 años mayor que ella.

Desde 1665 fue regente como madre de Carlos II.

Hijos: Carlos II de España, Margarita de Austria y Felipe Próspero.

Felipe Próspero (1657-1661)

Su nacimiento como heredero propulsó la política matrimonial para sus hermanas.

María Teresa fue prometida a su primo Luis XIV de Francia y Margarita a su tío Leopoldo I de Austria.

Murió con tan sólo 4 años. Su hermano Carlos II nació ya como heredero de la Corona.

Margarita de Austria – Emperador Leopoldo I

(12 de julio de 1651, Real Alcázar de Madrid – 12 de marzo de 1673, Palacio de Viena, Austria).

Infanta de España y Emperatriz del Sacro Imperio Romano Germánico por su boda con su tío, el emperador Leopoldo I

Hija: María Antonia de Austria (18 de enero de 1669, Viena, Austria – 24 de diciembre de 1692, Viena, Austria).

M. Antonia se casó con Maximiliano II de Baviera y fue madre de José Fernando de Baviera (28 de octubre de 1692, Viena, Austria – 6 de febrero de 1699, Bruselas, Bélgica).

José Fernando de Baviera, Príncipe Elector de Baviera, fue el heredero de todos los reinos de la Monarquía Hispánica desde 1696, por el testamento del rey Carlos II de España, hasta su muerte en 1699, a los 6 años.

CARLOS II, “EL HECHIZADO”, (1661-1700)

(6 de noviembre de 1661, Real Alcázar de Madrid – 1 de noviembre de 1700, Madrid).

En 1661, Carlos II nace a los 5 días de morir su hermano Felipe Próspero. Por lo tanto, nace como heredero de la Corona.

Mariana de Austria, tras enviudar en 1665, fue Regente hasta que su hijo empezó a reinar en 1675.

Carlos II se convierte en rey a los 14 años 1677. Mariana de Austria se retira a Toledo.

Carlos II de España, llamado “el Hechizado”,  hijo de Felipe IV y Mariana de Austria fue el último rey de la Casa de Austria.

Se casó en dos ocasiones: con María Luisa de Orleans y con Mariana de Neoburgo.

1. María Luisa de Orleans

(27 de marzo de 1662, Palacio Real, París, Francia – 12 de febrero de 1689, Real Alcázar de Madrid).

Hija del duque Felipe de Orleáns y Enriqueta de Inglaterra, era a su vez sobrina de Luis XIV. Se la conoce como la reina estéril.

2. Mariana de Neoburgo

(28 de octubre de 1667, Düsseldorf, Alemania – 16 de julio de 1740, Guadalajara).

Hija de Felipe Guillermo de Neoburgo y de la fértil Isabel Amalia de Hesse (tuvo 23 hijos).

Era cuñada del emperador Leopoldo I y tenía una madre muy fértil. Por estas dos razones se escogió a una princesa emparentada con la poderosa rama austriaca de los Habsburgo.

Carlos II falleció sin descendencia el 1 de noviembre de 1700, a los 38 años, aunque parecía mayor de esa edad.

Con él concluye la Casa de Austria en España al morir sin descendencia.

En 1700 le sucede Felipe V de Borbón, nieto de su hermana María Teresa y de Luis XIV. Tras la muerte del heredero pactado en 1699, José Fernando de Baviera, nieto de su hermana Margarita.

Carlos II hizo testamento el 3 de octubre de 1700 en favor de Felipe de Anjou, nieto de Luis XIV de Francia y de su hermana, la infanta María Teresa de Austria (1638-1683), la hija mayor de Felipe IV.

Mariana de Neoburgo, en cambio, apoyaba a su sobrino, el archiduque Carlos de Austria, hijo del emperador Leopoldo I.

El archiduque austríaco fue respaldado por Inglaterra y Holanda, las tradicionales enemigas de España durante el siglo XVI, que además rivalizaban con la hegemonía de Luis XIV.

La elección de Felipe de Anjou se debió a que España tenía como prioridad principal la conservación de la unidad de los territorios del Imperio español y Luis XIV de Francia era en ese momento el monarca con mayor poder de Europa y, por ello, prácticamente el único capaz de poder llevar a cabo dicha tarea.

BORBONES DESDE 1700

FELIPE V (1683 – 1746)

(19 de diciembre de 1683, Palacio de Versalles, Francia – 9 de julio de 1746, Monasterio de San Lorenzo de El Escorial).

Felipe V fue rey de España desde el 16 de noviembre de 1700 hasta su muerte en 1746.

En 1724 abdicará en su hijo Luis I, pero la muerte prematura de éste le llevó a un segundo reinado, caracterizado por el acercamiento a Austria, Inglaterra y Francia.

La llegada del primer Borbón supone reformas importantes para el país.

Siguiendo el modelo absolutista francés, impone una centralización administrativa y política, suprimiendo la autonomía de Aragón y Cataluña y los fueros de aragoneses y valencianos.

Excepto en Navarra y Región Vasca, las leyes castellanas se imponen en todo el territorio.

Los últimos años de su reinado sufrió una fuerte depresión. Le sucedió en el trono su hijo Fernando VI.

Isabel de Farnesio y Felipe V están enterrados en el Palacio Real de La Granja de San Ildefonso.

EL TESORO DEL DELFÍN, MUSEO DEL PRADO

El Tesoro del Delfín es un conjunto de vasos preciosos que, procedentes de la riquísima colección de Luis, gran Delfín de Francia, vinieron a España como herencia de su hijo Felipe V, primer rey de la rama borbónica española.

El Gran Delfín, Luis de Francia (1661-1711), hijo de Luis XIV y María Teresa de Austria, comenzó su colección tempranamente influenciado por su padre.

La adquisición de obras se producía a través de regalos y compras en subastas y almonedas.

Al morir el Delfín, Felipe V (1683-1746) recibe en herencia un conjunto de vasos con sus respectivos estuches, que fueron enviados a España.

En 1716 estaban en el Alcázar de Madrid, guardados en sus cajas, desde donde se trasladaron, en fecha posterior, a La Granja de San Ildefonso, lugar donde se citan a la muerte de Felipe V, conservados en la llamada Casa de las Alhajas.

En 1778 se depositaron, por real orden de Carlos III, en el Real Gabinete de Historia Natural y continuaron en la institución hasta el saqueo de las tropas francesas en 1813.

La devolución de las piezas se produjo dos años más tarde y con algunas pérdidas.

En 1839 la colección llegó al Real Museo, donde sufrió un robo en 1918.

En la Guerra Civil española fueron enviadas a Suiza regresando en 1939, con la pérdida de un vaso, desde entonces se encuentran expuestas en el edificio Villanueva.

JARRA CON NARCISO Y ECO, MUSEO DEL PRADO

Hacia 1555. 41,5 x 16,6 cm. Tesoro del Delfín

Cristal de roca / cuarzo hialino, Esmalte, Oro, Plata, Rubí.

Es una obra de la “Escuela de Fountainebleau”.

En 1601, en el inventario de Enrique IV se confirma su presencia entre los bienes reales, en París.

El cuerpo y la boca son de cristal de roca y el pie y el asa de metal.

En el asa se aprecian dos figuras, un joven que se asoma sobra la boca del jarro (Narciso) y una ninfa (Eco).

Al llenar el jarro, Narciso contempla su imagen en el agua y el mito cobra vida. El mito de Narciso tiene lectura moralizante sobre el ego, la vanidad y el orgullo.

El mito de Narciso, descrito por Ovidio en su libro III de las Metamorfosis, alude a los peligros de la egolatría, lo que constituye una advertencia para príncipes y poderosos.

Narciso, prendado de su propia belleza, es desdeñoso con aquellos que le aman, como la Ninfa Eco, condenada a repetir el final de los sonidos, al ser rechazada.

El joven se enamora de sí mismo al verse reflejado en las aguas de un manantial y es convertido por Némesis, diosa de la venganza, en una flor bella pero sin aroma.

La figura femenina del asa representa a la ninfa Eco, con los brazos cruzados que denotan impotencia y la boca abierta, a modo de grito al descubrir que ha perdido la voz.

 

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JARRA CON NARCISO Y ECO, TESORO DEL DELFÍN, MUSEO DEL PRADO

CALISTO – LA OSA MAYOR

Calisto era una ninfa de los bosques que había consagrado su virginidad y se dedicaba a cazar en el monte son el grupo de compañeras que acompañaban a Ártemis.          

Zeus se enamoró de ella, pero como Calisto rehuía a los hombres se unió a la joven bajo la figura de Artemisa.  

Según otras versiones adoptó la figura de Apolo, hermano de Ártemis.

De esta unión nació Árcade y en ocasiones se le atribuye otro hijo, el dios Pan, hermano gemelo de Árcade.

Un día Ártemis y sus compañeras decidieron bañarse en una fuente, pero Calisto no quería desnudarse para que no se viera su embarazo.  

Ártemis insistió en que se quitara la ropa e indignada por su falta la convirtió en osa y después la mató de un flechazo. 

Zeus la convirtió en la constelación de la Osa Mayor.

DIANA Y CALISTO. PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS - Eduardo©2010

DIANA Y CALISTO.  PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS

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          NACIMIENTO DE ARCADE. PALACIO DEL MARQUÉS DE SANTA CRUZ, VISO DEL MARQUÉS, CIUDAD REAL

DAFNE – LAUREL

Apolo era un dios muy hermoso que tuvo numerosos amores con Ninfas y con mortales.

Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.

Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas, pero Apolo la perseguía.

Cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria a su padre que fue escuchada transformándose en laurel (árbol sagrado de Apolo).

BERNINI, APOLO Y DAFNE

(1622-25) mármol de Carrara 243 cm. Galería Borghese.

Apolo fue el dios que personificó la juventud y la belleza masculina. El dios de la luz, identificándose con el Sol.

Eros, enojado con Apolo porque se había mofado de él por el uso del arco, le inspiró un apasionado amor hacia la ninfa Dafne.

Dafne no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas. Pero Apolo la perseguía y cuando estaba a punto de ser alcanzada por él, suplicó una plegaria que fue escuchada transformándose en laurel (en griego árbol sagrado de Apolo).

El conjunto escultórico de Gian Lorenzo Bernini de la Galería Borghese, muestra este momento, como si fuese una instantánea fotográfica.

El árbol de Apolo era el laurel, cuyas hojas masticaba su sacerdotisa en sus trances proféticos.

Apolo se manifestaba a través de ella en el Oráculo de Delfos, lugar que tuvo gran trascendencia en el mundo helénico.

Gian Lorenzo Bernini creó para el cardenal Scipione Borghese una obra maestra sin precedentes que representa la metamorfosis en laurel de Dafne, perseguida por Apolo, dios de la luz.

La obra de mármol, iniciada por Bernini a los 24 años, entre 1622 y 1625, estaba situada en la misma habitación de la Villa que ahora, pero originalmente estaba sobre una base baja y estrecha, apoyada contra la pared hacia la escalera.

Apolo corre y la ninfa inicia su metamorfosis: la corteza envuelve gran parte del cuerpo, pero la mano de Apolo, según los versos de Ovidio, debajo de la madera oye el latido del corazón. Así que la escena se cierra, Dafne se ha convertido en un laurel para escapar del dios.

La presencia de esta fábula mitológica en la casa del cardenal tiene una justificación moral compuesta en latín por el cardenal Barberini (futuro Papa Urbano VIII) y grabada en la base, que dice quién ama las fugaces diversiones al final encontrará hojas y bayas en su mano.

En 1785 Marcantonio IV Borghese colocó la obra en el centro de la sala, Vincenzo Pacetti diseñó la base actual con las piezas originales y añadiendo el águila Borghese, esculpido por Lorenzo Cardelli.

El conjunto escultórico de Bernini, que se encuentra en la Galería Borghese de Roma, muestra este momento.

Villa Borghese - Museo - Apolo y Dafne - Bernini - Sala III - Eduardo©2017

BERNINI. APOLO Y DAFNE. GALERÍA BORGHESE, ROMA.

LAS NÁYADES-NINFAS DE MANANTIALES Y FUENTES

Las Náyades son las ninfas del elemento líquido. Son hermosas y longevas, pero mortales.

Las Náyades encarnan el curso del manantial o del agua que habitan.

Homero las llama hijas de Zeus, pero en otras partes se las relaciona con Océano.

Todas las fuentes célebres tienen su náyade, que cuenta con un nombre y una leyenda propia.

Con frecuencia las náyades pasaban por tener virtudes curativas. Por este motivo los enfermos bebían agua de las fuentes que les estaban consagradas.

En cambio el baño se consideraba sacrílego y el que afrontara este riesgo se exponía a su cólera, que se manifestaba con alguna enfermedad misteriosa.

En Roma, Nerón, al bañarse en la fuente de Marcia fue atacado por unas fiebres y una especie de parálisis que le duró varios días.

Otro riesgo que corría el que ofendía a las Náyades era la locura. Quien las veía, podía quedar poseído por ellas y atacado de enajenación mental.

Las Náyades abundan en las tradiciones del Peloponeso.

FUENTE DE LAS NÁYADES, S. XIX, ROMA

La plaza de la República tiene un diseño semicircular y está ubicada junto a la Estación Termini de Roma.

De esta Piazza parte la Via Nazionale, que comunica el área de la estación central con la de Piazza Venezia.       En las inmediaciones se encuentra el Teatro de la Ópera.

La Fuente de las Náyades, S. XIX, es la fuente moderna más bella de Roma, realizada con el objetivo de ofrecer una perspectiva monumental de la vía Nazionale.

La fuente de esta plaza era parte del acueducto de Aqua Marcia. Su construcción se inició por orden de Pío IX en 1870 y fue finalizada en 1888.

Originalmente estaba decorada con cuatro leones de yeso, que fueron sustituidos en 1901 por las esculturas de las náyades realizadas por Mario Rutelli.

FUENTES DE LAS NÁYADES, ROMA - Eduardo©2017

FUENTES DE LAS NÁYADES, ROMA


Las náyades representadas son:

  • La Ninfa de los Lagos, sosteniendo un cisne
  • La Ninfa de Los Ríos, sobre un monstruo de río
  • la Ninfa de las Fuentes, sobre un caballo
  • la Ninfa de las Aguas Subterráneas, sobre un dragón.
  • En el centro se encuentra el grupo Glauco, símbolo del triunfo de la Humanidad sobre la Naturaleza.

GLAUCO

Unas versiones le consideran hijo de Poseidón y una náyade.

Otras dicen que Glauco es un dios del Mar, que en su origen fue pescador de Beocia, pero casualmente comió una hierba que le convirtió en inmortal.

Como divinidad marina, la parte inferior de su cuerpo se transformó en una poderosa cola de pez y sus mejillas se poblaron de una barba de reflejos verdes como la pátina de bronce.

Recibió el don de profetizar y Virgilio le presenta como el padre de la Sibila de Cumas.

Glauco se apareció a Menelao cuando regresaba de Troya y se le considera constructor del Argo, apoyando a los Argonautas.

Su amor más célebre fue Escila, aunque en vano, lo que motivó la transformación de la joven en monstruo por medio de los encantamientos de Circe, pero predominó el amor que sentía hacia la joven y la transformó en diosa.

Según Ovidio Glauco amaba a Escila y por ella rehusó  el amor de Circe. La maga quiso vengarse de su rival y mezclo hierbas mágicas en el agua de la fuente donde Escila se bañaba.

Inmediatamente Escila quedó transformada. La parte superior de su cuerpo no cambió, pero de la ingle le nacieron 6 espantosos perros.

Otra leyenda dice que Posidón estaba enamorado de la joven y que Anfitrite, celosa, había pedido a Circe su metamorfosis.

Una tercera versión dice que Escila se enamoró de Glauco y rechazó a Posidón, quien la castigó de este modo.

A Heracles se le atribuye la muerte de Escila en un enfrentamiento.

BASÍLICA DE SANTA MARÍA DE LOS ÁNGELES Y LOS MÁRTIRES

Alrededor se encuentra la Basílica de Santa María de los Ángeles y los Mártires, ocupando el espacio del Tepidarium de las Termas de Diocleciano.

La dedicación a los mártires hace referencia a que las termas de Diocleciano fueron construidas con el trabajo de los cristianos esclavizados.

El edificio fue diseñado en 1562 por Miguel Ángel que restauró el Tepidarium, creando una nave longitudinal.

El ingreso a la iglesia se hace a través de un vestíbulo circular, también de origen romano.

Durante el siglo XVIII, Luigi Vanvitelli (1750) decoró el sobrio interior de Miguel Ángel según el estilo de la época.

Vanvitelli se encargó de transportar a Santa María de los Ángeles los grandes retablos de altar de la basílica de San Pedro en el Vaticano, donde habían sido reemplazados por copias hechas en mosaico con el fin de conservarlos mejor por la amenaza de humedad.

En esta iglesia se encuentra enterrado Pío IV. Actualmente se utiliza para funerales de estado o del ejército italiano.

BIBLIOGRAFÍA:

Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

museodelprado.es

villafarnesina.it

audioguiaromacom

maitearte.wordpress.com

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Deidades Mitológicas Menores

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DEIDADES MITOLÓGICAS MENORES

Botticelli. La Primavera. Uffizi. Florencia

 

Las deidades menores más relevantes en la Mitología Clásica son:

· Las 9 Musas

· Las Tres Cárites – Las Tres Gracias

· Las Tres Horas – Las Cuatro Estaciones

· Las 3 Moiras – Las 3 Parcas

LAS MUSAS

Homero describe la jornada de los dioses como una continua fiesta. Son deleitados por la lira de Apolo y el dulce canto de las Musas, mientras Ganímedes escancia el néctar en sus copas, etc.

 

HARMONÍA

Según unas tradiciones Harmonía es hija de Ares y Afrodita y según otras es hijo de Zeus y Electra, una de las hijas de Atlante.

Harmonía simboliza el equilibrio, la concordia y la armonía.

Se la vincula con el séquito de las Cárites (Gracias) y de Afrodita.

En las tendencias tardías hay tendencia a identificarla o confundirla con la esposa de Cadmo.

 

LAS MUSAS

Las Musas son las hijas de Zeus, aunque en otras tradiciones se presentan como hijas de Harmonía o de Urano (El Cielo) y Gea (La Tierra).

Estas genealogías son simbólicas y se relacionan con la primacía de la Música en el Universo.

Las Musas son las cantantes divinas, cuyos coros e himnos deleitan a Zeus y los demás dioses.

Son deidades del canto, la inspiración poética y la inteligencia.

Presidían el pensamiento en todas sus facetas: elocuencia, sabiduría, persuasión, Historia, Matemáticas, Astronomía.

Ellas acompañaban a los reyes y les dictaban palabras convincentes para establecer la paz entre los hombres. Además les confieren el don de la dulzura, que les granjea el amor de sus súbditos.

Hesíodo decía que cuando un cantor, inspirado por Las Musas celebra las proezas de los hombres, quien tenga preocupaciones las olvidará al momento.

El canto más antiguo de las Musas es aquel que entonaron tras la victoria de los Dioses Olímpicos sobre los Titanes, para celebrar un nuevo orden bajo el mandato de Zeus.

Las Musas no poseen un ciclo legendario propio, pero intervienen como cantoras en las bodas de Tetis y Peleo y en las de Harmonía y Cadmo.

Todas tienen aventuras amorosas. Calíope es madre de Orfeo.

Existían dos grupos de Musas: las de Tracia y las de Beocia.

Las de Tracia, tierra dura e inhóspita, eran vecinas del Olimpo y guardan relación con el mito de Orfeo y el culto a Dionisos que había logrado gran importancia en Tracia.

Las musas de Beocia, ubicadas en las laderas del Helicón (Monte próximo al Parnaso) dependen directamente de Apolo, quien dirige sus cantos en torno a la fuente de Hipocrene.

Hipocrene (La fuente del caballo)

Es una fuente de agua que nació en la falda del monte Helicón en Beocia, cuando Pegaso, el caballo alado, golpeó con sus cascos a la montaña y del suelo brotó un manantial o fuente.

Esta fuente favorecía la inspiración poética y las Musas se reunían en torno a ella para cantar y bailar.

 

LAS NUEVE MUSAS

Desde la época clásica se impone la cifra de 9 Musas que aparecen solas o en compañía de Apolo:

1 – Calíope – La poesía épica.

2 – Clío – La Historia.

3 – Polimnia – La pantomima.

4 – Euterpe – La flauta.

5 – Terpsícore – la poesía ligera y la danza.

6 – Erato – La lírica.

7 – Melpómene – La tragedia.

8 – Talía – La comedia.

9 – Urania – La astronomía.

Las Musas, a partir del Renacimiento, se convierten en encargos de reyes y aristócratas como tema decorativo.

 

LA GUERRA DE LOS TREINTA AÑOS

El rey Gustavo II de Suecia participó en la Guerra de los Treinta años en defensa de sus creencias protestantes, pero murió en combate dejando el trono a su hija de casi 6 años.

LA REINA CRISTINA DE SUECIA (1626-1689)

Cristina de Suecia nació el 18 de diciembre de 1626 y fue una decepción para su madre, María Leonor de Brandeburgo, quien deseaba darle a su esposo, el rey Gustavo II, un heredero al trono.

El monarca encontró la solución al problema. Un año después confirmaba a su hija como heredera al trono sueco en caso de que no llegara el deseado heredero.

En 1632, cuando Cristina aún no había cumplido los seis años, su padre moría en la batalla de Lützen, durante la Guerra de los Treinta Años.

Desde aquel momento y hasta su mayoría de edad, fue el canciller Axel Oxenstierna quien se hizo cargo del gobierno del país ejerciendo una eficiente regencia.

Oxenstierna también dirigió y supervisó la educación de la futura reina, apartándola de su madre, quien fue educada por distintas damas de su familia y de la familia del canciller.

Pronto empezó a acudir a las reuniones del Consejo del Reino. Tenía entonces 16 años pero ya demostró grandes capacidades intelectuales y un carácter fuerte.

El breve reinado de 4 años

En 1650, la joven Cristina era coronada como reina de Suecia.

A partir de entonces y durante un breve período de cuatro años Cristina gobernó con eficacia su país.

Sin embargo, las presiones acerca de un necesario matrimonio y sus contactos con la religión católica hicieron que en 1654 anunciara oficialmente su deseo de abdicar del trono.

Su posterior conversión al catolicismo pudo ser una de las causas.

Su primo, Carlos Gustavo, fue nombrado rey de Suecia.

La reina Cristina de Suecia fue una de los monarcas más destacados de la historia de su país.

Cristina vivió el resto de su vida fomentando el arte y la cultura.

MECENAS DEL ARTE Y LAS LETRAS

Tras su abdicación, Cristina continuó con su labor de protectora de las artes y las letras.

Fijó su residencia en Roma, sede de su nueva religión, y mantuvo una vida dedicada a coleccionar obras de arte y financiar proyectos culturales y científicos.

Cristina no se olvidó de su país y defendió la libertad religiosa de los pueblos, criticando las persecuciones por razones de fe.

La llamada Atenea del Norte murió en Roma el 19 de abril de 1689.

A pesar de haber pedido ser enterrada con sencillez en el Panteón de Agripa, el papa Inocencio XI, decidió honrarla con un funeral de Estado.

En 1701 Clemente XI, ordenó a Carlo Fontana, discípulo de Bernini, que erigiera un precioso monumento funerario en la Basílica de San Pedro para la reina, que hoy podemos contemplar.

Carlo Fontana. Monumento funerario de la Reina Cristina de Suecia.

Carlo Fontana. Monumento funerario de la Reina Cristina de Suecia.

Basílica de San Pedro. Roma


ESCULTURAS DE LAS MUSAS EN EL MUSEO DEL PRADO

El Museo del Prado posee un conjunto escultórico formado por ocho Musas que pertenecían a la reina Cristina de Suecia.

Melpómene – La tragedia. Falta en el Museo del Prado

La reina las tenía ubicadas en una sala de su palacio y fue durante casi cien años, hasta 1774, el único grupo de este tipo que se conocía.

Cuando la reina se sentaba en el trono, situado frente a una estatua de Apolo instalada en la misma sala que las musas, asumía el puesto de la novena musa, representando así, en un lenguaje típicamente barroco, sus ambiciones científicas y artísticas.

Completadas por Ercole Ferrata, las ocho musas eran utilizadas por Cristina de Suecia para escenificar su propia presencia en la Roma de finales del siglo XVII.

Las primeras referencias sobre la procedencia de este grupo de musas se debe a Pirro Ligorio, estudioso romano de la Antigüedad.

Relata que bajo el Papa Borgia Alejandro VI (1492-1503) se habían encontrado nueve musas sedentes en la Villa Adriana, en el teatro griego de la Academia, y que habían sido trasladadas a la viña del Papa Clemente VII en el Monte Mario.

Dado que Ligorio habla de nueve musas y Heemskerck reprodujo musas de ambas series, procedentes de los dos talleres antiguos que componen el conjunto del Prado, es muy probable que ocho de las nueve mencionadas por Ligorio llegaran en la segunda mitad del siglo XVII a la colección de Cristina de Suecia.

Las nueve musas que Hesíodo presenta como hijas de Zeus eran invocadas por los poetas para que les trasmitiesen inspiración y noticias veraces.

Las musas del Prado, representadas altas, esbeltas y sentadas en altos promontorios de roca están todas vestidas con mangas, es decir, una delgada prenda interior de la que se ven sólo las mangas abotonadas, que llegan hasta los codos.

Sobre él visten otro chitón o túnica sin mangas, de una tela algo más gruesa; sobre ambos hombros esa prenda lleva broches parcialmente completados. Ambos vestidos están ceñidos bajo el pecho, bien con un delgado cordón, bien con una cinta plana.

Sobre ambas prendas interiores visten un manto amplio que cubre el regazo y las piernas y arranca en el hombro izquierdo o en el asiento de roca.

En sus pies se identifica un calzado cerrado con triple o doble suela.

Sus atributos no fueron completados mayoritariamente hasta el siglo XVII.

Miran frontalmente al espectador. Mientras que el manto amplio y rico en pliegues marca el asiento generalmente ancho de las musas y otorga volumen y peso a la mitad inferior del cuerpo, el busto, de aspecto sensual gracias a la vestimenta ceñida, se caracteriza por una constitución delgada y un movimiento aún bien definido.

En la vista posterior casi todas levantan un poco el hombro y giran ligeramente el torso, saliendo del plano.

Así se sitúan entre las representaciones de las musas con más movimiento del segundo cuarto del siglo II d. C.

Las musas del Museo del Prado fueron creadas en talleres distintos.

Aunque el trabajo de ambas es diferente, la fecha de su creación no difiere mucho. Todas son del siglo II d.C., época de Adriano.

Las musas pasaron a través de la Colección de Livio Odescalchi en Roma a la Colección de Felipe V en San Ildefonso

Las esculturas llegaron al Museo del Prado con graves desperfectos y un restaurador del siglo XIX, posiblemente Salvatierra, decidió repetir algunos miembros en época barroca para sustituir los deteriorados.


BIBLIOGRAFÍA

Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

Schröder, S. F.: Catálogo de la escultura clásica, Museo Nacional del Prado, 2004, pp. 204-214.

Allendesalazar, Úrsula. La reina Cristina de Suecia.

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ESCULTURA ROMANA. SIGLO II D.C- CLÍO, MUSA DE LA HISTORIA,

MUSEO DEL PRADO, MADRID

 

LAS TRES CÁRITES – LAS TRES GRACIAS

Las Cárites, en latín son las Gracias (Gratiae), divinidades de la belleza.

Esparcen la alegría en la Naturaleza, en el corazón de los humanos e incluso en el de los dioses.

Son hijas de Zeus y Eurínome, hija de Océano, aunque otras versiones le atribuyen su maternidad a Hera.

Se representan como tres hermanas que viven en el Olimpo, llamadas Eufrósine, Talía y Áglae.

Esparcen la alegría en la Naturaleza, en el corazón de los dioses y de los hombres y representan lo que la vida puede tener de agradable y amable.

Pertenecen al séquito de Apolo, el dios músico. Son compañeras de las Musas y a veces forman coro con ellas.

Hasta el siglo VI a.C. se las representa ataviadas con túnicas y ordenadas en procesión.

La iconografía más difundida las representa como tres jóvenes desnudas, cogidas por los hombros, situándose la central de espaldas y con la cabeza de perfil, motivo que aparece ya en los frescos pompeyanos.

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FRESCO ROMANO DE POMPEYA

Se atribuye a Las Gracias toda clase de influencias sobre los trabajos del espíritu y las obras de arte.

Hay una interpretación alegórica de las Gracias. Lo que una hermana da, otra lo recibe, volviendo el beneficio a la tercera.

Aparecen vestidas con gasas y bailando cerca de Venus en La Primavera de Botticelli.

BOTTICELLI – LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA

1482. Temple sobre tabla. 203 x 314 cm. Galería Uffizi desde 1919

La Primavera es una de las pinturas más famosas de los Uffizi, como sublime representación del amor sensual.

La obra fue encargada por Lorenzo de Pierfrancesco de Médicis, primo de Lorenzo el Magnífico, el mismo comitente para quien Botticelli ilustra la Divina Comedia.

La pintura adornaba el salón de la villa de los Médicis en Castello, Junto a Florencia.

En 1815 la obra entró en los Uffizi, después pasó a la Academia y volvió definitivamente al museo en 1919.

La alegoría se inspira en los textos de Ovidio y en algunos versos de las estrofas de La Justa de Juliano de Médicis, escrita por Agnolo Poliziano, amigo de la Familia y de Botticelli.

Poliziano describe a las Tres Gracias y al viento Céfiro persiguiendo a la ninfa Cloris con quien se desposará. Tras la boda le otorga la facultad de hacer brotar flores de su boca.

Junto a la ninfa hay una mujer vestida con flores, metamorfosis de Cloris en Flora.

Venus aparece en un jardín, como alegoría de su reino cantada por los poetas antiguos.

El fondo es una tupida decoración vegetal. Los naranjos del jardín de Venus están cargados de frutas y flores. Las hojas se perfilan sobre un cielo claro con una delicada filigrana.

En 1982 algunos botánicos identificaron casi 200 especies diferentes de flores pintadas del natural. Muchas de ellas todavía florecen en las colinas cercanas a Florencia y en los prados próximos a la villa de los Médicis en Castello.

Sobre Venus aparece su hijo Cupido, dios del Amor, a punto de disparar la fecha con los ojos vendados, porque el amor es ciego.

A la izquierda, tres hermosas jóvenes danzan. Son las 3 gracias que en un sentido platónico son una alusión a la relación entre lo humano y lo divino. A su izquierda aparece Mercurio.

A la derecha Céfiro, viento del oeste, persigue a Flora.

Flora es la potencia vegetal que preside todo lo que florece y anuncia la llegada de la primavera con su vestido lleno de flores.

Con el nombre de Flora Ovidio relata un mito helénico, suponiendo que Flora era la ninfa griega Cloris.

BOTTICELLI. 1482. LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA

BOTTICELLI. 1482. LA PRIMAVERA, GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA

Céfiro, dios del viento cálido, se enamoró de Cloris cuando paseaba por el campo en primavera. La raptó y después se casó con ella.

Le concedió a su amada el don de reinar sobre las flores de los jardines y de los campos de cultivo.

Cloris le regaló a los seres humanos las semillas de las flores y la miel.

 

RUBENS. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO

1630 – 1635. Óleo sobre tabla de madera de roble, 220,5 x 182 cm.

Las hijas de Júpiter, Aglae, Eufrosina y Talía, simbolizan diferentes conceptos desde la antigüedad.

Se las relacionó con la diosa Afrodita, convirtiéndose así en símbolo de la belleza, el amor, la fertilidad y la sexualidad.

Se las relaciona con la generosidad y la amistad, al ser capaces de recibir y otorgar dones.

Rubens las sitúa en un paisaje al aire libre con ciervos que parecen esbozados, frente al detalle de las figuras de primer plano.

A la derecha vemos una cornucopia de la que sale agua hacia una fuente y en la parte superior una guirnalda de flores, que da un toque de color.

Las figuras ocupan prácticamente toda la superficie en primer plano.

Esta obra de 1630-1635 muestra las calidades y cualidades técnicas del Rubens final.

La piel de las diosas se hunde al contacto de unas con otras, demostrando un gran conocimiento del cuerpo femenino.

La luz incide en los cuerpos femeninos y en el detalle de sus joyas. La pincelada es suelta, trabajando a través del color.

Rubens pintó este tema al menos doce ocasiones, enmarcados en diferentes contextos.

Esta pintura es un alarde de belleza, vitalidad y sensualidad, característica de las obras de su última etapa, tras haberse casado con la joven Helena Fourment en 1630.

La tabla no fue un encargo, sino un deseo del pintor tras su segundo matrimonio, lo que nos habla de su alegría personal.

Rubens era viudo de su primera esposa, Isabella Brant, con la que tuvo tres hijos y murió en 1626 a causa de la peste.

Helena se casó con Rubens​ el 6 de diciembre de 1630. Ella tenía 16 años y él 53. Helena era la más joven de los 11 hermanos.

Los rasgos de la Gracia de la izquierda se han identificado con su esposa Helena, enfatizando su vinculación personal con la obra.

La obra entró en la colección real a través de la venta de los bienes del artista tras su muerte en junio de 1640.

Su familia puso a la venta sus bienes y sus pinturas, acudiendo compradores de toda Europa.

Felipe IV acrecentó la colección española de pinturas de Rubens y adquirió obras de otros artistas flamencos, como Van Dyck, que el artista atesoraba en su colección.

El infante cardenal Don Fernando, hermano del rey y gobernador de Flandes en ese momento, mantuvo una correspondencia con su hermano en la que nos habla de la intención del monarca de adquirir obras en esta almoneda.

El ayuda de cámara Francisco de Rojas estuvo al cargo de la compra.

En 1666 aparece en el Alcázar de Madrid con el número 92 del inventario de la venta, “las tres gracias desnudas”.

Una vez en Madrid se colocó en la Galería baja que cae sobre el jardín de los Emperadores, una de las estancias de las conocidas como “Bóvedas del Ticiano” o “cuartos bajo de verano”, situados bajo el cuarto nuevo de la reina, donde el rey se retiraba en los meses de calor y considerado un lugar apartado e íntimo.


BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

Uffizi. Florencia. Everest, 2004

 

RUBENS. 1630 - 1635. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO

RUBENS. 1630 – 1635. LAS TRES GRACIAS, MUSEO DEL PRADO

 

LAS TRES HORAS – LAS CUATRO ESTACIONES

Son hijas de Zeus y Temis, la Justicia, y hermanas de las Moiras, las Parcas romanas.

Son tres Horas: Disciplina, Justicia y Paz. Sin embargo los atenienses evocaban las ideas de brotar, crecer y fructificar.

Las Horas tienen un aspecto doble: como divinidades de la Naturaleza, presiden el ciclo de la vegetación.

Pero como divinidades del orden, hijas de Temis, La Justicia, aseguran el equilibrio social.

Velan las puertas de la mansión divina del Olimpo y se les atribuye haber criado a Hera.

Formaban parte del séquito de Afrodita y Dioniso.

Pan, dios de los bosques y de los rebaños, se complace en su compañía.

Las tres Horas griegas pasan a ser las cuatro Estaciones romanas, y tienen una función benefactora.

Se las representa como mujeres jóvenes con atributos vegetales de temporada:

Primavera – Flores

Verano – Espigas de trigo y hoz

Otoño – Uvas

Invierno – Piezas de caza.

En Roma su temática sirvió para decorar mosaicos pavimentales y su simbolismo, como paso del tiempo, se utilizó en sarcófagos.

El Renacimiento asoció a cada Hora con una divinidad:

Venus – Primavera, donde pisaba crecían flores.

Ceres – Verano, las espigas de trigo y la hoz.

Baco – Otoño, las uvas.

Vulcano – Invierno, el fuego.

 

BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. UFFIZI, FLORENCIA

Temple sobre tela de lino.172,5 x 278,5 cm. Uffizi, Florencia.

En el Renacimiento Botticelli recuperó la temática mitológica, como un pretexto para la plasmación del desnudo femenino.

El pintor presenta a una diosa púdica que arriba a las costas de Chipre impulsada por el soplo del dios del viento calmado y favorable Céfiro y de su esposa Cloris.

Céfiro es el Viento suave y agradable del oeste.

Cloris (Flora en Roma) reinaba sobre las flores y los jardines.

Florencia 2018 - Galería de los Uffizi - El nacimiento de Venus - Botticelli

BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA

En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.

Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.


BIBLIOGRAFÍA

Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

maitearte.wordpress.com

 

LAS TRES MOIRAS – LAS TRES PARCAS

Las 3 Moiras, hijas de Zeus y Temis (la Justicia) son la personificación del Destino que le corresponde a cada persona en este mundo.

Todo ser humano tiene su Moira, parte de felicidad y parte de desgracia o tristeza en la vida. La Moira siempre es inflexible.

Encarna una ley que ni los mismos dioses pueden transgredir sin poner en peligro el orden del universo.

La Moira es la que impide a un dios socorrer a un héroe cuando le ha llegado “su hora”.

Se las representa como hilanderas que tejen el destino y limitan a su antojo la vida de los hombres.

Regulan la vida desde el nacimiento hasta la muerte, con la ayuda de un hilo:

1. La primera hilaba,

2. La segunda enrollaba y

3. La tercera cortaba el hilo de la vida.

En Roma las Parcas son las divinidades del Destino, identificadas con las Moiras griegas.

Las Parcas son tres hermanas:

1. Una preside el nacimiento

2. Otra, el matrimonio y

3. La tercera, la muerte.

En el Foro las tres Parcas estaban representadas por tres estatuas a las que se llamaban las tres Hadas.

 

GOYA, PINTURAS NEGRAS. LAS PARCAS (ÁTROPOS)

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GOYA. 1820-1823. 123 x 266 cm. PINTURAS NEGRAS. LAS TRES PARCAS.

MUSEO DEL PRADO

Técnica mixta sobre revestimiento mural trasladado a lienzo.

El conjunto de 14 escenas al que pertenece esta obra se conoce como las Pinturas Negras, por el uso de pigmentos oscuros y negros y por lo sombrío de los temas.

Decoraron dos habitaciones, en las plantas baja y alta, de la conocida como Quinta del Sordo, casa de campo a las afueras de Madrid, junto al río Manzanares, conocida por ese nombre antes de su adquisición por Goya en 1819.

Se conocen fotos del conjunto in situ, realizadas hacia 1873 por el fotógrafo francés Jean Laurent (1816-1886), y se incluyeron por primera vez en el catálogo del Museo del Prado de 1900.

La casa fue derribada hacia 1909.

Las Pinturas Negras se pintaron directamente sobre la pared seca, no al fresco, y en la mezcla de los pigmentos se utilizó el óleo.

Esta escena se tituló “Atropos“, nombre de la Parca de la mitología griega que corta el hilo de la vida, en el inventario de las obras en propiedad del hijo de Goya, redactado en fecha indeterminada, a mediados del siglo XIX, por el pintor Antonio Brugada (1804-1863), que regresó a Madrid en 1832 del exilio en Burdeos.

Se describió por primera vez, junto con el resto de las escenas, en la monografía de Charles Yriarte sobre el artista, de 1867, refiriéndose a ella como “Las Parcas“.

Formaba pareja con el “Duelo a garrotazos” en una de las paredes principales de la sala de la planta alta de la Quinta del Sordo.

En el primer catálogo del Prado de 1900 se le dio el mismo título.

 

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

 

 

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Afrodita (Venus). Diosa del Amor y la Belleza.

AFRODITA (VENUS)

DIOSA DEL AMOR Y DE LA BELLEZA

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

Trono-Ludovisi

TRONO LUDOVISI. PALACIO ALTEMPS, ROMA. Viaje 2014

Afrodita es la diosa del Amor. Se identifica en Roma con Venus.

Sobre su nacimiento hay dos tradiciones, una que la considera hija de Zeus y otra hija de Urano.

Cuando el Titán Crono cortó los genitales de su padre Urano, cayeron al mar y engendraron con las olas a la diosa Afrodita, surgida de la espuma del mar que rodeaba los genitales de Urano.

Afrodita, nació adulta como Atenea, pero siempre se la representó desnuda.

Montada sobre una concha marina recorrió el Mediterráneo hasta que eligió su residencia en Pafos, Chipre, su principal lugar de culto.

El relato de Hesíodo inspiró el relieve del Trono Ludovisi (Palacio Altemps, Roma. Museo Nazionale Romano), en el que Afrodita surge de las aguas asistida por las Horas, que cubren su desnudez.

Las tres Horas griegas serán las cuatro Estaciones romanas.

PALAZZO ALTEMPS, ROMA

El Palacio Altemps fue erigido en el siglo XV por la familia Riario y reformado un siglo después bajo las órdenes del cardenal Marco Sittico Altemps.

El Palazzo Altemps fue inaugurado en 1997 como parte del Museo Nacional Romano.

Alberga una importante colección de esculturas clásicas que pertenecieron a diferentes familias de la nobleza romana entre los siglos XVI y XVII.

Las obras se encuentran expuestas en habitaciones decoradas con frescos en sus paredes y techos.

Las figuras pertenecientes a la Colección Altemps se encuentran expuestas en el precioso patio y junto a la escalera monumental.

Aunque la colección del cardenal Altemps incluye más de cien obras, gran parte de ellas se encuentran expuestas en otros museos como el Museo del Louvre.

La colección Ludovisi se extiende por la mayor parte del museo. Comprende más de 100 obras entre las que destacan el Suicidio del Gálata, Ares Ludovisi y el Trono Ludovisi.

El Trono Ludovisi presenta un relieve frontal, en el cual las Horas ayudan a vestirse a Afrodita y recoge en su lateral el primer desnudo femenino de la Historia del Arte griego.

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TRONO LUDOVISI. PALACIO ALTEMPS, ROMA. Viaje 2014

En Grecia la belleza reside en el cuerpo masculino desnudo y la elegancia en el cuerpo femenino vestido.

Afrodita es la diosa del Amor y desde el Juicio de Paris también es la diosa de la Belleza.

Hallándose los dioses reunidos en ocasión de la boda de Tetis y Peleo, Éride, que es la personificación de la Discordia, echó sobre la mesa una manzana de oro para la más bella de las diosas.

Atenea, Hera y Afrodita se consideraban la más hermosa e intentaron coger la manzana.

Se suscitó la disputa entre ellas y como nadie quería pronunciarse, Zeus delegó la elección en Paris.

Zeus encargó a Hermes que condujera a Hera, Atenea y Afrodita al monte Ida, para que Paris fallase el pleito.

Hera le ofreció poder y el imperio de Asia.

Atenea le ofreció sabiduría y victorias en todos los combates.

Afrodita le ofreció el amor de la mujer más bella, Helena de Esparta.

Paris se decantó por Afrodita y esta decisión tuvo como consecuencia la Guerra de Troya.

RUBENS. EL JUICIO DE PARIS. MUSEO DEL PRADO

Hacia 1638. Óleo sobre lienzo, 199 x 381 cm.

El relato mitológico del Juicio de Paris tiene su origen en la boda de Tetis y Peleo, donde la diosa Discordia reto a la diosa más bella a recoger una manzana de oro que había lanzado entre los presentes.

Hera, Atenea y Afrodita comenzaron una disputa y Zeus decidió que Hermes acompañase a las diosas ante Paris, quien se convertiría en el juez de la contienda.

Es tema es narrado por el poeta Ovidio en su obra Heroidas (XVI, 65-88), donde Paris escogió a Afrodita como vencedora y la diosa le concedió el amor de la mujer más bella del mundo, Helena, hija de Zeus y reina de Esparta, desencadenándose así la Guerra de Troya.

El Juicio de Paris fue utilizado por Rubens en varias ocasiones, recreando el ideal de belleza femenino y el tema moral de las consecuencias del amor y la pasión.

Esta versión está basada en un diseño para un aguamanil diseñado por el artista. En el dibujo, la escena es más alargada y con más figuras.

La pintura se centró en las tres diosas desnudas con cuerpos exuberantes.

A la izquierda, cubriendo su desnudez, aparece la diosa Virgen Atenea, que tiene a sus pies su escudo, su casco y su lanza.

En el centro aparece la diosa Afrodita, acompañada de su hijo Eros, que recibe una corona de flores al ser elegida como diosa de la Belleza.

A la derecha, pintada de espaldas, se encuentra Hera, la esposa de Zeus, acompañada del pavo real con los ojos de Argos en su plumaje.

La obra fue un encargo personal del rey Felipe IV a Rubens entre 1638-1639, cuando el artista trabajaba en diversos encargos para el monarca.

RUBENS. EL JUICIO DE PARIS. MUSEO DEL PRADO

RUBENS. EL JUICIO DE PARIS. MUSEO DEL PRADO

El hermano del rey, el Cardenal-Infante don Fernando de Austria, gobernador de los Países Bajos meridionales, consideraba ésta pintura como una de las mejores obras de Rubens, aunque se mostraba reticente ante la excesiva sensualidad de las tres mujeres.

La pintura se envió a Madrid en 1639 y decoró el Palacio del Buen Retiro, lugar para el que fue encargada, según el inventario de 1666.

El Museo del Prado posee otra versión realizada por Rubens en 1608, en su etapa de juventud.

ICONOGRAFÍA

La iconografía más habitual de la diosa la representa desnuda, reclinada o de pie sobre una concha, surgiendo de la espuma del mar amparada por tritones o náyades.

Tritón es un dios marino, hijo de Poseidón, al que se le representa con torso humano y cola de pez. El atributo especial de Tritón era una concha de caracol que tocaba como una trompeta para calmar o agitar las olas del mar.

Las náyades son las ninfas de agua dulce: fuentes, pozos, manantiales y arroyos. Son muy longevas, pero mortales.

Las ninfas son deidades femeninas de la naturaleza. Suelen ser representadas en las obras de arte como hermosas doncellas, desnudas o semidesnudas, que cantan y bailan. Se caracterizan por ser mortales.

BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. UFFIZI, FLORENCIA

En el Renacimiento Botticelli recuperó la temática mitológica, como un pretexto para la plasmación del desnudo femenino.

BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA

BOTTICELLI. EL NACIMIENTO DE VENUS. GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA

El pintor presenta a una diosa púdica que arriba a las costas de Chipre impulsada por el soplo del dios del viento calmado y favorable Céfiro y de su esposa Cloris.

Céfiro es el Viento del oeste. Viento suave y agradable de primavera.

Cloris (Flora en Roma) reinaba sobre las flores y los jardines.

En tierra aguarda una Hora para cubrirla con un manto de flores.

Las 3 Horas griegas, divinidades de las estaciones, pasan a ser las 4 Estaciones romanas.

GIORGIONE. VENUS DORMIDA. GALERÍA DE DRESDE, ALEMANIA.

Óleo sobre lienzo. 1510. 108,5 cm de altura por 175 cm de longitud.

La pintura presenta una Venus desnuda con un fondo de paisaje.

La textura de las telas y el armonioso paisaje dotan a este cuadro de placidez y sensualidad.

GIORGIONE. VENUS DORMIDA. DRESDE ALEMANIA

GIORGIONE. VENUS DORMIDA. DRESDE ALEMANIA

La obra quedó inconclusa debido al fallecimiento del Giorgione y el cielo fue posteriormente acabado por Tiziano.

La elección del artista de un desnudo femenino al aire libre, señala una revolución en la historia del arte y es considerada por muchos como el punto de inicio para el arte moderno.

La mujer aparece en un sueño recatado. Esta obra maestra del desnudo ha influido en muchos pintores posteriores como Tiziano en la Venus de Urbino, Ingres y Manet.

TIZIANO. VENUS DE URBINO. GALERÍA UFFIZI, FLORENCIA

Óleo sobre lienzo. 119 cm x 165 cm, realizada en 1538 por Tiziano.

Es la primera vez que Tiziano pinta una figura de Venus en un interior, situada sobre un diván rojo cubierto con una sábana blanca.

Tiziano dirige el foco de luz sobre el cuerpo de Venus.

La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared oscura y con la tela del diván.

TIZIANO. VENUS DE URBINO. GALERÍA UFFIZI. FLORENCIA

TIZIANO. VENUS DE URBINO. GALERÍA UFFIZI. FLORENCIA

Venus dirige la mirada directa al espectador con cierta provocación. Además su cabello rubio cae sobre los hombros, creando una figura cargada de sensualidad.

En su mano derecha porta unas flores mientras que con la izquierda cubre su desnudez.

Pinta una mujer real, olvidando la belleza ideal de Botticelli.

Al fondo, una ventana permite ver el cielo y un árbol.

Dos jóvenes buscan ropas en un arcón, siendo esta escena un perfecto complemento al desnudo.

Tiziano plasma la perspectiva a través de las baldosas, la columna del fondo, el árbol y el menor tamaño de las 2 figuras femeninas.

La Venus de Urbino sirvió de inspiración a la Olimpia de Manet.

TIZIANO. VENUS RECREÁNDOSE EN LA MÚSICA. MUSEO PRADO

Hacia 1550. Óleo sobre lienzo, 138 x 222,4 cm.

Las 5 pinturas de esta temática conservadas son variaciones sobre una misma idea.

Ambientadas en una villa, muestran a Venus recostada ante un gran ventanal escuchando música.

TIZIANO. VENUS CON EL AMOR Y LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO

TIZIANO. VENUS RECREÁNDOSE EN LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO

A sus pies un organista (Prado y Gemäldegalerie de Berlín) o un tañedor de laúd (Metropolitan Museum de Nueva York y Fitzwilliam Museum de Cambridge) tocan sus instrumentos mientras contemplan la desnudez de la diosa, suavizada en las tres versiones no conservadas en el Prado por una gasa transparente, y rehuyendo sus miradas por la presencia de un perrito o de Cupido.

Estas pinturas constituyen la última etapa en el desarrollo de un subgénero: el de la Venus tumbada, iniciado en la Venus dormida de Giorgione/Tiziano y continuado en La Venus de Urbino.

Las pinturas de Venus y la música han sido objeto de interpretaciones dispares, si para algunos historiadores son obras eróticas carentes de un significado más profundo, para Panofsky posee un alto valor simbólico, entendiendo la vista y el oído como instrumentos de conocimiento de la belleza.

Venus recreándose en la música tiene un contexto matrimonial.

La mujer exhibe una alianza en la mano derecha y es la única a la que no acompaña Cupido.

El jardín es una metáfora del matrimonio bien avenido, el perro aludiría a la fidelidad y el pavo real a la fecundidad.

La adquirió Felipe IV y estaba inventariada en el Alcázar de Madrid entre 1666 y 1734.

Durante el siglo XVIII colgó en el Palacio Real Nuevo, e ingresó en el Museo del Prado en 1827.

TIZIANO. VENUS, EL AMOR Y LA MÚSICA, MUSEO DEL PRADO.

Hacia 1555. Óleo sobre lienzo, 150,2 x 218,2 cm.

El artista retomaba el tema de la reunión de músicos y mujeres desnudas en un espacio abierto, abordado ya al inicio de su carrera en el Concierto campestre (París, Musée du Louvre).

Para Venus recreándose en el Amor y la Música Tiziano se basó en la versión anterior.

El cambio más importante fue la sustitución del perro por Cupido, lo que obligó a modificar la parte superior del cuerpo de la diosa y la posición de su cabeza y mano izquierda.

En el músico se cambia el rostro por el de un hombre joven.

TIZIANO. VENUS CON EL AMOR Y LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO

TIZIANO. VENUS CON EL AMOR Y LA MÚSICA. MUSEO DEL PRADO

El paisaje, los pliegues del cortinaje y la manta de terciopelo sobre la que yace Venus son muy similares.

El cuadro de Venus recreándose en el Amor y la Música aparece citado por primera vez en 1626, en el Alcázar de Madrid.

Procede de la colección real, ingresó en el Museo en 1838.

EROS (CUPIDO), DIOS DEL AMOR

En las teogonías más antiguas, Eros es considerado un dios nacido a la par que la Tierra y surgido del Caos.

Eros es la una fuerza fundamental del mundo porque asegura la continuidad de las especies.

La tradición más utilizada en el arte le presenta como hijo de Ares y Afrodita. Con frecuencia Eros o Cupido acompaña a su madre.

Bajo los influjos de los poetas ha ido adquiriendo su iconografía habitual. Se le representa como un niño, con o sin alas, que lleva la inquietud a los corazones que hiere con sus flechas.

Bajo su apariencia inocente hay un dios poderoso, que puede producir un dolor cruel.

AFRODITA Y ARES (VENUS Y MARTE)

Afrodita se casó con Hefesto, el dios cojo, pero amaba a Ares, dios de la Guerra.

Homero cuenta como de madrugada fueron sorprendidos los amantes Afrodita y Ares por el dios Sol, quien acudió a contar la aventura a Hefesto.

Hefesto (Vulcano) preparó una trampa que consistía en una red mágica que él sólo podía accionar.

Una noche, en la que los amantes se encontraban en el lecho de Afrodita, Hefesto lanzó la red sobre ellos y llamó a todos los dioses del Olimpo, causando el espectáculo gran regocijo.

Por ruego de Poseidón, Hefesto retiró la red. Afrodita escapó avergonzada a Chipre y Ares se fue a Tracia.

De los amores de Ares y Afrodita nacieron Eros y Anteros, Deimo y Fobo (el Terror y el Temor) y Harmonía, esposa de Cadmo en Tebas.

ANTONIO CANOVA (CÍRCULO). VENUS Y MARTE. MUSEO PRADO

1820 – 1830. Mármol, 233 x 125 cm.

El Marqués de Salamanca ofreció en venta al Museo del Prado una obra de Antonio Canova, Venus y Marte, autoría con la que se adquirió y que ha sido mantenida durante décadas, pero que Pavanello en 1976, al catalogar toda la obra de Canova la consideró como copia.

Esta espectacular escultura de mármol de Carrara, representa a la diosa del Amor y la Belleza acompañada de su gran amor, Marte, el dios de la Guerra.

Venus, diosa del amor, intenta retener a Marte con su sensual mirada, atrayéndole para que no vaya a la guerra.

La fortaleza de Marte se equilibra con la belleza de Venus.

El Museo del Prado compró el 16 de junio de 1881 el grupo de Venus y Marte y un conjunto de cuadros por un alto precio, 40.000 pesetas de la época. A finales de junio esta obra había ingresado en el Museo del Prado.

Este grupo es magnífico y son muy pocos los detalles que se aprecian diferentes en relación con la primera versión marmórea de Canova en Londres, ambas de tamaño natural.

CÍRCULO DE CANOVA. VENUS Y MARTE. MUSEO DEL PRADO

CÍRCULO DE CANOVA. VENUS Y MARTE. MUSEO DEL PRADO

La factura de la obra del Prado es menos pulida en su acabado general y varían matices como el tratamiento de los pliegues de la tela que porta Venus.

El modelado de los cuerpos es similar, así como la vinculación de la pareja a través de su intensa mirada.

VENUS Y ADONIS

El mito de Adonis es una leyenda siria a la que alude Hesíodo.

Tías, rey de Siria, tenía una hija, Mirra, a quien la cólera de Afrodita impulsó a desear un incesto con su padre.

Ayudada por su nodriza logró engañar a su padre y unirse a él durante 12 noches. La última noche su padre se dio cuenta del engaño y la persiguió con un cuchillo para matarla.

Ante el peligro Mirra invocó la protección de los dioses, quienes la escucharon y la transformaron en el árbol de la mirra.

9 meses después la corteza del árbol se levantó y de allí salió un niño al que se llamó Adonis.

Afrodita, ante la belleza del niño, se le confió en secreto a Perséfone para que le cuidara, quien se prendó del niño y se negó a devolvérselo a Afrodita.

La disputa entre las dos diosas fue zanjada por Zeus, decidiendo que Adonis pasara un tercio del año con Afrodita, otro con Perséfone y el otro con quien el deseara, que siempre era con su amada Afrodita.

Más tarde, la cólera de Artemisa o los celos de Ares lanzaron contra Adonis un jabalí, que le hirió mortalmente en una cacería.

TIZIANO. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

1554. Óleo sobre lienzo, 186 x 207 cm.

Las primeras poesías que recibió el príncipe Felipe fueron Dánae (1553, The Wellington Collection) y Venus y Adonis (1554), versiones de otras anteriores, que se convirtieron a su vez en modelos para múltiples réplicas.

Tiziano retomó el asunto veinte años después en varias composiciones, una de las cuales fue el punto de partida de la conservada en el Prado.

En esta obra, realizada en 1554, Tiziano presenta a la diosa de espaldas para demostrar, mediante la contemplación conjunta de Dánae (The Wellington Collection) y Venus y Adonis, que la pintura podía representar distintos puntos de vista, equiparándose así con la escultura.

Venus y Adonis es una obra de gran calidad, sensualidad y belleza.

La reflectografía infrarroja muestra que para Venus y Adonis Tiziano partió de la versión en Moscú (colección particular, 1542-1546).

Las figuras y las partes principales fueron trasladadas mediante un calco y dicho calco coincide con precisión con el cuadro de Moscú.

TIZIANO. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

TIZIANO. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

Tiziano, como era habitual al realizar réplicas, incluyó pequeños cambios en la versión de Felipe II.

Las réplicas con pequeñas variantes eran muy habituales en la época, así como la copia de obras de grandes artistas anteriores.

Los cambios más notables se aprecian sólo en superficie, en la zona del abrazo, en el perfil de Venus y el cuerpo de Adonis.

Venus y Adonis pareció a sus contemporáneos la poesía más erótica, ya que las nalgas de Venus eran la parte de la anatomía femenina que más suscitaba la imaginación masculina.

Se denominan poesías al conjunto de obras mitológicas de Tiziano que pintó para Felipe II entre 1553 y 1562, integrado por Dánae (The Wellington Collection, Apsley House), Venus y Adonis (Madrid, Museo del Prado), Perseo y Andrómeda (Londres, The Wallace Collection), Diana y Acteón y Diana y Calisto (Edimburgo, National Galleries of Scotland-Londres, National Gallery) y El rapto de Europa (Boston, Isabella Stewart Gardner Museum).

El primer documento que alude a las poesías es una carta fechada en Venecia el 23 de marzo de 1553 en la que Tiziano anuncia el envío de un retrato del entonces príncipe y que trabajaba en un proyecto conocido por ambos.

Probablemente fue el príncipe Felipe quien encargó a Tiziano en Augsburgo un conjunto de pinturas mitológicas, dándole después libertad para elegir los temas y su plasmación pictórica.

Las poesías fueron concebidas para exhibirse conjuntamente, como afirmaba Tiziano el 10-9-1554, pero no se realizaron para un espacio concreto, ya que hasta agosto de 1559 Felipe no poseyó una residencia estable.

Tiziano se preocupaba por las condiciones lumínicas de los espacios que debían acoger sus obras y la falta de referencias podría explicar la uniformidad lumínica que exhiben las poesías, donde las figuras apenas proyectan sombras, en contraste con obras contemporáneas como San Nicolás de Bari, la Transfiguración o la Anunciación, destinadas a iglesias venecianas.

Las poesías colgaron juntas en el Alcázar de Madrid. Así se citan en el siglo XVII.

Dánae y Venus y Adonis no compartían espacio, deshaciéndose así el propósito especular con que las concibió Tiziano.

VERONÉS. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

Hacia 1580. Óleo sobre lienzo, 162 x 191 cm.

Como su pareja, Céfalo y Procris (Museo de Estrasburgo), ilustra un pasaje de Las Metamorfosis del poeta romano Ovidio que cuenta un amor truncado por la muerte repentina de Adonis.

VERONÉS. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

VERONÉS. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

Veronés muestra a Venus y Adonis en un momento de reposo y fue pintado tras una estancia en Roma.

Veronés se sirve para la figura de Cupido de una escultura helenística, El niño de la oca, mientras Adonis recuerda el Endimión de un sarcófago romano conservado en San Juan de Letrán.

Fue comprada por Velázquez durante su segundo viaje a Italia entre 1649 y 1651.

CARRACCI, ANNIBALE. VENUS, ADONIS Y CUPIDO. MUSEO PRADO

Hacia 1590. Óleo sobre lienzo, 212 x 268 cm.

Venus, diosa del Amor y la Belleza, es accidentalmente herida por su hijo Cupido con una flecha, desencadenándose así su pasión por Adonis, una historia de amor que acabara con la trágica muerte del hermoso joven.

La escena está basada en el libro X de las Metamorfosis de Ovidio.

El paisaje y la luz enlazan con el color veneciano de Tiziano, mientras que el clasicismo de las figuras fue desarrollado por Carracci a partir de la escultura greco-romana y las obras de Correggio, Rafael y Miguel Ángel.

CARRACCI, ANNIBALE. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

CARRACCI, ANNIBALE. VENUS Y ADONIS. MUSEO DEL PRADO

Se conservan varios dibujos preparatorios para esta obra en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, en la Galería degli Uffizi en Florencia y en el British Museum en Londres, y una copia antigua en el Museum de Viena.

Es una obra maestra del menor y más reputado miembro de la familia Carracci.

Fue adquirida por Felipe IV en 1664 a los herederos del aristócrata genovés Giovanni Francesco Serra (1609-1656).

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

https://www.museodelprado.es

https://maitearte.wordpress.com

 

 

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Ares – Marte romano – Dios de la Guerra

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRA

Ares Ludovisi - Palacio Altemps - Roma - Viaje 2014

 

ARES (MARTE ROMANO). DIOS DE LA GUERRA

Ares es hijo de Zeus y Hera y pertenece a la segunda generación de dioses olímpicos.

Es el dios de la guerra por excelencia en su aspecto más cruel y devastador, sembrando la muerte, a diferencia de Atenea.

Es el espíritu de la batalla que se recrea en la sangre y la matanza.

Su talla es sobrehumana y profiere gritos terribles.

Generalmente combate a pie, aunque también aparece en un carro tirado por cuatro corceles.

Se le representa con coraza, escudo, casco, lanza y espada.

Ares habitaba en Tracia, situada al norte de Grecia y próxima a Macedonia, país semisalvaje de clima rudo, rica en caballos y poblaciones guerreras.

En Tracia también moran las Amazonas, que son hijas de Ares.

Los griegos, desde época homérica, se complacían en mostrar la fuerza bruta de Ares contenida o burlada por la inteligencia de Heracles o la prudencia de Atenea.

Su espíritu agresivo hace que no sea un dios querido y que se le represente poco en el arte helénico, aunque tenemos algunos ejemplos como la copia romana del Ares Ludovisi de Lisipo, siglo IV a. C., teórico del arte griego que establece el canon de 8 cabezas y que le representa sentado en su carro de combate y sujetando su espada con aire pensativo.

Su carácter bélico encajó mejor en Roma, donde se le rindió mayor culto y se le consideró el padre de los fundadores de la ciudad Rómulo y Remo.

Según Homero era alto, fuerte, ágil y el más veloz de los dioses.

La iconografía le representa como un joven imberbe y desnudo.

Los animales consagrados a Ares son el perro y el buitre.

La leyenda atribuye a Ares muchas aventuras amorosas, siendo las más famosas las que mantuvo clandestinamente con Afrodita, aunque también tuvo muchos hijos con mujeres, la mayoría de ellos violentos y crueles.

Una de las leyendas sitúa a Eros como hijo de Ares y Afrodita.

VELÁZQUEZ. MARTE. MUSEO DEL PRADO

Hacia 1638. Óleo sobre lienzo, 179 x 95 cm.

El dios Marte de Velázquez está documentado por primera vez en la Torre de la Parada, una residencia real de caza de Felipe IV, su afición favorita.

Se decoró principalmente con temas mitológicos ovidianos encargados en 1636 a Rubens y a su taller.

VELÁZQUEZ. MARTE. MUSEO DEL PRADO

 

Velázquez también estuvo representado en la Torre con Esopo, Menipo y varios retratos de enanos.

Velázquez retrató a Marte en tamaño natural, a partir de un modelo vivo, quizá un soldado veterano, en una postura que recuerda al famoso Ares Ludovisi.

El color cálido de las carnaciones da vida a la figura, que aparece bañada en una iluminación atmosférica realista, con el rostro ensombrecido por el casco.

Los toques de bermellón y blanco crean un bello juego de pliegues y sombras.

Como es habitual en Velázquez, hay un tratamiento cercano del mito, en el que sólo la armadura y otros atributos bélicos le relacionan con el dios romano.

Marte lleva puesto el yelmo, pero la espada y la armadura yacen a sus pies.

El uso de referencias a armaduras y objetos guerreros esparcidos o amontonados por el suelo tenía una larga tradición figurativa y literaria en la que hay que inscribir esta imagen.

Generalmente se alude a la derrota de las armas con el Amor que todo lo vence, un tema que tuvo su expresión en la literatura y que probablemente subyace en esta pintura.

(Texto extractado de Portús, J. en: El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, Museo Nacional del Prado, 2010, p. 108).

ARES LUDOVISI. PALAZZO ALTEMPS, MUSEO NACIONAL ROMANO

Esta copia romana, del original griego de Lisipo, se conserva en el Palazzo Altemps, Museo Nacional Romano, en Roma (aunque también hay otra copia en el Museo de Nápoles)

Es una obra de mármol, restaurado en mármol de Carrara por Bernini.

Lisipo, como escultor griego buscaba un ideal de belleza basado en la proporción.

Sus esculturas deben ser admiradas desde diferentes perspectivas, desvelándose nuevos aspectos en cada posición.

En la estatua de Ares Ludovisi el dios de la guerra se presenta desnudo, sentado y con su espada en la mano izquierda.

Se está conteniendo en su marcha, aguantando una pierna con las manos, impaciente, inquieto, como dios belicoso.

Ares descansa después de haber sido tocado por su hijo Eros, el dios del Amor, que juega entre sus piernas.

 

Ares Ludovisi - Palacio Altemps - Roma

 

Restauración

El aspecto que nos ha llegado de la escultura es fruto de la restauración de 1627 obra de Gian Lorenzo Bernini.

Intentó recuperar la idea original de Lisipo, realizada en mármol pentélico, incorporando algunas partes perdidas en mármol de Carrara, el más similar, como la nariz del dios, la parte superior del escudo y parcialmente los pies y la cabeza de Eros.

Infunde su estilo personal en la empuñadura de la espada, rematada con un duende burlón y en el recorte frontal de parte del pedestal original para dejar el pie volado, sin apoyar en el suelo, un detalle que consigue acentuar la sensación de reposo, al tiempo que el pequeño bloque eliminado sirvió al escultor para labrar otras partes mutiladas.

El Ares Ludovisi recibe este nombre por haber formado parte de la grandiosa colección arqueológica reunida por el cardenal Ludovico Ludovisi, sobrino de Alessandro Ludovisi, pontífice bajo el nombre de Gregorio XV.

Forma parte del Museo Nacional Romano ocupando actualmente una de las salas del Palacio Altemps de Roma.

Otra copia de la escultura se conserva en el Museo Arqueológico de Nápoles.

También hay una copia en yeso en la colección de Reproducciones Artísticas del Museo de Escultura de Valladolid.

LISIPO. SIGLO IV A. C. (CANON DE 8 CABEZAS)

Praxíteles, Scopas y Lisipo son los grandes escultores griegos del siglo IV a.C.

Lisipo trata de nuevo los temas de atletas como Mirón y Policleto en el siglo V a.C., durante el periodo Clásico o época de Pericles.

El Apoxiomenos, su obra más significativa, representa a un joven quitándose la arena después de la competición. En él presentó un nuevo canon del cuerpo masculino, cuyas proporciones son más esbeltas (8 cabezas).

Frente al canon de Policleto (7 cabezas) propone una cabeza más pequeña y el torso y los miembros más esbeltos y largos.

No se conserva ningún original griego suyo, sólo han llegado hasta nosotros copias de época romana.

Fue elegido como el escultor de la corte de Alejandro Magno.

 

BOTTICELLI. VENUS Y MARTE. NATIONAL GALLERY, LONDRES

1483. 69 x 173,5 cm. Temple sobre tabla.

Sandro Botticelli representa a Venus y Marte (Afrodita y Ares) en uno de sus encuentros amorosos. 

Venus vigila el sueño de su amado, mientras unos pequeños faunos, genios campestres con cuernos y pezuñas de cabra, juegan con las armas del dios.

El tema se interpreta como una alegoría del amor vencido por la guerra.

 

BOTTICELLI. VENUS Y MARTE. NATIONAL GALLERY, LONDRES

 

El formato apaisado y la temática de esta tabla hacen pensar que estamos ante un panel para un arcón, uno de los regalos de boda más habituales entre las importantes familias florentinas.

Las avispas alrededor de Marte indican que podría tratarse de un regalo para la familia Vespucci, que había adoptado la avispa en su escudo de armas.

El tema de la tabla es el triunfo del amor sobre la guerra, consiguiendo Venus distraer a Marte y que los pequeños faunos utilicen sus armas como juguetes.

Uno de los faunos intenta despertarle soplando una concha en su oído, mientras otros dos juegan con la lanza del dios, mientras uno se prueba el casco y el cuarto gatea con la coraza del dios.

Las cintas doradas y un broche de perlas sobre el pecho adornan la blanca túnica de Venus. La armadura, el vestido, las joyas y el peinado están tomados de la moda quattrocentista florentina.

Detrás de la figura de Venus hay plantas de mirto, que se cultivan por sus flores y sus hojas aromáticas.

El mirto se consideraba símbolo del amor y la belleza y una de las plantas consagradas a la diosa Afrodita.

El mirto simbolizaba la fecundidad y la fidelidad.

Plinio el Viejo describe, en su Historia Natura ritos nupciales en los que los esposos iban coronados con mirto durante el banquete.

También se emplea como anticatarral y antiséptico.

El mirto estaba consagrado a Venus a causa de su olor suave, porque estaba siempre verde, o bien porque las hojas de mirto brotaban de dos en dos, igual que el amor que debe ser recíproco.

Otra historia del mundo clásico relaciona el mirto con significados funerarios: Dioniso bajando al Inframundo a rescatar a su madre, Sémele, muerta por los rayos de Zeus, tuvo que dejar allí un arbusto de mirto.

En el Renacimiento está ligada al matrimonio. Por su hoja perenne se asoció a la fidelidad y al amor eterno y se representó en las alegorías matrimoniales.

Es considerado un símbolo del amor romántico y se emplea en decoraciones de iglesias, salones de fiestas y ramos de novia o coronas.

Es astringente y antiséptico y se emplea como anticatarral y contra el asma.

El mirto ayuda en la caída del cabello y forma parte de muchos champús, jabones y perfumes.

 

Bibliografía

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

 

www.museodelprado.es

 

maitearte.wordpress.com

 

miriamgarciarestauracion.blogspot.com.es

 

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DEMÉTER (CERES ROMANA). DIOSA DE LA AGRICULTURA Y LA PROSPERIDAD

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

DEMÉTER (CERES ROMANA)

DIOSA DE LA AGRICULTURA Y LA PROSPERIDAD

Deméter es la segunda hija de Crono y Rea y hermana de Zeus, por lo tanto pertenece a la primera generación de dioses olímpicos.

Su personalidad, religiosa y mítica, es muy distinta de la de Gea, la Tierra, concebida como elemento cosmogónico.

Deméter es la diosa maternal de la tierra y de la agricultura, el trigo, la fertilidad y la abundancia. Su  principal atributo es la espiga.

Como diosa de la tierra cultivada, esencialmente el trigo, sus leyendas se han desarrollado en todas las regiones del mundo helénico donde prospera este cereal.

Sus lugares preferidos son Eleusis y Sicilia.

Deméter está estrechamente vinculada a su hija Perséfone (Proserpina).

Con frecuencia se las llama “Las Diosas” y sus aventuras constituyen el mito central de su leyenda, mito cuya profunda significación era revelada en la iniciación a los misterios de Eleusis.

Hades se enamoró de Perséfone, única hija de Deméter, y la raptó cuando la doncella se disponía a coger un narciso o un lirio en Sicilia.

La tierra se abrió y Hades se llevó a su amada a los Infiernos.

En el momento del rapto Perséfone lanzó un grito. Su madre lo oyó y le oprimió el corazón.

Deméter recorrió todo el mundo durante 9 días y 9 noches buscando a su hija. Sin tomar alimento, ni ataviarse anduvo errante por el mundo con una antorcha encendida en cada mano.

El décimo día encontró a Hécate, que también había oído el grito.

Únicamente el Sol, que todo lo ve, puede informarle de lo ocurrido.

Irritada, la diosa decidió abdicar de su función divina hasta que se le hubiese devuelto a su hija. Adoptó la figura de una anciana y se trasladó a Eleusis.

En este tiempo la diosa se convirtió en nodriza de Triptólemo, hijo de Metanira, y le encomendó a este niño la difusión por el mundo del cultivo del trigo.

El voluntario destierro de Deméter volvió la tierra estéril y alteró el orden del mundo, por lo que Zeus ordenó a Hades que devolviese a Perséfone. Pero esto no era posible porque la joven había roto el ayuno obligatorio del Infierno al comer un grano de granada.

Finalmente se llegó a un pacto. Deméter volvería a ocupar su puesto en el Olimpo y se encargaría de sus obligaciones, si Perséfone pasaba parte del año en el Infierno y la otra con su madre.

Cada primavera Perséfone sale de la mansión subterránea y las flores y frutos están en su plenitud, para volver en la época de la siembra, por eso el invierno es la estación triste y estéril.

Sus lugares favoritos son Sicilia, Creta y Eleusis. 

Eleusis está situado a unos 20 km. de Atenas. Era la tierra natal de Esquilo y tuvo un santuario dedicado a Deméter y Perséfone en el que se celebraban uno de los cultos más importantes de la antigua Grecia: los misterios de Eleusis, que posteriormente se mantuvieron en el Imperio romano.

Se la representa como una matrona que porta espigas de trigo, un lechón (cochinillo que todavía mama) o unas antorchas.

En Roma se le añade el simbolismo monetario y se la suele representar con la cornucopia, vinculándose su imagen a la prosperidad del Imperio.

En la Edad Moderna a menudo la acompañan los dioses Dioniso o Pan. Además algunos símbolos como la hoz, que la convierten en alegoría de la agricultura o del verano.

Pan es el dios de los pastores y los rebaños. Es mitad hombre y mitad animal. Posee 2 cuernos en la frente, tiene el cuerpo velludo y los miembros inferiores son de un macho cabrío con pies provistos de pezuñas.

SNYDERS, FRANS

(Amberes, 1579 – Amberes, 1657)

En 1593 Frans Snyders entró en el taller de Pieter Brueghel el Joven.

En 1602 ingresó como maestro en el Gremio de San Lucas y, poco después, realizó un viaje a Roma y a Milán, donde trabajó para el cardenal Federico Borromeo gracias a las recomendaciones de Jan Brueghel el Joven.

De regreso a Amberes, en 1610, se casó con Margarita de Vos, hermana del pintor Cornelis de Vos.

A su vuelta de Italia entró en contacto con Rubens, quien proporcionaría las figuras para algunas de sus obras, a la vez que diseñaría composiciones con gran desarrollo de bodegón con la intención de que Snyders los llevase a cabo.

A partir de 1620 sus cuadros son de mayor tamaño y los elementos dispuestos sobre la mesa aumentan de manera espectacular.

A partir de 1630 el colorido evoluciona a tonos más claros y más variados, aunque Rubens sigue realizando las figuras de sus composiciones.

La otra faceta en la que destacó Snyders fue la realización de cuadros de animales, que incluían cazas, fábulas y representaciones simbólicas, como son los conciertos de pájaros.

Al igual que en sus bodegones, para estas obras trabaja al lado de Rubens, quien pinta las figuras para los animales de Snyders y viceversa.

La evolución es paralela a sus bodegones, los tamaños crecen a lo largo de su carrera, tendiendo a hacerse más horizontales, contribuyendo a la vivacidad de las escenas.

El interés que despertó la obra de Snyders entre coleccionistas y príncipes de toda Europa tuvo en España un epílogo de notable calidad, con su participación en las decoraciones para la Torre de la Parada, para donde realizó varias escenas de caza y fábulas.

Por otra parte, los regalos de conocidos coleccionistas de pintura flamenca, como el marqués de Leganés, completaron la colección de Snyders que poseía Felipe IV y que se encontraba en el Alcázar de Madrid, lo que explica la abundante presencia de su pintura en el Prado.

(Pérez Preciado, J. J. en E.M.N.P., 2006, tomo VI, pp. 2019-2020).

Ceres y Pan. Snyders y Taller de Rubens. Museo del Prado

Hacia 1620. Óleo sobre lienzo, 178,5 x 280,5 cm.

La representación de la diosa de la agricultura y las estaciones Ceres junto al dios Pan viene descrita en las obras clásicas.

Ceres (Deméter) era hija de Saturno (Crono) y por lo tanto hermana de Júpiter (Zeus).

Pan está vinculado con la tierra y el inicio de todo. Los dos dioses están relacionados por la naturaleza.

La agricultura y la prosperidad se unen para mostrar la abundancia y la fecundidad.

Ceres sujeta la cornucopia, el cuerno de la abundancia, lleno de diferentes frutas y hortalizas, mientras que Pan se inclina hacia ella con un cesto repleto de frutas.

Se observan diferentes bodegones aislados por toda la composición, como en la esquina inferior derecha.

Al fondo el paisaje se abre para dar mayor profundidad a la escena y vemos figuras sentadas y una mujer con un canasto en la cabeza, reforzando aún más la simbología de la obra.

Ceres y Pan. Snyders y Taller de Rubens. Museo del Prado

Esta pintura es una colaboración entre Frans Snyders y el taller de Rubens. Estos dos artistas trabajaron juntos en numerosas obras, pintando el primero los elementos naturales y el segundo o su taller las figuras.

Esta pintura formaba parte de un conjunto llegado desde Flandes para decorar la Torre de la Reina del Alcázar de Madrid.

La primera referencia documental de este grupo de 26 obras aparece en el inventario del Alcázar de 1636, donde se mencionan 25 de ellas.

Desconocemos si fue la reina o el rey, quien encargó estas obras, o si la idea vino de Flandes de mano de la archiduquesa Isabel Clara Eugenia.

Lo que parece cierto es que no se trata de un encargo cerrado a un pintor, sino más bien un conjunto de obras de diferentes artistas flamencos enviados para decorar la mencionada Torre, después de las remodelaciones llevadas a cabo allí por Juan Gómez de Mora.

Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado (enero, 2015)

La Agricultura. Francisco de Goya. Museo del Prado.

1804 – 1806. Temple sobre lienzo

El tondo de esta alegoría de la Agricultura formó parte de la decoración de la gran escalera monumental del palacio de D. Manuel Godoy (1767-1851), Príncipe de la Paz y Primer Ministro de Carlos IV (1748-1819).

El Palacio de Manuel Godoy está ubicado en la Plaza de la Marina Española 9, muy cerca del Palacio Real y del Senado, conocido como palacio Grimaldi.

El edificio fue construido por Francisco Sabatini en estilo clásico barroco para albergar a personal del rey Carlos III.

clip_image004Vivieron en él también el conde de Floridablanca, el marqués de Grimaldi y durante el levantamiento de mayo de 1808 el mariscal Murat.

Hasta nuestros días ha sido utilizado por distintos estamentos oficiales como el Ministerio de la Marina o el Museo del Pueblo español. Actualmente alberga dependencias del Ministerio de la Presidencia.

Esta pintura fue encargada a Goya, entre 1801 y 1805, cuando Godoy acometió la restauración del edificio, pero no se conservan los documentos que hayan permitido conocer el año exacto de su creación.

Junto a las otras tres grandes composiciones del mismo formato circular, la de la Ciencia, perdida, y las otras dos, del Comercio y la Industria, conservadas también en el Museo del Prado, se expresaban los ideales de la Ilustración, así como las ideas de progreso de las Sociedades Económicas de Amigos del País, que Godoy favoreció.

Goya utilizó aquí la iconografía tradicional de la Agricultura, representada por la diosa clásica Ceres coronada de espigas, como símbolo de fecundidad.

Un repinte posterior cubrió, por decoro, el desnudo de la diosa, que sentada en un paisaje tiene a sus pies dos azadones y posiblemente una guadaña, como útiles específicos de los campesinos.

Sostiene en la mano izquierda un racimo de uvas y unas espigas, y en la derecha una granada, mientras un campesino arrodillado le ofrece una cesta de flores y frutas, bajo los signos zodiacales de Leo, Libra y Escorpio, que aparecen en el cielo, correspondientes a los meses más ricos de las cosechas, el verano y el otoño.

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

http://www.museodelprado.es

maitearte.wordpress.com

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HESTIA (VESTA EN ROMA). ESPIRITUAL. DIOSA DEL HOGAR.

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

HESTIA (VESTA EN ROMA)

ESPIRITUAL

DIOSA DEL HOGAR

HESTIA (VESTA EN ROMA). ESPIRITUAL. DIOSA DEL HOGAR.

Hestia es la primera hija de Crono y Rea y hermana de Zeus, Hades, Poseidón, Hera y Deméter.

Hestia constituye el concepto de Hogar, es la diosa del Hogar.

Fue cortejada por Apolo y Poseidón, pero obtuvo de Zeus la gracia de guardar eternamente su virginidad.

Zeus le concedió el honor excepcional de ser objeto de culto en todas las casas de los hombres y en los templos de cualquier divinidad.

Mientras los demás dioses viajaban por el mundo, Hestia permaneció siempre en el Olimpo, por eso no desempeñó ningún papel en las leyendas divinas.

Hestia es el centro religioso de la mansión divina.

VESTA (ROMA)

Es una diosa romana muy arcaica que preside el fuego del hogar doméstico.

Pertenece como la Hestia helénica al grupo de las 12 grandes divinidades del Olimpo.

Su culto se halla bajo la dependencia directa del Gran Pontífice, asistido por las Vestales, sobre las que ejercía una autoridad paterna.

Su culto fue introducido en Roma por Rómulo.

Sus templos son circulares, como las cabañas del Lacio, y no se levantaban en el interior de la ciudad palatina, sino en el Foro  romano, fuera de la ciudad atribuida  Rómulo.

Su animal sagrado es el asno, animal mediterráneo por excelencia, en oposición al caballo que es indoeuropeo.

A mediados de junio se coronaba a los asnos con flores en el día de la Vestalia y no se les hacía trabajar.

Una leyenda tardía cuenta que Vesta fue protegida por un asno en una tentativa amorosa de Príapo.

 

Templo de Vesta o Templo de Hercules Vencedor

PRÍAPO, LA VIRILIDAD

Príapo, hijo de Afrodita y Dioniso, tenía como misión guardar las viñas y los jardines.

Los romanos colocaban estatuas de Príapo en sus jardines para garantizar sus cosechas.

Tenía la virtud de desviar “el mal de ojo” y anular el maleficio de los envidiosos que trataban de perjudicar las cosechas.

Según otras versiones es hijo de  Zeus y Afrodita.

El dios se enamoró de la bella Afrodita y se unió a ella. La celosa Hera, temerosa de que el niño sacara la belleza de su madre y el poder de su padre, tocó el vientre de Afrodita, de modo que el niño nació deforme.

Al nacer, Príapo tenía un miembro viril enorme y  desmesurado.

Afrodita temió las burlas y le abandonó en el monte. Allí le descubrieron unos pastores que le criaron y le rindieron culto a la virilidad, convirtiéndole en un dios rústico.

En los frescos de Pompeya encontramos una pintura de Príapo, subiéndose la túnica para exhibir su enorme miembro, símbolo de la fecundidad, que se dispone a pesar en una balanza.

Pablo Ruíz Picasso le dedicó una escultura a este personaje mitológico.

VIRGENES VESTALES

Una Vestal era una sacerdotisa de Roma, que estaba consagrada a Vesta, la diosa del hogar, y su misión fundamental era mantener el fuego sagrado.

Se las seleccionaba siendo niñas y debían permanecer vírgenes durante los 30 años obligatorios de permanencia al servicio de Vesta.

Las Vestales eran las únicas sacerdotisas de la religión romana, pues todos los demás eran hombres.

Exigir la virginidad de las vestales proviene de los primeros tiempos, cuando a las muchachas jóvenes y solteras se les encargaba la tarea de vigilar el fuego sagrado, ya que no tenían familia ni tareas hogareñas que atender.

En ese mismo concepto de no tener cargas familiares para desempeñar mejor su cargo, se basa el celibato de los sacerdotes católicos.

La importancia de las Vestales era enorme en Roma, por ello se creó la Casa de las Vestales en el foro, para que pudiesen disfrutar de todas las comodidades.

Inicialmente pudieron ser dos, en el siglo I d.C., en tiempos de Plutarco, eran cuatro y posteriormente su número ascendió a seis.

Plutarco debe su fama a su obra “Vidas paralelas”, una serie de 22 biografías de ilustres personajes griegos y romanos, agrupados en parejas para comparar entre figuras de una y de otra cultura con gran cantidad de detalles históricos. Esta obra sirvió de inspiración a grandes escritores como William Shakespeare.

Las Vestales eran seleccionadas por el Pontífice Máximo entre los seis y diez años y debían ser hermosas, vírgenes y de padre y madre reconocidos.

Se seleccionaba a las aspirantes y se introducían en una vasija unas tablillas con sus nombres. El Pontífice Máximo sacaba una tablilla con el nombre de la elegida por la diosa para ser Vestal.

Era un gran reconocimiento para la familia que su hija fuera elegida Vestal.

Una vez seleccionada, se la separaba de la familia y era llevada al templo, donde se producía la ceremonia de admisión como Vestal, que consistía en:

·         Independencia total de su familia.

·         Vestirla con un velo en la cabeza.

·         Entregarle una lámpara encendida.

En la Casa de las Vestales se iniciaba el aprendizaje:

·         Aprendían a leer.

·         Estudiaban a los dioses y sus potestades.

·         La realización de los ritos.

·         El protocolo en los actos públicos.

·         El mantenimiento del fuego sagrado.

El servicio como vestal duraba treinta años:

·         10 dedicados al aprendizaje,

·         10 al servicio como Vestal,

·         10 dedicados a la instrucción de las jóvenes vestales.

Transcurridos estos años podían casarse si lo deseaban, aunque casi siempre las vestales retiradas decidían permanecer célibes en el templo.

Su vestimenta reflejaba su elevado rango dentro de la sociedad romana:

·         Utilizaban túnicas de lino blanco adornadas con una orla de púrpura.

·         Llevaban un velo sobre la cabeza y los hombros.

·         Portaban una lámpara encendida entre las manos.

·         la vitta, banda que rodea la cabeza de lana con color blanco o púrpura, que servía para confinar el cabello e identificaba su condición virginal.

·         La palla era un sencillo manto. El broche y el manto se colgaron sobre el hombro izquierdo

La Vitta también era usada por las doncellas y las jóvenes en el día de la boda.

La vitta era lo primero que perdía una vestal cuando rompía su voto de virginidad o abandonaba el sacerdocio, transcurridos los 30 años de servicio a Vesta.

La vitta también era usada por los sacerdotes cuando realizaban la ofrenda de los sacrificios y por los profetas y poetas.

La mayor falta de una Vestal era perder la virginidad.

El castigo era la lapidación, posteriormente fue el enterramiento en vida.         Al varón se le condenaba a muerte por suplicio.

Las Vestales tenían privilegios y honores en todas partes, reservándoles lugares de privilegio en los actos públicos a los que tenían que asistir.

Las sacerdotisas viajaban en un carro de dos ruedas cubierto, que siempre tenía preferencia de paso.

La falta de compostura en los rituales sagrados y actos públicos era una falta.

Su gran responsabilidad era que no se apagase el fuego del templo. La vestal que había estado de guardia cuando la llama se había apagado era azotada.

Las vestales eran las únicas mujeres, que disponían de un status similar al de los hombres romanos y podían testar y disponer de sus bienes y herencia.

Custodiaban objetos sagrados y valiosos como los testamentos de Julio César y Marco Antonio.

La Leyenda sobre la orden de las vestales cuenta que fue creada por el héroe troyano Eneas, considerado padre del Imperio Romano, al ser el origen de los fundadores de Roma.

La leyenda cuenta que Rhea Silvia fue obligada por su tío a convertirse en vestal, para asegurarse de que no tuviese descendencia.

El dios Marte raptó a Rhea Silvia, quien posteriormente dio a luz a dos gemelos: Rómulo y Remo.

Rhea Silvia fue condenada a ser enterrada viva y los gemelos debían ser eliminados. Pero Marte protegió a sus hijos y los abandonó en las orillas del río Tíber.

Marte dejó a Rómulo y Remo al cuidado de una loba, que los amamantó y se casó con Rhea Silvia para salvarla del enterramiento en vida.

Pasado el tiempo, Rómulo y Remo fueron a Alba Longa, la ciudad fundada por Ascanio, hijo de Eneas, y devolvieron el trono a su abuelo, Numitor, padre de Rhea Silvia.

Tito Livio cuenta que se ordenó la matanza de Rómulo y Remo, pero el río Tíber había crecido y los soldados trataron de evitar el sacrifico de los gemelos, pensando que el agua y el fango les ahogarían.

La loba sería una leyenda y los gemelos fueron recogidos por una prostituta casada con un pastor, amamantándolos y cuidando a Rómulo y Remo.

La palabra lupa significa en latín loba, pero también significa prostituta.

El emperador Teodosio disolvió oficialmente las Casas de las Vestales,     al convertirse el Cristianismo en la religión oficial del Imperio.

En el año 313 d.C. el emperador Constantino proclamó el Edicto de Milán, que conllevaba la Libertad de cultos en el Imperio romano.

Teodosio (Coca, Segovia 346 – Milán, 395), convirtió el catolicismo en la religión oficial y dividió el Imperio entre Oriente y Occidente.

Promulgó el Edicto de Tesalónica en el 380 por el que declaró el cristianismo la religión oficial del Imperio Romano.

Teodosio I dejó el trono a sus dos hijos: Honorio y Arcadio.

A Arcadio le correspondió Oriente (con 17 años) y a Honorio (un niño de 11) Occidente. La división del imperio fue irreversible desde el 395.

Su hija Gala Placidia (392-450) fue esposa de Constancio III y madre/regente de Valentiniano III. También fue esposa de Ataulfo, rey visigodo.

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

https://maitearte.wordpress.com

http://www.vestal.es

http://www.roma.es

 

 

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Posidón, Poseidón (Neptuno Romano). Dios del Mar

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

POSIDÓN, POSEIDÓN (NEPTUNO ROMANO).

DIOS DEL MAR

Posidón, hijo de Crono y Rea es el dios del Mar y hermano de Zeus, a quien ayudó en su lucha contra los Titanes.

Desde tiempos de la Ilíada, Poseidón tiene designado el dominio sobre el Mar, como Hades reina en los Infiernos y Zeus en el Cielo y la Tierra.

Posidón participó durante un año junto con Apolo en la construcción de la muralla de Troya, pero el rey Laomedonte le negó el salario convenido y Posidón para vengarse suscitó un monstruo que salió del fondo del mar y asoló a los pueblos troyanos.

Aquí tiene su origen el rencor de Posidón hacia Troya y el motivo por el cual el dios ayudó a los griegos en la Guerra de Troya, aunque salvó a Eneas, el hijo de Afrodita, de morir a manos de Aquiles.

Veló los ojos de Aquiles con una niebla y arrancó del escudo de Eneas la lanza que se había clavado en él, transportando al héroe lejos de las filas enemigas.

El Destino no quería la muerte de Eneas y es el propio dios Posidón quien le salva.

Las dos contiendas más famosas de Posidón son por Atenas y Argos.

Posidón fue el primero en tomar posesión de Atenas e hizo brotar con su tridente un mar de agua salada o un pozo de agua salada en la Acrópolis.

Posteriormente, Atenea plantó un olivo en la Acrópolis y se convirtió en la patrona de Atenas.

Posidón era señor de una isla maravillosa: la Atlántida.

Posidón tuvo numerosos amores, todos ellos fecundos. Pero mientras los hijos de Zeus eran héroes bienhechores, los de Posidón y los de Ares eran maléficos y violentos.

En sus amores con Toosa engendró al cíclope Polifemo y con Medusa al caballo alado Pegaso.

Su esposa era Anfitrite, madre de su hijo varón Tritón, aunque también tuvo hijos con diosas, ninfas y mujeres.

Posidón era el dios colérico soberano del mar y se le representa como un hombre desnudo, maduro y barbado que nos recuerda a la iconografía de Zeus, aunque le diferencia su atributo: el tridente, arma de los pescadores de atún.

Se le suele representar en su carro tirado por veloces caballos o hipocampos y rodeado de seres marinos como tritones, nereidas o delfines.

Por lo tanto su representación es muy apropiada para fuentes monumentales como la de Neptuno en Madrid y para estanques como en Versalles.

TRITÓN

Es un dios marino considerado hijo de Poseidón y Anfitrite.

Posee torso de hombre y cola de pez y se le representa haciendo sonar conchas o caracolas.

La leyenda hace intervenir a Tritón en la expedición de los Argonautas, indicando a los navegantes la ruta a seguir para llegar al Mediterráneo.

El nombre de Tritón se aplica no sólo a una divinidad, sino a una serie de seres que forman parte del cortejo de Posidón.

FUENTE DE TRITÓN. BERNINI. PIAZZA BARBERINI, ROMA

FUENTE DE TRITÓN. BERNINI. PIAZZA BARBERINI, ROMA

Los tritones tienen torso de hombre y su parte inferior es la de un pez. Generalmente se les representa soplando en conchas o caracolas.

Las nereidas son divinidades marinas, hijas de Nereo y nietas de Océano, que personifican las innumerables olas del mar. Generalmente son 50, pero su número se puede elevar a 100.

El hipocampo es el caballito de mar, que aparece en los poemas homéricos como símbolo de Poseidón, cuyo carro era tirado sobre la superficie del mar por veloces caballos.

LA FUENTE DE NEPTUNO, MADRID

La Fuente de Neptuno forma parte del proyecto original de Ventura Rodríguez. Fuente de Neptuno

Las fuentes de Neptuno y Cibeles estaban enfrentadas, mirándose la una a la otra, en un lateral del Paseo del Prado.

Tanto Cibeles como Neptuno experimentaron a finales del siglo XIX procesos de reestructuración y traslado, pasando finalmente a ocupar el centro de las plazas de la Cibeles y de Cánovas del Castillo, respectivamente.

La escultura fue encargada a Juan Pascual de Mena, escultor que murió antes de completarla; sin embargo, existen documentos que acreditan que la obra fue continuada por su discípulo José Arias.

La obra representa al dios del mar, con su tridente, sobre una carroza en forma de concha tirado por dos caballos marinos (hipocampos).

Con la fuente de Apolo y la de Cibeles, forma parte de la decoración para el Salón del Prado, proyectado por Carlos III, como zona de paseo de Madrid.

La Plaza de Neptuno ocupa un lugar central en el Paseo del Prado y en ella se sitúan el Hotel Palace y el Hotel Ritz, dos de los hoteles con mayor historia de Madrid.

En las últimas décadas del siglo XX la Fuente se convirtió en icono para celebrar las victorias del Atlético de Madrid.

Otras representaciones de Neptuno pueden verse en Roma, Piazza del Popolo.

Fuente de Neptuno, Roma.

La fuente de Neptuno de Florencia está situada en la Plaza de la Señoría

Fuente de Neptuno, Florencia.

CIBELES, LA GRAN DIOSA FRIGIA (TURQUÍA)

Es la gran diosa de Frigia. Se la llama la Madre de los Dioses o la Gran Madre.

Frigia fue una antigua región de Asia Menor que ocupaba la mayor parte de la península de Anatolia, en el territorio que actualmente corresponde a Turquía.

Su poder se extiende sobre toda la Naturaleza.

Se le rendía culto en las Montañas de Asia Menor, después en el mundo helénico y en Roma.

En el 204 a.C. el Senado romano trajo a Roma la piedra negra que simbolizaba la diosa y erigió un templo en el Palatino.

En Grecia, Cibeles es considerada una encarnación de Rea (La Tierra), madre de Zeus y sus hermanos.

La importancia de Cibeles se debe principalmente al culto orgiástico que se desarrolló a su alrededor y que sobrevivió hasta el bajo Imperio romano.

La Fuente de Cibeles, Madrid

La Fuente de Cibeles

La figura principal de la fuente es la diosa Cibeles, obra del escultor Francisco Gutiérrez.

Se la representa con la cabeza coronada de torres, acompañada de leones o sobre un carro tirado por ellos.

Los dos leones, esculpidos por el francés Roberto Michel, tiran del carro, y representan a dos personajes mitológicos: Hipómenes y Atalanta.

Atalanta fue abandonada al nacer porque su padre sólo quería varones.

Una osa la amamantó hasta que unos cazadores la encontraron y criaron.

Se mantuvo virgen y se dedicó a cazar como su patrona Artemisa.

Para alejar a los pretendientes anunció que su esposo sería el hombre capaz de vencerla en la carrera, ya que ella era muy veloz, pero si perdía le mataría.

Hipómenes llevaba unas manzanas de oro que le había dado Afrodita.

Cuando el joven iba a ser alcanzado en la carrera, fue arrojando uno a uno los frutos áureos y ella, curiosa o enamorada, se detuvo a recogerlos y el joven resultó vencedor.

Más tarde los esposos entraron en un santuario dedicado a Zeus o Cibeles, según las versiones, donde saciaron su sed de amor. Zeus indignado por el sacrilegio les convirtió en leones.

La Fuente de Cibeles de Madrid fue construida en 1782 y desde 1895 está ubicada en su actual emplazamiento y es un gran símbolo de la capital.

Está situada en el centro de la plaza de Cibeles y rodeada por los edificios del Palacio de Buenavista (Cuartel General del Ejército), Palacio de Linares (Casa de América), Palacio de Comunicaciones (antes sede de Correos y actualmente del Ayuntamiento de Madrid) y el Banco de España.

La fuente es fundamental en el sistema de seguridad del Banco de España.

La diosa y los leones fueron esculpidos en mármol cárdeno del pueblo de Montesclaros (Toledo) y el resto en piedra de Redueña, localidad enclavada a 53 kilómetros al norte de Madrid, cerca de la sierra de la Cabrera.

La fuente no sólo era un monumento artístico, sino que tuvo desde el principio una utilidad para los madrileños. Tenía dos caños de agua que se mantuvieron abiertos hasta 1862.

De uno se surtían los aguadores oficiales, que solían ser asturianos y gallegos, y llevaban el agua hasta las casas y, del otro, se abastecía el público general.

Del pilón bebían las caballerías.

La Fuente de Cibeles

La diosa desde finales del siglo XX se ha convertido en un icono de los seguidores del equipo de fútbol Real Madrid. En ella se celebran los títulos del equipo madrileño, al igual que los éxitos de la Selección Española de Fútbol.

Bibliografía:

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana.

maitearte.wordpress.com

www.esmadrid.com

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Hades (Plutón Latino) – Dios de los Infiernos y de los Muertos

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

HADES (PLUTÓN LATINO)

DIOS DE LOS INFIERNOS Y DE LOS MUERTOS

Hades es hijo de Crono y Rea y hermano de Zeus y Posidón y entre los tres se repartieron el Universo tras su victoria sobre los Titanes.

Hades es el dios de los muertos y de los Infiernos.

Hades era raramente mencionado por temor a su cólera.

Normalmente se le llamaba Plutón, el Rico, aludiendo a las riquezas inagotables de la tierra, tanto las de la tierra cultivada como las de las minas que encierra.

Esto explica que frecuentemente se le representara sosteniendo la cornucopia  (el cuerno de la abundancia: frutas, flores, monedas), símbolo de riqueza.

Los cíclopes le armaron con un casco que volvía invisible a quien lo llevaba.         

Siendo invisible consiguió desarmar a su padre, Crono, mientras Zeus le derribaba con su rayo.

El gran héroe Perseo utilizó su casco para vencer a Medusa.

El casco de Hades es similar al de Sigfrido en la mitología germánica.

Hades reinaba sobre los muertos y era despiadado, ya que no permitía volver a la tierra a nadie.

Es ayudado por Caronte, el barquero, y por el Can Cerbero.

En los Infiernos reina con Perséfone (Proserpina), su sobrina y esposa, a quien raptó  en Sicilia mientras cogía flores.

Los muertos eran juzgados en el reino de Hades. (Osiris y Juicio Final)

Según Virgilio los espíritus de los justos eran enviados a los Campos Elíseos, mientras que los malhechores moraban en el Tártaro.

 

Iconografía

La iconografía representa a Hades como un hombre barbado, sentado en su trono o subido en un carro de oro.

Sus atributos son el yelmo, el cetro, la granada y el cuerno de la abundancia, símbolo de la riqueza de los metales de la tierra.

Se diferencia de la iconografía de Zeus y Posidón por la presencia del Can Cerbero.

El rapto de Proserpina es el único tema que se plasma en el arte sobre Hades.

Cerbero, guardián de la puerta del Infierno

Cerbero, hijo de Tifón, es el perro de Hades, uno de los monstruos que guardaban el imperio de los muertos.

Vedaba la entrada en él a los vivos y, sobre todo, impedía su salida.

Su imagen presentaba 3 cabezas de perro y una cola formada por una serpiente.

Estaba encadenado ante la puerta del Infierno y atemorizaba a las almas cuando entraban.

Uno de los trabajos que Euristeo impuso a Heracles fue enviarlo a los Infiernos en busca de Cerbero, para devolverlo a la Tierra.

Hades le permitió llevarse a Cerbero a la Tierra con la condición de que lograse dominarle sin armas.

Heracles luchó con él, le sometió y le llevó ante Euristeo, quien se asustó tanto que ordenó devolverlo a su lugar.


Caronte, el barquero

Es ayudado por Caronte, el barquero.

Caronte es un genio del mundo infernal. Su misión es pasar las almas a través de los pantanos del Aqueronte, hasta la orilla opuesta del río de los muertos.

Estos deben pagarle un óbolo. De ahí la costumbre de introducir una moneda en la boca del cadáver en el momento de enterrarlo.

Su iconografía es la de un anciano feo y barbado, vestido con harapos y con un sombrero redondo.

Es tiránico y conduce la barca fúnebre, pero son las almas quienes reman.

Cuando Heracles descendió a los Infiernos, obligó a Caronte a pasarlo en su barca y como éste se negaba, el héroe se apoderó de la pala y le propinó una paliza hasta que Caronte no tuvo más remedio que obedecer.

Después Caronte estuvo encadenado durante un año, como castigo por haber permitido que un vivo entrase en el Reino de los Muertos.

En las tumbas etruscas Caronte aparece pintado como un demonio alado con la cabellera mezclada de serpientes y llevando un mazo en la mano.

El Caronte etrusco sería el genio de la muerte, el que acaba con el moribundo y le arrastra al mundo subterráneo.

 

EL RAPTO DE PROSERPINA, BERNINI. GALERÍA BORGHESE. ROMA

Mármol, 1621-1622.

EL RAPTO DE PROSERPINA, BERNINI. GALERÍA BORGHESE. ROMA

Hades (Plutón latino), el invisible, era llamado Plutón, el Rico, aludiendo a las riquezas inagotables de la tierra.

Las puertas de los Infiernos están custodiadas por el terrible can Cerbero.

El perro de Hades era el que impedía la entrada y, sobre todo, la salida del Infierno. Era un monstruo de tres cabezas que estaba encadenado ante la puerta del Infierno y aterrorizaba a las almas que entraban, plasmado magistralmente por Bernini.

Se diferencia de la iconografía de Zeus y Posidón por la presencia del can Cerbero.

EL RAPTO DE PROSERPINA, BERNINI. GALERÍA BORGHESE. ROMA

En sus territorios reinaba con Perséfone, hija de sus hermanos Zeus y Deméter.

Deméter es la diosa de la agricultura, el trigo, la fertilidad y la abundancia.

Deméter tuvo una relación amorosa con Zeus y de esta unión nació su única hija Perséfone (Proserpina en Roma), con la que está estrechamente vinculada. Con frecuencia se las llama “Las Diosas”.

Reinaba con Perséfone, hija de su hermana Deméter, a la que raptó mientras cogía flores con unas ninfas en Sicilia, ya que Zeus, su padre, no había permitido su matrimonio con Hades, porque no quería que la joven se pasara la vida encerrada en los Infiernos.

Hades, enamorado de la su joven sobrina, decidió llevar a cabo el famoso rapto de Perséfone (Proserpina).

La tierra se abrió y Hades se la llevó a reinar con él en los Infiernos.

Su madre la buscó por todas partes, olvidando el cuidado de frutas, flores y plantas.

En este tiempo la tierra se volvió estéril y se alteró el orden del mundo, por lo que Zeus ordenó a Hades que devolviese a Perséfone. Pero esto no era posible porque la joven había roto el ayuno obligatorio del Infierno al comer un grano de granada, lo que la vinculaba para siempre al Infierno.

Zeus, para mitigar la pena de Deméter, dispuso que Perséfone distribuyese su tiempo entre el mundo subterráneo y el terrestre, aunque la proporción varía, dependiendo de los autores, entre un tercio y la mitad del año.

Cada primavera Perséfone sale de la mansión subterránea y las flores y frutos están en su plenitud, para volver en la época de la siembra, por eso el invierno es la estación triste y estéril.

El tema más difundido en el arte es el rapto de Perséfone o Proserpina, del mundo de los vivos, como plasmó magistralmente Gian Lorenzo Bernini en el conjunto escultórico de la Galería Borghese de Roma.

 

BIBLIOGRAFÍA

Pierre Grimal. Diccionario de Mitología Griega y Romana. Paidos.

maitearte.wordpress.com

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Hera, Juno romana. Diosa del matrimonio

María Teresa García Pardo

Doctora en Historia del Arte

HERA (JUNO ROMANA). DIOSA DEL MATRIMONIO

Es la hermana y esposa de Zeus, igual que sucedía en Egipto con Isis y Osiris.Como hija mayor de Crono y Rea pertenece a la segunda generación de dioses olímpicos y es la reina del Olimpo, la más poderosa de las diosas.  Zeus tomó la apariencia de un cuclillo, ave menor que una tórtola, para seducirla y se unió a ella cuando ésta le colocó sobre su regazo para preservarlo de la lluvia.

JUNO, MUSEO DEL PRADO

1650 – 1700. Mármol, 46 x 34 cm.

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Este busto representa a la diosa Juno, vestida con túnica anudada sobre ambos hombros y con el cabello recogido con una diadema.

En 1985 se incluyó esta pieza entre las falsificaciones de antigüedades hechas en Italia. Tanto el estilo como el modelo, los ropajes y la forma de acabar la parte inferior del busto con una línea recta horizontal, se repite en algunos de los bustos de la colección del marqués del Carpio, por lo que podría formar parte de una serie de encargos realizados por él a copistas romanos de la segunda mitad del siglo XVII.

La diosa Hera es la protectora de las mujeres casadas, de la maternidad y del matrimonio, a pesar de sufrir las innumerables infidelidades de su esposo Zeus.

En Roma Júpiter, Juno y Minerva formarán la Triada Capitolina.

Los cuatro hijos de Zeus y Hera fueron:

Hefesto (Vulcano), dios del Fuego.

Ares (Marte), dios de la Guerra

Ilitía, que preside los alumbramientos y trato de impedir el parto de Leto para ayudar a su madre.

Hebe, personificación de la juventud y esposa de Heracles en su apoteosis.

ICONOGRAFÍA

La iconografía más habitual de Hera es la de una majestuosa matrona con cetro y vara de oro o piedras preciosas, que porta sobre su cabeza una corona o diadema.

Sus atributos son el cuclillo, el león, la granada, símbolo de fertilidad y el pavo real que suele tirar de su carro.

JUNO RECIBE LA CABEZA DE ARGOS. JACOPO AMIGONI

1732. Óleo sobre lienzo. 108 × 72 cm. Moore Park, Hertfordshire, Reino Unido

Argos, el de los Cien Ojos, recibió de Hera el encargo de vigilar a la ternera Ío. La ató a un olivo que crecía en un bosque sagrado de Micenas y gracias a sus múltiples ojos podía vigilarla, porque siempre tenía igual número de ojos abiertos que cerrados.

Pero Hermes recibió de Zeus el encargo de liberar a su amante Ío. Según unas versiones Hermes mató a Argo de una pedrada disparada de lejos y según otras le adormeció en un sueño mágico con su flauta y después le mató.

Hermes mató a Argo o Argos y Hera para inmortalizar a su fiel servidor trasladó sus ojos al plumaje del ave que le estaba confiada: el pavo real.

Hera también dirigió su cólera contra Leto, intentando impedir que diera a luz a los gemelos Apolo y Artemisa, con ayuda de su hija Ilitía.

Leto era hija del Titán Ceo y de la Titánide Febe y hermana de Ortigia.

Hera logra que nadie la acoja para el parto y Leto anduvo errante hasta llegar a la estéril isla de Ortigia, que cambió de nombre a Delos, la Brillante, porque Apolo vió en su suelo la primera luz.

Los dolores del parto duraron 9 días y 9 noches.

Todas las diosas acudieron a asistirla, salvo Hera y su hija Ilitía, diosa de los alumbramientos y su ausencia impedía el nacimiento.

Finalmente las demás diosas, conmovidas por los terribles dolores de Leto, enviaron a Iris como mensajera, prometiendo a Ilitía un collar de oro y ámbar.

Con esta recompensa la diosa acudió y se produjo el nacimiento de los gemelos, Artemisa y Apolo, hijos de Zeus y Leto.


El nacimiento de la Vía Láctea. Rubens. Museo del Prado

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 244 cm.

Hera también desató su ira contra Heracles, hijo de Zeus y Alcmena.

Zeus aprovechó la ausencia de Anfitrión, el esposo de Alcmena para tomar su aspecto y engañar a su esposa engendrando a Heracles en una larga noche, prolongada por orden suya.

La historia del nacimiento de la Vía Láctea se narra en diversas obras entre las cuales está Ovidio en el primer libro de sus Metamorfosis (168-171).

Sin embargo éste relato es bastante somero de tal forma que, en el caso del lienzo pintado por Rubens, la fuente es el Poeticon Astronomicon de Higinio.

Según éste podrían ser dos los niños a los que amamantaba Juno en el momento de la creación de la Vía Láctea.

La leche de Juno convertía a quienes la tomaban en inmortal, por lo que Júpiter colocó allí a Hércules, hijo del dios y de la mortal Alcmena.

Higinio narra como la fuerza del niño hizo despertarse a la diosa, quien, al lanzarle lejos, hizo que su leche se derramara hasta crear la Vía Láctea.

En el lienzo el bebé no es arrojado, sino que la leche sale disparada, lo que hace pensar en una reinterpretación de la narración por parte del artista.

Este lienzo fue ejecutado enteramente por Rubens el cual introdujo cambios en el lienzo final con respecto al boceto original, conservado hoy en los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en Bruselas.

Alpers, autora del único estudio completo del encargo de Rubens para la Torre de la Parada, habla de la mano del maestro para esta y otras obras del pintor.

Se introduce a la figura de Zeus (Júpiter) como testigo del suceso, a cuyos pies aparece el águila con los rayos en las garras.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636 -1638, siguiendo la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano Felipe IV.

La decoración de la Torre de la Parada, en cuyo proyecto también participaron otros autores como Velázquez, fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV. A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 60 obras para esta casa de recreo situada en los montes del Pardo.

La mayor parte de las escenas narraban los amores y pasiones de los dioses, según fueron descritas en las Metamorfosis del poeta romano Ovidio y otras fuentes clásicas.

Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, donde capta la esencia moral de las historias y las actitudes de los personajes.

Estos bocetos sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.

El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana, y uno adquirido en el año 2000.

El Prado también conserva la mayoría de los lienzos realizados a partir de los diseños de Rubens para la decoración de este lugar (muchos de los cuadros fueron pintados por otros artistas).

(Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, 2014).

MATRIMONIO DE ZEUS Y HERA

Son poco frecuentes las representaciones del matrimonio sagrado de Zeus y Hera. Tenemos un ejemplo en la metopa del Templo de Selinonte, actualmente conservada en el Museo Arqueológico de Palermo. Foto in situ de 2008.

EL JUICIO DE PARIS. RUBENS. MUSEO DEL PRADO

1606 – 1608. Óleo sobre tabla, 89 x 114,5 cm.

Finalmente, Hera es representada, junto a Atenea y Afrodita, como contrincantes en el Juicio de Paris.

La historia del Juicio de Paris se remonta a las bodas de Tetis y Peleo, narrada en las Fabulas de Higinio.

En el banquete la diosa Discordia lanzó una manzana retando a que la más hermosa de las diosas la recogiera.

Ante la disputa entre Hera, Atenea y Afrodita, Zeus decidió darle la manzana a Hermes y que Paris actuase como juez.

El juicio aparece descrito en las Heroidas de Ovidio (XVI 65-88): “tú eres el árbitro de la belleza; termina con las aspiraciones de las diosas; pronuncia cuál de ellas merece derrotar a las otras dos a causa de su belleza”.

Hera le ofreció poder. Atenea victoria en la guerra y sabiduría. Afrodita sonrió: “Paris, no dejes que esos regalos te conmuevan, mi regalo será el amor y la belleza de Helena, la mujer más hermosa, que vendrá a tus brazos”.

Finalmente, Paris optó por Afrodita consiguiendo así a Helena, lo que desencadenó la guerra de Troya.

A partir de ese momento Afrodita será la diosa del Amor y de la Belleza.

El tema del Juicio de Paris fue utilizado por Rubens en multitud de ocasiones, permitiendo al autor deleitarse en el ideal de belleza femenino, y también considerar las consecuencias del amor.

Al igual que sucede en otras versiones del artista sobre este tema, la atención recae en el grupo de diosas que se encuentran en el centro de la composición, rodeadas de cupidos que tratan de quitarles la ropa.

Afrodita, en medio de las tres y con corona, se muestra más tranquila que las otras, que tienen problemas para desvestirse, mientras que a la izquierda, 2 personajes masculinos contemplan la escena.

Las armas y ropas de Atenea aparecen en el suelo en primer término, a la derecha de la composición.

Es una pintura temprana y la principal diferencia es la técnica, ejecutada en este caso con una pincelada menos suelta y con mayor importancia de la línea.

El desnudo es el tema de la composición, donde destaca el brillo de los cuerpos femeninos frente a los masculinos, que reciben menor luz.

A diferencia de sus otros Juicios de Paris, conservados dos de ellos en la National Gallery de Londres, uno fechado entre 1597-1599 y otro de 1632-1635, y uno conservado en la colección real española desde 1639, encargado por el propio rey Felipe IV y de mayor tamaño, éste data de sus años italianos.

Realizado hacia 1606 mientras estuvo en Italia, la obra muestra el contacto con la estatuaria clásica, pero también con el renacimiento y el manierismo.

Las diosas parecen inspirarse en Giulio Romano, Parmigianino y Bronzino.

Esta obra se relaciona con otra conservada en la Akademie de Viena, fechada por la misma época.

Esta obra, al igual que Diana y Calisto y El Jardín del Amor aparecen citadas en el inventario del Alcázar en 1666, en concreto en la Galería del Cierzo.

Sin embargo, a diferencia de otras piezas como Las Tres Gracias o las copias de Tiziano de Adán y Eva y El Rapto de Europa, adquiridas en la almoneda de sus bienes puestos en venta en 1640, ninguna de estas tres aparecen en la lista, ni de los vendidos ni de los comprados por Felipe IV.

Presumiblemente fueron adquiridas a la familia pero, o bien no se reflejaron en el inventario o bien se trató de otro tipo de transacción más directa.

El interés de Felipe IV por las obras de Rubens se manifestó en mayor medida entre 1630 -1640, no solo con los grandes y numerosos encargos al final de la vida del artista, sino también en la adquisición de obras suyas a su muerte.

Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado (marzo 2015).

Bibliografía

Pierre Grimal “Diccionario de Mitología Griega y romana. Paidos.

Mitología Clásica e Iconografía Cristiana. UNED.

Mi blog: maitearte.wordpress.com

www.museodelprado.es

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ZEUS (JÚPITER ROMANO). DIOS DEL CIELO

MARÍA TERESA GARCÍA PARDO, DOCTORA EN HISTORIA DEL ARTE

ZEUS (JÚPITER ROMANO). DIOS DEL CIELO

El Titán Crono engendró y devoró a sus hijos: Hestia, Hera, Deméter, Hades y Poseidón.

Cuando iba a nacer Zeus, Rea huyó a Creta y dio a luz en secreto. Después envolvió una piedra en pañales y se la entregó a su esposo, Crono.

Cuando Zeus creció, con la  ayuda de Metis, hija de Océano, hizo tomar una hierba a Crono con la que vomitó a sus hijos: Hera, Hestia, Hades, Deméter y Poseidón.

Zeus y sus hermanos se levantaron contra Crono y los Titanes en una guerra que duró 10 años, la Titanomaquia.

La Gigantomaquia simboliza en la cultura griega el triunfo de la civilización y el orden natural sobre la brutalidad, la ignorancia y el caos.

Finalmente, Zeus venció a Tifón con sus rayos y le aplastó con el Etna mientras huía.

 

LUCHA ENTRE ZEUS Y SUS HERMANOS POR EL PODER

Después de estas batallas, Zeus y sus hermanos comenzaron a luchar por el poder y forman la Primera Generación de Dioses Olímpicos.

Los dioses del género masculino se repartieron el mundo:

1.    Zeus se convertirá en el rey de todos los dioses del Olimpo, en el dios más poderoso, el dios del cielo.

2.    Poseidón será el dios de los mares.

3.    Hades el dios de los infiernos.

4.    Hera, esposa de Zeus, la protectora del matrimonio.

5.    Deméter es la diosa de la agricultura.

6.    Hestia es la diosa del fuego sagrado y del hogar.

Los griegos dotaron a sus dioses de lo que deseaban para si en grado sumo: inmortalidad, juventud, belleza y fuerza.

La Teogonía de Hesíodo nos ofrece el árbol genealógico de las divinidades del Olimpo.

 

ZEUS COMO PODER SUPREMO

Es el dios más poderoso del Panteón griego, el Padre de los dioses y de los hombres.

Es el dios del cielo, del rayo, del relámpago y el trueno.

Es el guardián del orden social. Es el árbitro y dirige el universo.

Zeus era hijo de Crono y Rea, pero su madre dio a luz en secreto en Creta para salvarle de ser devorado por su padre, Crono.

Dejó a Zeus al cuidado de las ninfas y según la tradición fue amamantado por la ninfa Amaltea, que colgó al niño de un árbol para que Crono no le encontrase ni en el cielo, ni en la tierra, ni en el mar.

Para los antiguos Amaltea es la cabra con la que se amamantó a Zeus y con cuya piel fabricará más tarde su escudo el dios.

Tuvo numerosos amores con otras divinidades y con mortales, lo que despertó la cólera de su hermana y esposa, Hera, (igual que en el matrimonio egipcio de los dioses Isis y Osiris) que perseguía a las amantes de su esposo y a sus hijos, ya que no se atrevía a oponerse a él, porque las mujeres eran simples posesiones en la antigua Grecia.

Sus incontables aventuras amorosas son las que han despertado la imaginación de los artistas, ya que Zeus se transformaba continuamente para conseguir sus amores:

Cisne blanco – Leda

Toro blanco –   Europa

Lluvia de oro – Dánae

Nube – Ío

Águila – Ganímedes


LEDA Y EL CISNE

Se transformó en cisne para seducir a Leda como plasmó Paul Cézanne, Filadelfia, Fundación Barnes.

La bella princesa Leda era hija del rey Testio de Etolia y hermana de Altea, madre de Meleagro.

Leda se casó con el rey Tindáreo de Esparta, pero Zeus se enamoró de ella y se convirtió en un hermoso cisne blanco para poseerla.

 

Leda y el cisne. Paul Cézanne. 1880-82

Leda y el cisne. Paul Cézanne. 1880-82

Barnes Foundation, Lincoln University, Philadelphia, USA

 


Eurípides cuenta que de esta unión Leda puso un huevo o dos de los que nacieron Cástor y Helena, hijos de Zeus, y Pólux y Clitemnestra, hijos de Tindáreo.

Aunque la versión más conocida es que sólo Clitemnestra, futura esposa de Agamenón, era hija de su esposo.

 

Leda. Salvador Dalí. Museo de Figueras

Leda. Salvador Dalí. Museo de Figueras

 


El óleo de Dalí data de 1949 y se encuentra en la Sala del Tesoro del Teatro-Museo Dalí de Figueras.

Salvador Dalí se inspiró en el mito griego para realizar esta obra.

Leda se representa de frente, sentada en un pedestal y con la mano izquierda rozando un cisne que se le ha acercado para besarla.

Se plasman diversos objetos: un libro, una escuadra y un huevo, fruto de la unión del cisne con Leda, del cual nacieron los gemelos.

Al fondo aparecen las rocas del Cabo Norfeu, situado entre Rosas y Cadaqués, como referente de su tierra.

Leda sigue la proporción aurea, que establece que lo menor es a lo mayor como lo grande es al todo.

La proporción aurea se encuentra en el arte, la composición musical, en las proporciones de nuestro cuerpo y en la Naturaleza. (Tarjetas)

Leda y el cisne se inscriben en un pentágono en cuyo interior se inserta una estrella de cinco puntas de la que Dalí realizó diversos estudios.

La armonía de las referencias ha sido calculada matemáticamente por el artista.   Las obras de arte son cálculo y armonía.

Gala, su esposa y musa, fue su modelo bella y espiritual. Es un amor intenso sin contacto físico, que él llama cledalismo.

En otras obras de Dalí como la Madona de Port Lligat (1952) la figura central también levita.

Dalí identifica a Gala con Helena de Troya, porque es su inspiración, su musa, contemplándola es capaz de crear obras sublimes.

Salvador Dalí, en uno de sus escritos dijo cuál era la finalidad de su obra: “Empecé a pintar la Leda Atómica que exalta a Gala, la diosa de mi metafísica y conseguí crear el ‘espacio-suspendido“.

 

EL RAPTO DE EUROPA, RUBENS

1628-1629. Óleo sobre lienzo, 182,5x 201,5 cm. Museo del Prado

Según se relata en Las Metamorfosis de Ovidio, Júpiter, enamorado de la princesa Europa, se convierte en un toro blanco con el fin de raptarla.

Se acercó a la playa donde ella jugaba con sus compañeras para atraerla y llevarla mar adentro hacia Creta.

Durante el segundo viaje de Rubens a España Pacheco cuenta como copió todas las obras de Tiziano que tiene el Rey.

La colección real española es una de las mejores en obras de Tiziano, tanto por el número como por la variedad temática.

Las obras de Tiziano colgaban por diferentes sitios reales y Rubens pudo contemplarlas durante su viaje a España, momento en el que haría copias de algunas obras.

De todas las obras realizadas por el maestro entre 1628-1629, este conjunto es el más personal del artista durante su estancia.

 

 

Rapto de Europa, Rubens. Museo del Prado

Rapto de Europa, Rubens. Museo del Prado

 

Rubens se llevó las copias a Amberes y posteriormente Felipe IV adquirió ésta en su almoneda, entre otras obras del artista.

De esta manera, Felipe IV tuvo al mismo tiempo las versiones de Tiziano y Rubens, si bien no llegaron a colgar juntas ya que la obra del flamenco aparece inventariada en 1674 en El Pardo.

La obra de Tiziano también fue copiada por Velázquez en el segundo plano de Las Hilanderas.

El original del italiano salió de España en época de Carlos II y se conserva en la actualidad en el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston.

El tema está sacado de las Metamorfosis de Ovidio en el libro II.

La princesa Europa se sentó sobre el lomo de un hermoso toro blanco, sin saber que era Zeus transformado.

El toro raptó a la joven y se adentró en el mar y Europa asustada miró a la costa.     Con la mano izquierda agarró un cuerno,  mientras sus ropas se agitaban con el viento.

En esta pintura se plasma la playa donde aparecen las doncellas que acompañaban a Europa, que tumbada sobre el toro blanco agarrándose a uno de sus cuernos es trasladada mar adentro.

(Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo del Prado, Marzo 2015).

El Cupido sobre un delfín, alude a la impaciencia del Amor, mientras los dos putti que los acompañan con el arco y las flechas anuncian el éxito del dios en la seducción.

Rubens volvió a utilizar este tema en el encargo de 1636-1638 para la Torre de la Parada.

DÁNAE RECIBIENDO LA LLUVIA DE ORO

1560 – 1565. Óleo sobre lienzo, 129,8 x 181,2 cm. Museo del Prado

Las primeras poesías que recibió el príncipe Felipe fueron Dánae (1553, The Wellington Collection) y Venus y Adonis (1554, Museo del Prado), versiones de otras anteriores, pero revestidas del prestigio de su propietario, y que se convirtieron a su vez en modelos para múltiples réplicas como Dánae recibiendo la lluvia de oro (1560-65, Museo del Prado).

Tiziano pintó para Felipe II a una sensual Dánae, que recostada en su lecho espera ser poseída por Zeus en forma de lluvia de oro, fruto de cuya unión nacerá el gran héroe Perseo.

Se plasma el momento en que Júpiter la posee en forma de lluvia de oro.

Tiziano pintó la primera Dánae en Roma en 1544-45 para el cardenal Alessandro Farnese, que aludía a los amores del cardenal con una cortesana.

 

Dánae de Tiziano. Museo del Prado

Dánae de Tiziano. Museo del Prado

Esta Dánae fue modelo para la de Felipe II, donde Cupido fue sustituido por una anciana cuidadora, cuya inclusión brinda un sofisticado contraste: juventud frente a vejez; belleza frente a fealdad; figura desnuda frente a vestida.

Felipe II recibió la obra que ahora se conserva en la colección Wellington en 1553 y permaneció en la colección real española, primero en el Alcázar y después en el Buen Retiro, hasta que, tras la Guerra de la Independencia, Fernando VII se la regaló al duque de Wellington.

Su tamaño original era similar al de Venus y Adonis, pero a finales del siglo XVIII se eliminó el tercio superior por razones de conservación. Descripciones antiguas y una copia flamenca, revelan que en ese tercio superior se incluía el rostro de Júpiter y un águila con los rayos, atributos del dios.

En 1565, Tiziano pintó la Dánae que se conserva en el Prado con una factura más deshecha y una extraordinaria calidad.

El responsable de su llegada a España fue Velázquez, a quien en 1634 Jerónimo de Villanueva abonó mil ducados por dieciocho pinturas para el adorno del Buen Retiro, entre las que figuraba la Dánae de Tiziano.

La Dánae del Prado es de gran calidad y sugiere un encargo expreso del comitente y una relación directa entre éste y el pintor. Esta obra es muy superior a las otras réplicas conservadas en Viena y San Petersburgo.

Además presenta una marcada sensualidad, por la expresión de éxtasis del rostro, los labios abiertos y el gesto de la mano. Incluso la aparición del perro podría aludir en este contexto a la lujuria.

(Texto extractado de Falomir, M.; Joannides, P.: “Dánae y Venus y Adonis, las primeras poesías de Tiziano para Felipe II”, Boletín del Museo del Prado, 2014, pp. 7-51).

 

Dánae de Correggio (1489 - 1534) Galleria Borghese, Roma

Dánae de Correggio (1489 – 1534) Galleria Borghese, Roma

 


ÍO Y JÚPITER

Zeus se metamorfoseó en fenómeno atmosférico para envolver en forma de nube a la doncella Ío.

Ío era una doncella de Argos, sacerdotisa de Hera, que fue amada por Zeus.  Cuando Hera sospechó la aventura de su esposo, Zeus la transformó en una maravillosa ternera blanca y juró a Hera que jamás la había amado.

Hera exigió que se la ofreciera como presente y la confió a la custodia de Argo o Argos de los Cien Ojos.

 

Júpiter e Ío. Correggio. Museo de Viena

Júpiter e Ío. Correggio. Museo de Viena

 


EL RAPTO DE GANÍMEDES. RUBENS. MUSEO DEL PRADO

1636 – 1638. Óleo sobre lienzo, 181 x 87,3 cm.

El rapto de Ganímedes aparece en las Metamorfosis de Ovidio en el libro X, (155-160).

Zeus amó al joven Ganímedes, al que raptó transformado en águila y al que trasladó al Olimpo para que se convirtiera en copero de los dioses.

Según otras versiones le encarga esta misión a su ave favorita y la más poderosa, el águila real, emblema del Imperio Romano.

Ganímedes era un joven héroe perteneciente a la estirpe real de Troya.

El efebo más hermoso de los mortales y Zeus le raptó cuando guardaba los rebaños en las montañas que rodeaban  Troya.

En el Olimpo escanciaba el néctar en la copa de Zeus contra la voluntad de Hera (Juno).

Este mito es uno de los raptos representados en la Torre de la Parada que se completaría con otros como el de Europa, Proserpina, Hipodamia o Deyanira (actualmente desaparecidos).

Júpiter, transformado en águila rapta a Ganímedes y Rubens plasma el momento concreto del rapto.

El formato permite centrarse en las dos figuras, dando mayor dramatismo al episodio, como ocurre en muchas obras de la serie.

El rostro del joven, con los ojos enrojecidos y mirando al cielo, marca la tensión del momento, que se aprecia en la falta de movimiento del efebo, impedido por el águila.

Los lienzos para la Torre de la Parada fueron realizados en torno a 1636-1638, para esta casa de recreo situada en los montes del Pardo.

La documentación sobre las obras de arte de este edificio se obtienen de la correspondencia entre el Cardenal Infante Don Fernando, gobernador de Flandes en el momento del encargo, y su hermano el rey Felipe IV.

La decoración de la Torre de la Parada, en cuyo proyecto también participaron otros autores como Velázquez, fue el mayor encargo que Rubens recibió de Felipe IV. 

A partir de 1636 se enviaron desde Amberes a Madrid más de 6 obras para esta casa de recreo en los montes del Pardo.

La mayor parte de las escenas narraban las pasiones de los dioses, según fueron descritas en las Metamorfosis del poeta romano Ovidio y otras fuentes clásicas.

Para llevar a cabo un proyecto tan amplio, Rubens realizó pequeños bocetos sobre tabla, que sirvieron de base para la elaboración de los lienzos definitivos.

El Museo del Prado conserva diez de los bocetos de Rubens, nueve de ellos donados en 1889 por la duquesa de Pastrana y uno adquirido en el año 2000.

 

El Rapto de Ganímedes. Rubens. Museo del Prado

El Rapto de Ganímedes. Rubens. Museo del Prado

El Prado también conserva la mayoría de los lienzos realizados a partir de los diseños de Rubens para la decoración de este lugar (muchos de los cuadros fueron pintados por otros artistas).

(Información revisada y actualizada por el Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, 2014).

 

ICONOGRAFÍA

 

Zeus. Bronce. Museo Arqueológico de Atenas

Zeus. Bronce. Museo Arqueológico de Atenas

 

La iconografía presenta a Zeus como un guerrero desnudo y barbado que lanza o porta el rayo.

Su segundo tipo iconográfico es el de Zeus entronizado, como garante de justicia y orden.  Zeus como juez y árbitro supremo.

 

Recreación del Zeus de Fidias en Olimpia

Recreación del Zeus de Fidias en Olimpia

 

La obra más famosa fue la escultura crisoelefantina (de oro y marfil) que hizo Fidias para el templo de Zeus en Olimpia, sólo conocida por la numismática en la actualidad.

Representa al rey de los dioses con el torso desnudo y un manto sobre las piernas.

En Grecia y Roma los templos albergaban las esculturas de los dioses, no tenían la finalidad de reunir a personas.

Sentado en su trono y sosteniendo en una mano el cetro, vara de oro o piedras preciosas, coronada por un águila.

El águila es el animal más poderoso del cielo, impera entre las aves, y fue el emblema del Imperio romano, del emperador Carlos V, etc.

En la otra mano sostiene una Niké o victoria alada, símbolo de triunfo.

 

 

 


NAPOLEÓN I EN EL TRONO IMPERIAL, 1806, INGRES.

ÓLEO SOBRE LIENZO. 260 X 163 CM. Museo del Ejército, París

 

Napoleón Bonaparte se convierte en emperador de los franceses el 18 de mayo de 1804.

La fastuosa ceremonia de coronación se organizó unos meses más tarde, el 2 de diciembre de 1804, en Nôtre-Dame de París.

Con ese traje, compuesto de un manto de terciopelo púrpura, decorado con abejas de oro, con el que el joven pintor Jean-Auguste-Dominique Ingres le representa en 1806.

Napoleón ostenta en su manto la abeja (siempre laboriosa), junto al poderoso águila, emblema tradicionalmente elegido para manifestar el poder del imperio.

La corona de laurel recuerda, junto al color púrpura, a los emperadores de la antigua Roma.

Hay objetos que ya habían sido llevados por los reyes de Francia: el cetro con una estatuilla de Carlomagno en la punta, la mano de Justicia (a la derecha) y la espada legendaria de Carlomagno.

Este retrato es uno de los más conocidos de Napoleón hoy en día, aunque fue mal valorado en su época que lo consideran “gótico” y “bárbaro“.

La originalidad de la composición, de frente, sentado, la cabeza sobresaliendo de un cuerpo perdido dentro de un imponente traje, se acerca aquí a Júpiter Olímpico o a un icono bizantino.

La escenificación de la tradición clásica fue una de las constantes en la producción neoclásica de Ingres.

Su interés por la literatura grecolatina desempeñó un papel esencial, porque le permitía aunar la vocación clasicista de su estética y el valor de los grandes argumentos de la Antigüedad.

 

Napoleón. Ingres. Los Inválidos, París

Napoleón. Ingres. Los Inválidos, París.

 


BIBLIOGRAFÍA:

 

Pierre Grimal “Diccionario de Mitología Griega y romana. Paidos.

Mitología Clásica e Iconografía Cristiana. UNED.

Mi blog: maitearte.wordpress.com

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MITOS COSMOGÓNICOS Y TEOGÓNICOS

 

MARÍA TERESA GARCÍA PARDO, DOCTORA EN HISTORIA DEL ARTE

MITOS COSMOGÓNICOS Y TEOGÓNICOS

La cosmogonía hace referencia al nacimiento del orden del mundo.

Cosmos significa organización armónica, frente al Caos

  • 1. El Mito Pelasgo de la creación: La Diosa Universal.

Eurínome, la diosa que surgió desnuda del caos, fue fecundada por el viento del norte, Bóreas.

Tomó forma de paloma y puso el Huevo Universal del que procede todo lo que existe: el sol, la luna, la tierra, los seres vivos, etc.

En este sistema arcaico sólo existe la Diosa Universal.

Las mujeres son el elemento dominante por su capacidad de procrear.

  • 2. El Mito Homérico: Océano y Tetis.

Los dioses y todas las criaturas se originaron en la corriente del Océano y Tetis, que fue la madre de todos sus hijos, según el canto XVI de La Ilíada de Homero.

  • 3. El Mito Órfico: Eros, el Deseo.

Eros es el Deseo, una fuerza fundamental del mundo que asegura la continuidad de las especies.

Platón habla de él como un genio intermediario entre dioses y hombres.

EL MITO OLÍMPICO: GEA (TIERRA) Y URANO (CIELO)

La Madre Tierra, Gea, surgió del Caos y mientras dormía parió a su fecundo hijo Urano, el Cielo. (GEA-URANO)

Urano derramó lluvia fértil sobre la tierra y ésta produjo flores, árboles, animales, montañas, ríos, lagos y mares.

Los hijos de Gea, la Tierra, fueron:

  • 1- Los Hecatonquiros o Gigantes de Cien Manos.
  • 2- Los 3 Cíclopes, gigantes de un solo ojo.

Odiseo luchó contra uno de sus descendientes, Polifemo, en las cuevas del Etna en Sicilia.

  • 3- Los 6 Titanes que engendraron a las divinidades con las 6 Titánides, sus 6 hermanas.

Titanes es el nombre genérico de los 6 hijos varones de Gea y Urano, entre los que destacan Océano y Crono.

Entre las Titánides destacamos a Rea y Tetis.

PADRES: URANO (CIELO)-GEA (TIERRA)

PAREJAS DE TITANES Y TITÁNIDES

1- OCÉANO-TETIS

2- CRONO-REA

OCÉANO Y TETIS

Océano es el primogénito de los Titanes, hijo de Urano y Gea.

Forma pareja con su hermana Tetis, que representa la fecundidad femenina del mar.

El Océano es la personificación del agua que rodea el mundo de Este a Oeste y de Norte a Sur, según la concepción helenística.

Así se explica la topografía de la leyenda de Heracles y las Hespérides.

Como divinidad, el Océano es el padre de todos los ríos.

Con Tetis también engendró a igual número de hijas, las Oceánides, que personifican los arroyos y las fuentes.


FONTANA DI TREVI – NICOLA SALVI – S. XVIII

La Fontana di Trevi es la fuente más monumental de Roma y una de las más bellas del mundo.

La historia de esta fuente se remonta al emperador Augusto.

Según la leyenda, una doncella indicó al general Agripa el lugar donde estaba ubicado un manantial de agua purísima a las afueras de Roma.

Agripa se encargó de llevar el agua virgen a Roma a través de un acueducto en época del Emperador Augusto, que en honor de esta doncella se llamó Acqua Virgo.

La monumental fuente que hoy admiramos fue construida en el siglo XVIII por Nicola Salvi.

Los trabajos para su construcción se prolongaron durante 30 años y acabaron arruinando la escasa salud de Salvi, que murió sin poder acometer otros proyectos y sin ver terminada su hermosa Fontana.

Una de las características de la Fontana di Trevi es el contraste entre la monumentalidad de la fuente y la estrechez de la plaza en la que está ubicada, tan escondida entre callejuelas que cuesta trabajo encontrarla, suscitando una hermosa sorpresa.

En esta majestuosa fuente Océano preside la fachada desde la hornacina central.

Océano está montado en un carro triunfal tirado por dos hipocampos (caballos de mar).

Los caballos de mar están guiados por dos tritones.

Los tritones tienen torso de hombre y su parte inferior es de un pez.

Generalmente se les representa soplando caracolas para abrir paso al Señor de las aguas.


Plaza di Trevi, cruce de Tres Vías


Roma 2017 - Fontana di Trevi
La Fontana está ubicada en la Plaza di Trevi, que marca el punto final entre la unión de tres caminos que conducen el Acqua Vergine (Acqua Virgo), uno de los acueductos más importante de la Antigua Roma.

La Fontana di Trevi es la fuente más grande y hermosa de Roma, con una anchura de 22 metros y una altura de 26.

Esta fuente es también la fachada de un gran edificio.

La leyenda dice que quien tira una moneda en ella tiene asegurado su regreso a Roma. Estas monedas se utilizan para fines benéficos.

En la parte izquierda de la fuente encontramos una escultura que representa la Abundancia, quien sostiene la cornucopia o cuerno de la abundancia, llena de frutas.

En la parte superior de la escultura, un relieve muestra la imagen de Agripa explicando la construcción del acueducto.

A la derecha de la fuente se encuentra la estatua de la Salud con una corona de laurel.

El laurel es el símbolo de Apolo, el padre del dios de la medicina, Esculapio o Asclepio.

En la parte superior derecha, sobre la escultura de la Salud, está el relieve con la joven, explicando a los soldados por dónde brota el agua.

Se relata que los soldados de Agripa se encontraron con una joven que les mostró este manantial de agua purísima y que en honor a ella fue denominada “Acqua Virgen”.

En torno a la fuente hay esculpidas 30 especies de plantas, incluyendo robles, alcachofas, higueras silvestres, perales y uvas.

Las esculturas, los relieves y las grandes rocas provocan pequeñas cascadas y crean una impactante escenografía, eminentemente barroca.

Los detalles de la fuente se han podido apreciar de cerca en la restauración de los últimos años, en los que se colocó una pasarela y se podía pasar muy cerca de las esculturas.

En 2014 pude cruzar en varias ocasiones esa pasarela y tener la experiencia de contemplar los detalles de esta monumental fuente de cerca.

En 2017, la Fontana se presenta recién restaurada y majestuosa.

Para preservar tanta belleza, la policía se despliega a lo largo de la fuente para que nadie se siente en sus bordes.


EL TITÁN CRONO CASTRA A SU PADRE, URANO

Urano arrojó a los Hecatonquiros y a los Cíclopes (sus hijos rebeldes) al Tártaro, inframundo debajo del Infierno, para que no vieran la luz.

Gea, su madre, convenció al resto de sus hijos, los Titanes, para que castraran a su padre.

Crono, el menor de los Titanes, cortó los genitales de su padre Urano con una hoz y los arrojó al mar.

Giorgio Vasari. Crono castrando a su padre Urano

Giorgio Vasari. Crono castrando a su padre Urano.

S. XVI. Florencia Palazzo Vecchio


Los Titanes otorgaron la soberanía a Crono, que se casó con su hermana Rea.

Pero cuando se sintió seguro en el poder volvió a desterrar a los Cíclopes y a los Hecatonquiros al Tártaro.


CRONO – REA

Urano y Gea predijeron que Crono sería destronado por uno de sus hijos.

URANO – GEA = CRONO

Crono, que heredó de su padre Urano una mente retorcida, engendró y devoró a sus hijos:

Hestia, Hera, Deméter,Hades y Poseidón.

Cuando iba a nacer Zeus, Rea huyó a Creta y dio a luz en secreto. Después envolvió una piedra en pañales y se la entregó a su esposo, Crono.

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Saturno devorando a su hijo.jpg

GOYA. SATURNO DEVORANDO A SU HIJO. 1820 – 1823. M. PRADO


Sus atributos son la guadaña o la hoz para castrar a Urano. Se le suele representar devorando a sus hijos.

Por confusión lingüística, Crono/Saturno (romano) se identificó con Cronos, el Tiempo.

La simbología indica que el tiempo lo devora todo.

Saturno devorando a su hijo-Rubens.jpg

RUBENS. SATURNO DEVORANDO A SU HIJO. 1636-1638. MUSEO DEL PRADO


ZEUS COMO PODER SUPREMO

Cuando Zeus creció, con la ayuda de Metis, hija de Océano, le hizo tomar una hierba a Crono con la que vomitó a sus hijos: Hera, Hestia, Hades, Deméter y Poseidón.

La Titanomaquia. Lucha contra los Titanes.

Zeus y sus hermanos, que se aliaron con los seres que su padre había arrojado al Tártaro, se levantaron contra Crono y los Titanes en una guerra que duró 10 años.

Los Cíclopes, en agradecimiento por ser liberados del Tártaro, regalaron a los dioses las armas que se convirtieron en sus atributos:

A Zeus los rayos y los truenos,

A Hades el yelmo, parte de la armadura que resguarda la cabeza y el rostro

A Poseidón el tridente.

Atlas o Atlante (el portador) era un joven Titán al que Zeus condenó a cargar sobre sus hombros con los pilares que mantenían la tierra separada de los cielos por apoyar a Crono.

Atlante en el Palacio Ducal - Venecia

Los Atlantes y las Cariátides se utilizan en arquitectura como elemento sustentante sustituyendo a las columnas, en lugares donde el peso no es muy fuerte.

Tras vencer a los Titanes, Zeus y sus hermanos tuvieron que luchar contra los Gigantes y con Tifón.


La Gigantomaquia. Lucha contra los Gigantes.

Los Gigantes son los hijos de la Tierra (Gea), nacidos de la sangre que manaba de la herida de su esposo Urano, cuando fue mutilado por su hijo el Titán Crono.

Fueron engendrados para vengar a los Titanes, encerrados por Zeus en el Tártaro.

Son seres enormes e invencibles, de aspecto terrorífico que poseen serpientes como piernas, una espesa cabellera y barba.

Los Gigantes sólo pueden morir por la acción conjunta de un dios y un mortal.

Por eso los dioses Olímpicos, encabezados por Zeus y Atenea, pidieron ayuda a Heracles.

Finalmente, los Gigantes fueron vencidos por los rayos de Zeus.

La Gigantomaquia simboliza en la cultura griega el triunfo de la civilización y el orden natural sobre la brutalidad, la ignorancia y el caos.

La Gigantomaquia es representada en la cerámica griega, en las metopas del Partenón y en el famoso Altar de Zeus y Atenea de Pérgamo, actualmente en Berlín.

En la famosísima isla de los museos de Berlín, la joya de la corona es el Museo de Pérgamo, que ha cerrado hasta 2020 para restaurar este monumento de 2200 años.

Durante un lustro se fortalecerá el monumento y se eliminará el moho de las esculturas de los frisos.

El Altar, de 35 metros de ancho por 33 de profundidad, es el gran atractivo de Berlín y fue comprado al Imperio Otomano por arqueólogos alemanes por 20.000 marcos.

Fue trasladado a Alemania en 1879, pero tuvo que esperar medio siglo hasta contar con un museo propio.

Desde el final de la II Guerra Mundial hasta 1958 estuvo en San Petersburgo, donde se lo llevaron los soviéticos.

Las obras en las que se ha embarcado el centro restaurarán el altar y el museo, alargándose hasta 2025.

En el Altar, en palabras del escritor ruso Iván Turguénev, se muestran músculos y torsos del gusto de Miguel Ángel.

En la época moderna el tema tiene un mensaje político.

Giulio Romano, en el Palacio del Té de Mantua, ofrece un fresco con la hegemonía del Emperador Carlos V sobre los herejes y enemigos, que caen aplastados por columnas.

Giulio Romano, discípulo de Rafael en el Vaticano, fue arquitecto en la Mantua de Federico II Gonzaga.

El Palacio del Té es una espaciosa villa con un patio cuadrado interior. Su aparejo rústico, utilizado antes por Bramante, le da aspecto militar.

La Sala de los Gigantes, pintada por Giulio Romano, ofrece la más dramática y convulsa hecatombe sísmica.


Victoria sobre Tifón.

Después de vencer a Titanes y Gigantes tuvieron que vencer a Tifón, el menor de los hijos de Gea.

Éste era un ser intermedio entre hombre y fiera. Mayor que todas las montañas y podía tocar el cielo con la cabeza.

Tenía el cuerpo alado y despedía llamas de los ojos, superando a todos los hijos de Gea en estatura y fuerza. De cintura para abajo estaba rodeado de víboras.

Tifón logró cortarle a Zeus los tendones de los brazos y de las piernas, dejándole indefenso encerrado en una caverna.

Hermes y Pan le robaron a Tifón los tendones y volvieron a colocarlos en el cuerpo de Zeus, que recuperó la fuerza y empezó a lanzar rayos contra el monstruo.

Finalmente, Zeus le fulminó con sus rayos y le aplastó con el Etna en Sicilia mientras huía.

Las llamas del volcán se decía que eran las que vomitó Tifón o bien los rayos con que Zeus le aniquiló.


ZEUS Y TIFÓN. HIDRIA ATENIENSE

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ZEUS Y TIFÓN. HIDRIA ATENIENSE


Lucha entre Zeus y sus hermanos por el poder.

Después de estas batallas, Zeus y sus hermanos comenzaron la lucha por el poder.

Los dioses del género masculino decidieron repartirse el mundo:

  • 1. Zeus se convertirá en el rey de todos los dioses del Olimpo, en el dios más poderoso, el dios del cielo.
  • 2. Poseidón será el dios de los mares.
  • 3. Hades el dios de los infiernos.
  • 4. Hera, esposa de Zeus, la protectora del matrimonio.
  • 5. Deméter es la diosa de la agricultura.
  • 6. Hestia es la diosa del fuego sagrado y del hogar.

El monte Olimpo es la montaña más alta de Grecia con casi 3000 metros de altitud.

Es reserva natural griega desde 1938 y patrimonio natural de la Unión Europea desde 1981.

Está situado al norte de Grecia entre Tesalia y Macedonia,

En la mitología griega, el Olimpo era el hogar de los dioses olímpicos, presididos por Zeus en el que bebían néctar y comían ambrosía.

Monte Olimpo

 

LAS EDADES DE ORO, PLATA, BRONCE Y HIERRO

Hesíodo nos cuenta que al principio hubo una Edad de Oro, cuando Crono reinaba en el cielo.

Los hombres vivían como dioses. Eran eternamente jóvenes y no pasaban penalidades ni miseria.

La tierra les daba frutos en abundancia y no tenían que trabajar. Se sumían en un plácido sueño para morir. (Es un concepto similar al Paraíso)

En la Edad de Plata los varones estaban sometidos a sus madres. Comían pan, eran ignorantes y belicosos, pero no hacían la guerra entre ellos.

En la Edad de Bronce comían carne, tenían armas y amaban la guerra.

Eran despiadados y la Muerte Negra se los llevó a todos.

En la Edad de Hierro los hombres eran degenerados, crueles, injustos y lujuriosos.

Eran los hombres contemporáneos a los que hace referencia Hesíodo en “Los Trabajos y los Días”.

La Teogonía de Hesíodo es la versión más antigua y completa de una cosmogonía griega.

En la cosmogonía de Hesíodo hay una organización horizontal del espacio:

El Cielo arriba, como un espacio sólido.

La Tierra en medio, sede de mortales e inmortales.

El Mundo subterráneo, Hades, reino de los muertos.

El Caos es el vacío primordial, anterior a la creación.

Eros, el Deseo, es la garantía de la reproducción.

El Tártaro en los poemas homéricos y en la Teogonía de Hesíodo aparece como la región más profunda del mundo, situada debajo de los Infiernos.

Hay la misma distancia entre el Hades (Infierno) y el Tártaro que entre el cielo y la tierra.

Las distintas generaciones divinas encerraron allí a sus enemigos. Era el lugar de castigo y tormento.

El Tártaro es lo contrario a los Campos Elíseos, morada de los bienaventurados.


LA CREACIÓN DEL SER HUMANO, PROMETEO

Prometeo es hijo del Titán Japeto y primo de Zeus, hijo del Titán Crono.

Según una leyenda su hermano Epimeteo es torpe por naturaleza, frente a él.

Prometeo modeló a los primeros hombres con arcilla, pero esta leyenda no aparece en la Teogonía, donde es el bienhechor de la Humanidad, no su creador.

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PROMETEO Y ATENEA CREAN AL HOMBRE
TALLER ROMANO. MUSEO DEL PRADO


Por amor a los hombres engaño a Zeus en un sacrificio ritual, cuando hizo dos partes de un buey.

En un lado puso la carne y las entrañas, recubriéndolas con el vientre del animal, y en el otro puso los huesos cubriéndolos con grasa blanca.

Luego dijo a Zeus que eligiese su parte y el resto quedaría para los hombres.

Zeus escogió la parte en la que sólo había huesos y sintió un profundo rencor hacia Prometeo y los hombres, decidiendo no volver a enviarles el fuego.

Entonces Prometeo robó el fuego del carro de Helios o de la forja de Hefesto, según las versiones, para llevárselo a los hombres, pero Zeus decidió castigar a Prometeo y a los hombres.

A Prometeo le encadenó con cables de acero en el Cáucaso, y juró que jamás le desataría de la roca.

Prometeo de Jose de Ribera

PROMETEO. JOSE DE RIBERA. COL. PARTICULAR


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PROMETEO Y EL FUEGO. RUBENS. MUSEO DEL PRADO

Envió un águila, nacida de Tifón, que le devoraba el hígado, que se regeneraba constantemente, produciéndole terribles sufrimientos.

Cuando Heracles pasó por el Cáucaso atravesó con una flecha el águila y liberó a Prometeo.

Zeus aceptó este hecho porque aumentaba la gloria de su hijo Heracles y no protestó.

El centauro Quirón, herido por una flecha de Heracles y preso de terribles dolores deseaba morir. Como era inmortal tuvo que buscar a alguien que aceptase cambiarse por él y Prometeo le hizo ese favor, pasando a ser inmortal en el puesto de Quirón. (Inmortalidad como castigo)

Prometeo poseía un don profético. Indicó a Heracles que Atlante era el único que podía coger las manzanas de oro del jardín de las Hespérides.

Prometeo enseñó también a su hijo Decaulión el modo de salvarse del gran Diluvio, que Zeus proyectó para exterminar a la raza humana.

En Roma se representó a Prometeo encadenado y liberado en muchos sarcófagos. En la Edad Moderna, Tiziano, Rubens. Ribera, etc., utilizan el terrible padecimiento de Prometeo como una prefiguración de Cristo en la Cruz.

Cristo y Prometeo sufren una terrible tortura por salvar a los hombres.

En el cristianismo Dios creó a Adán con polvo o barro y le entregó a Eva para que no estuviese solo.

Pandora fue dotada de belleza, gracia y persuasión, pero también de curiosidad.

Eva y Pandora se representan en el arte por su belleza seductora, causante de las desgracias del género humano.

Epimeteo, hermano “torpe” de Prometeo, olvidando el consejo de éste de no aceptar ningún regalo de Zeus, y seducido por la belleza de Pandora, la hizo su esposa y fueron los padres de Pirra.

Zeus para castigar a los hombres les envió a la mujer, Pandora. Ella como Eva, trae la desgracia a la Humanidad.

A Pandora le entregaron una caja o jarra, según las versiones, pero la curiosidad hizo que Pandora la abriera y se esparcieron todos los males por el mundo, quedando en el fondo sólo la esperanza antes de que pudiera taparla.

EVA PRIMA PANDORA. 1550. MUSEO DEL LOUVRE

 

EVA PRIMA PANDORA. 1550. MUSEO DEL LOUVRE

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PANDORA Y EPIMETEO. EL GRECO. 1600-1610
ESCULTURAS EN MADERA. MUSEO DEL PRADO

TICIO

Hera, celosa del amor de Zeus y Leto, madre de los gemelos Apolo y Artemisa, desencadenó en Ticio, gigante hijo de Zeus, el deseo de violar a Leto.

Pero Ticio fue fulminado por Zeus y precipitado a los Infiernos. Allí dos serpientes o dos águilas, según las versiones, devoran su hígado que vuelve a renacer con las fases de la luna.

La iconográfica del martirio de Ticio nos recuerda al tormento que sufrió Prometeo.

En el Museo del Prado hay una pintura de Tiziano y otra de Ribera con el tema del padecimiento de Ticio.

TICIO. JOSÉ DE RIBERA. MUSEO DEL PRADO

 

TICIO. JOSÉ DE RIBERA. MUSEO DEL PRADO

TICIO. TIZIANO. 1565. MUSEO DEL PRADO

TICIO. TIZIANO. 1565. MUSEO DEL PRADO

DECAULIÓN Y PIRRA, EL DILUVIO

En la Edad de Bronce Zeus decidió enviar un Diluvio para destruir a los hombres por su maldad.

Es una historia paralela al relato bíblico del diluvio universal y el arca de Noé.

Sólo Decaulión, hijo de Prometeo, y su esposa Pirra, hija de Pandora y Epimeteo, merecían salvarse.

Prometeo les aconsejó que construyeran un arca con la que flotaron 9 días y 9 noches.

Al pedir Zeus a Decaulión que le solicitase un deseo, éste le rogó tener compañeros.

Zeus les ordenó que lanzasen los huesos de sus madres por encima del hombro. Decaulión comprendió que se refería a piedras, los huesos de la Tierra.

De las piedras que arrojó él nacieron los hombres y de las que lanzó Pirra las mujeres.

Estos procrearon y siguió la raza helénica.

DECAULIÓN Y PIRRA. RUBENS. MUSEO DEL PRADO

DECAULIÓN Y PIRRA. RUBENS. MUSEO DEL PRADO

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